Das Porträt zeigt Carlo Emanuele I., Herzog von Savoyen von 1580 bis 1630, der eine seiner kostbaren Rüstungen und den Annunziata-Kragen trägt. Wie aus der Signatur unten links hervorgeht, handelt es sich um das Werk einer der seltensten und berühmtesten Malerinnen des 17. Jahrhunderts, Giovanna Garzoni (1600-1670) aus Ascoli. Von Christina von Frankreich nach Turin berufen, arbeitete sie dort von 1632 bis 1637. Im Königspalast ist das Pergament mit Carlo Emanuele I. das Gegenstück zu dem, das seinen Vater Emanuele Filiberto darstellt, während in den Uffizien die Porträts seiner Frau Caterina zu sehen sind Micaela und sein Sohn Vittorio Amedeo I. Das Gemälde mit seiner äußerst raffinierten Zeichen- und Bildtechnik zeichnet sich durch einen bemerkenswerten Naturalismus aus, obwohl es einige Jahre nach dem Tod des abgebildeten Herzogs entstanden ist. Die Malerin muss ein oder mehrere frühere Porträts anderer Autoren wie Giovanni Caracca aufgegriffen haben, erzielte jedoch ein viel höheres Ergebnis, was den Erfolg rechtfertigt, der nach ihrem Aufenthalt in Turin in Florenz und Rom erzielt wurde.

Der Tisch ist das einzige Zeugnis der piemontesischen Renaissance, das noch im Königspalast erhalten ist. Als Altarbild konzipiert, wurde es im 19. Jahrhundert von dem Kanoniker Giuseppe Benedetto Cottolengo Carlo Alberto geschenkt und im Schlafzimmer des Königs aufgestellt, wo es noch heute ausgestellt ist. Das Werk ist auf das Jahr 1523 datiert und dokumentiert den Stil des Chivasso-Malers, der zwischen dem von der Kunst der Alpen abgeleiteten gotischen Charakter und dem Einfluss des lombardischen Naturalismus schwebt. Die Madonna sitzt auf einem Thron, der mit einer mittelalterlichen Vergoldung bedeckt ist, und hält das Kind in ihren Armen, das mit dem Globus mit dem Kreuz, dem Symbol der Erlösung, dargestellt ist. An den Seiten sind die stehenden Figuren die Heiligen Johannes der Täufer und Nazario. Unten links ist der kniende Mann der Auftraggeber des Werkes, der mit Fell geschmückte Umhang und das Kreuz des Malteserordens kennzeichnen sein soziales Ansehen. Die Figuren scheinen ohne Verbindung zwischen ihnen zu sein, nur verbunden durch den klassischen Baldachin, der den Raum der Szene begrenzt.

Die Skizzen, die Francesco De Mura in Auftrag gegeben wurden, sind Modelle für die Realisierung einer Reihe von Wandteppichen für die Sala degli Staffieri (Königspalast, erster Stock). Sie wurden in Neapel, der Heimatstadt des Malers, gemalt und 1768 nach Turin geschickt. De Mura stellt die Geschichten von Aeneas und Dido dar, die an herausragende Episoden aus den ersten vier Büchern der Aeneis erinnern. Das mythologische Thema wird hier zu einer sentimentalen Lektüre angeboten: Aus der epischen Geschichte werden die zentralen Momente der Verliebtheit der Königin von Karthago in den trojanischen Helden, den Vorfahren der Römer, herausgegriffen. Die gemalten Episoden werden auf acht Wandteppiche übertragen, die zwischen 1771 und 1888 von der von Carlo Emanuele III. gegründeten Königlichen Manufaktur Turin hergestellt wurden. Die Wandteppiche sind gegen den Uhrzeigersinn lesbar und passen perfekt zwischen die Holzdekorationen der Umgebung, vier in der Mitte der Wände und vier, die die Ecken bedecken. Diese großformatigen Textilprodukte, die auf einem Webstuhl verarbeitet werden, verbinden die dekorative Funktion mit der eines Beitrags zur Wärmedämmung großer und schwer zu beheizender Umgebungen.

