Das Scarognino-Polyptychon , ursprünglich in Santa Maria delle Grazie in Varallo, in der Kapelle der Unbefleckten Empfängnis, die jetzt Santa Margherita da Cortona gewidmet ist, zeigt die aktuellste Kultur, die im Valsesia am Ende des 15. Jahrhunderts verfügbar war. Wer es ausgeführt hat, ist vielleicht Francesco Spanzotti, Bruder des bekannteren Martino und bereits in der Kapelle Santa Margherita in Crea im Auftrag des Markgrafen von Monferrato Guglielmo VIII Paleologo tätig. Unten rechts, kniend und in formelle Kleidung gekleidet, ist der Bauherr Marco Scarognino dargestellt, der wahrscheinlich für die Ankunft des Franziskaners Bernardino Caimi, Gründer des Sacro Monte, in Varallo verantwortlich ist: Die 1486 begonnene Baustelle hat entscheidende Auswirkungen auf die Landschaft lokaler Kunst und öffnet die Türen zu einer neuen Moderne.

Das Gemälde war, wie seine Größe vermuten lässt, für die private Andacht bestimmt und erreichte in der Antike den Sacro Monte di Varallo und ging dann Ende des 19. Jahrhunderts in die Sammlungen des Museums über. Christus wird als Schmerzensmann dargestellt, mit purpurfarbenem Umhang, dornenbekrönt, mit vor der Brust gekreuzten Händen und offenen Augen, entsprechend der im germanischen Kontext wiederkehrenden Ikonographie. Die Komposition, die fast als eine Erfindung von Dieric Bouts (ca. 1415 - 1475) angesehen wird, enthält die Mater dolorosa neben Christus, um ein Diptychon zu komponieren: den bemalten Rahmen, der den Christus umrahmt, mit zwei ineinander verschlungenen Akanthusblättern und einem ruhenden Schild auf a schmale Säule, sie setzte sich sicher in dem verlorenen Anhänger mit der Jungfrau fort, deren Schatten neben der rechten Seite von Jesus bleibt.Die Restaurierung der Tafel hat die Nachwelt des heutigen Holzrahmens verdeutlicht, der möglicherweise zur Zeit der Zerstückelung des Gotteshauses angefertigt wurde ursprüngliches Diptychon.

Die Holzgruppe des Salbungssteins stammt aus dem ältesten Kern des Sacro Monte di Varallo. Die Kapelle, die ursprünglich die Skulpturen beherbergte, war Teil des vom Franziskaner Bernardino Caimi initiierten Projekts zur Nachahmung der Heiligen Stätten und sollte an den Ort erinnern, der durch einen Stein in der Basilika des Heiligen Grabes in Jerusalem gekennzeichnet ist, an dem die Salbung stattfand des Leibes Christi vor seinem Begräbnis. Die Gruppe, die sich auf die lombardische Werkstatt der Brüder Giovanni Pietro und Giovanni Ambrogio De Donati bezieht (dokumentiert zwischen etwa 1470 und 1530), die Ende des 15. Jahrhunderts zu den aktivsten im Mailänder Herzogtum gehörte, gehört zu den wichtigsten Quellen für der junge Gaudenzio Ferrari, der ihn als Bezugspunkt in seinen ersten Bildwerken, wie dem Tisch mit der Kreuzigung, immer wieder in die Museumssammlungen nimmt. Die profunde psychologische Analyse der Charaktere, die ein inneres Drama dämpfen, ist das Produkt einer raffinierten Kultur, die Emotionen in einfache Volumen und in schwebende Gesten und Blicke übersetzt.