Das große Gemälde zeigt Vittorio Amedeo, Herzog von Savoyen, dann Vittorio Amedeo III, mit seiner Frau Maria Antonia Ferdinanda und den ersten fünf der zwölf Kinder. Es ist ein Familienporträt voller symbolträchtiger Elemente. In der Mitte der Szene hält der zukünftige König seinen ältesten Sohn, den Thronfolger Carlo Emanuele, an der Hand, während er mit der anderen auf einen kleinen Friedenstempel und einen Obelisken zeigt, auf dem zwei Putten das Savoyer Wappen halten und zwei Olivenzweige. Die Geste unterstreicht die politische Linie von Vittorio Amedeo, die auf die Wahrung des Friedens abzielt. Unten rechts sind einige Waffen und Rüstungen, die ihren kriegerischen Nutzen verloren haben, als Spielzeug für die Prinzen ungeordnet angehäuft. Der mit dem Pfeil in der Hand, ein männliches Attribut, ist der spätere Vittorio Emanuele I. Das Gemälde kann zwischen 1759 und 1760 datiert werden und befindet sich in den Gemächern im zweiten Adelsgeschoss, wo das Paar nach seiner Hochzeit 1750 lebte Der Corte-Maler Giuseppe Duprà aus Turin mit römischer Ausbildung porträtiert die Familie des zukünftigen Königs von Sardinien in einem prachtvollen Rahmen, wobei er sich auf die Kostbarkeit der bestickten Stoffe konzentriert.

Das Gemälde dient als Altarbild in der kleinen Kapelle, die an den Privataudienzsaal angebaut ist. Die Gestaltung der Umgebung wurde von Carlo Alberto dem Bologneser Maler Pelagio Palagi (1775-1860) anvertraut, einem der wichtigsten Protagonisten des frühen 19. Jahrhunderts in Italien. 1832 berufen und bald zum „Maler für die Dekoration der königlichen Paläste“ ernannt, widmete sich Palagi in der Turiner Residenz vor allem der Gestaltung der Innenräume: Wie ein moderner Designer entwarf er eine beträchtliche Anzahl von Dekorationselementen und Einrichtungsgegenständen, einschließlich des Altars selbst aus vergoldetem Holz, auf dem die Heilige Familie platziert ist. Das 1845 datierte Gemälde gehört zu den seltenen piemontesischen Gemälden, die der heute siebzig Jahre alte Palagi persönlich angefertigt hat, und spiegelt gut den typischen Geschmack des Klassizismus des 19. Jahrhunderts wider. Die Eleganz der Komposition, die ruhige Monumentalität der Figuren, die Helligkeit der Farben und das allgemeine Gefühl der Ruhe beziehen sich auf die Lehren Raffaels und anderer Künstler der Vergangenheit, von Correggio bis zu den Bologneser Klassikern des siebzehnten Jahrhunderts .

Das Aquarell verstärkt die visuelle Wirkung der Sacra di San Michele, die heute ein symbolisches Denkmal des Piemont ist, aber bereits zwischen dem 18. und 19. Jahrhundert als emblematisches Zeugnis des Savoyer Mittelalters galt. In der nebligen Atmosphäre verschmelzen Vegetation, Felsen und künstliche Steine und schaffen eine feierliche Begegnung zwischen den erhabenen Visionen der Alpenlandschaft und den malerischen Zeugnissen der mittelalterlichen Architektur, zwei Themen, die der figurativen Kultur des frühen 19. Jahrhunderts am Herzen liegen. Der in Turin geborene Giuseppe Pietro Bagetti (1764-1831) war ein großer Aquarellmaler, der sich insbesondere auf militärische Topographie und Landschaft spezialisierte. Sein bereits von Napoleon Bonaparte geschätztes technisches Know-how stand Vittorio Emanuele I. und dann seinem Bruder Carlo Felice zur Verfügung, für die er eine Reihe von Schlachten bzw. eine Reihe von Landschaften ausführte.

Die große Leinwand nimmt unter den Gemälden des Königspalastes aus dem 19. Jahrhundert einen absolut wichtigen Platz ein, die größtenteils von Carlo Alberto in Auftrag gegeben wurden, um die Lücke zu füllen, die die Werke hinterlassen haben, die in die Königliche Galerie übergingen. Der Autor, der Venezianer Francesco Hayez (1791-1882), entnahm das Thema einer Episode in der Gerusalemme Liberata del Tasso, die auch in dem Gedicht von Tommaso Grossi I Lombardi auf den ersten Kreuzzug vorkommt. Hayez arbeitete dort mehrere Jahre und mit großem Engagement mit dem Ziel, ein monumentales Werk von nationaler Tragweite zu schaffen, in dem eine große Zahl von Christen in Leiden und Glauben vereint waren. Aus Sicht des Risorgimento könnte dieser Zustand ähnlich dem des italienischen Volkes sein, das sich vom österreichischen Joch befreien möchte. Es ist kein Zufall, dass Carlo Alberto, Förderer der Unabhängigkeitskriege, das Gemälde im ersten Vorzimmer seiner repräsentativen Wohnung aufstellen wollte. Leider dauerte die Arbeit des Malers länger als erwartet und als die Leinwand 1850 platziert wurde, war der König bereits tot. Noch heute schätzen wir in diesem Meisterwerk den frischen Kolorismus, der an das venezianische 18. Jahrhundert erinnert, und die großartigen Zeichen- und Porträtfähigkeiten, die Hayez zum führenden Maler der italienischen Romantik gemacht haben.

1710 in Meißen bei Dresden von August II. dem Starken von Sachsen nach den Forschungen des Chemikers Johann Friedric Böttger gegründet, geriet die Manufaktur mit dem Siebenjährigen Krieg in eine Krise und durchlief verschiedene Wechselfälle. Der Louis XVI-Geschmack wurde später dem Rivalen Sèvres vorgestellt. Eine bemerkenswerte Verbreitung auf dem Markt fand zwischen 1833 und 1870 statt, mit der Wiederbelebung und Neugestaltung von Objekten aus der goldenen Zeit im Neorokoko-Stil; Ende des 19. Jahrhunderts breiteten sich Objekte des eklektischen Geschmacks aus. Im letzten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts kaufte der italienische Hof verschiedene Service, die Dekorationen aus dem 18. Jahrhundert reproduzierten, und bestellte oft Repliken der alten Service. Die Terrine verwendet den Bildschmuck „Deutscher Vogel“ und die Reliefbordüre „Alt Ozier“. Die Stücke zeichnen sich durch Bildmotive von bunten Vögeln auf Zweigen und Insekten auf einem strahlend weißen Hintergrund aus; Ein Teil des Bodens hat eine subtile korbartige Flechtmodellierung. Der erhöhte Rand ist vergoldet; die griffe und der knopf des deckels werden durch das erneute vorschlagen von geschmackvollen rocailles-motiven hergestellt, die ebenfalls teilweise vergoldet sind.

Es ist ein merkwürdiges Objekt, dessen allgemeine Form an einen Ofen erinnert, breiter an der Basis, mit vier Füßen und an der Krone mit einem Rahmen, hinter dem die Metallstruktur wie Spitze perforiert ist; Der zentrale Körper ist mit einer Kurbel mit Uhrwerk und einem Glockenspiel ausgestattet, um das Ende der Garzeit anzuzeigen. Die Metalloberflächen sind mit verschiedenen dekorativen Motiven geprägt. Diese Strukturen unterschiedlicher Größe wurden vorzugsweise in den Kaminen platziert, um die zu kochenden Speisen auf speziellen Stangen und in variablen Höhen zu tragen. Die Rotisserie wird noch in der Werkzeugliste der im als „Zweigdepot“ genutzten Keller liegenden Mundämter aus dem Jahr 1950 erwähnt, die die Werkzeuge in der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg auflistet.

Die Wiener Manufaktur wurde 1717 gegründet und Dekorateure und Chemiker aus Meißen landeten dort, wo das erste europäische Porzellan hergestellt wurde. Die Verwaltung durch den Staat sicherte die notwendigen wirtschaftlichen Ressourcen, und die anschließende Entdeckung von Kaolinvorkommen in Ungarn ermöglichte die Produktion eines Zellstoffs von besserer Qualität. Die Tasse, in typischer sogenannter Kraterform, mit goldgefädeltem Volutenhenkel, glänzendem Goldgrund und diversen Verzierungen, hat einen Spiegel mit Blick auf das Neue Wiener Tor von außen gesehen, während die Untertasse bietet eine Fliese mit der Vision der gleichen Tür, aber aus dem Inneren der Stadt, also mit einem lebendigen und vollständigen Sinn für die Realität. Die Kraterform ist typisch für die Wiener Produktion der Biedermaierzeit, als ein charakteristischer bürgerlicher Geschmack vorherrscht. Landschaftsmalerei ist auch im dekorativen Repertoire des Wiener Porzellans sehr häufig; Die am häufigsten vertretenen Sujets sind gerade die Ansichten von Wien und Umgebung, die den Stichen von Carl Schutz, Lorenz Janska und anderen aus dem späten 18. Jahrhundert entnommen sind.