Diese bewundernswerte Engelsverkündigung ist im dritten Saal der Pinakothek ausgestellt. Zusammen mit einer anderen heute verschollenen Tafel mit der angekündigten Jungfrau befand es sich in der 1773 abgerissenen „Alten Kirche“ auf dem Sacro Monte di Varallo Hilfe eines Mitarbeiters, vielleicht Sperindio Cagnoli aus Novara, um 1515. Die jüngste Restaurierung hat die ursprünglichen Farben und den Glanz des detailreichen Gemäldes wieder zum Leben erweckt: der grün-schwarze Rautenboden, die ferne Landschaft, die Blumenkrone auf dem Kopf des Engels und kostbare Pflanzenverzierungen in laminiertem Gold an den Ärmeln seines Gewandes.

Die historisierten Tafeln, die heute im fünften Saal der Pinakothek ausgestellt sind, waren Teil einer zerstückelten Ancon, die die Mysterien des Rosenkranzes darstellt: Die Episoden aus dem Leben Christi und der Jungfrau Maria sind in rechteckige und ovale Rahmen eingefügt, umgeben von dekorativen Motive. Aufgrund der Qualität der Schnitzerei und Polychromie und der erzählerischen Frische gehören diese Basreliefs zu den bedeutendsten Beispielen der lokalen Holzproduktion in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Für die Ausführung dieser kleinen Bühnen, fast ein tragbarer Sacro Monte, wurde kürzlich der Bezug zur Werkstatt des Bildhauers Gaudenzio Bonino aus Varese vorgeschlagen. Zu seinen dokumentierten Werken gehören das antike Altarbild des Rosenkranzes in der Pfarrkirche von Zuccaro in Valduggia (VC) und die Tischlerei des Altarbildes mit der Prozession des Heiligen Nagels , gemalt von Tanzio da Varallo für die Kirche San Lorenzo in Cellio (VC ), beide 1628 hingerichtet.

Vor einem unbestimmten dunklen Hintergrund, der die braune Präparation der Leinwand erkennen lässt, taucht die Gestalt des jungen David wie eine sich materialisierende Vision auf. Ihr Haar wird von einer leichten Brise verweht, ihre Wangen sind rot vom gerade beendeten Kampf mit dem Riesen Goliath. Der grobe Realismus von Goliaths Kopf, den der junge Hirte wie eine Kampftrophäe erhebt, gleicht die melancholische Verstörtheit Davids aus, dessen Blick in Richtung des Betrachters schwebt. Im Vergleich zu der anderen im Museum aufbewahrten Version ist auf diesem Gemälde der Einfluss der Tradition des lombardischen Manierismus weniger vorherrschend und es dominieren immer noch die caravaggesken Andeutungen der römisch-neapolitanischen Periode von Tanzio (ca. 1582 - 1633): das Zitat von David del Merisi heute in der Galleria Borghese in Rom vor allem im Detail des Porträtkopfes Goliaths sichtbar, ist es nur die auffälligste der im Gemälde lesbaren Matrizen.

Die Leinwand gelangte Ende des 19. Jahrhunderts in die Sammlungen des Museums und wurde bald zu einer Art Ikone. David hat gerade den Riesen Goliath geköpft und wendet sich plötzlich dem Betrachter zu. Das Gemälde fängt den Moment der extremen körperlichen und seelischen Anspannung des jungen Hirten ein: Der rechte Arm ist gesenkt, nachdem er das Schwert geschlagen hat, der linke, mit angespannten Muskeln und diagonal gestreckt, als wäre er der Protagonist des Werkes, ist zu hebe den riesigen Kopf des Riesen.

Der Naturalismus der Details, vom Pelz auf Davids Schultern über die Netztasche mit schweren Steinen, die an der Taille gebunden sind, bis zum felsigen Hintergrund auf der linken Seite, koexistiert mit der offensichtlichen Plastizität der Figur: Zu der caravaggesken Referenz kommt die von hinzu lombardischer Manierismus.

Dieses Stillleben ist Teil einer Serie von drei Gemälden, die in den Räumen der Pinacoteca ausgestellt sind, die den Sammlungen des Palazzo d'Adda in Varallo gewidmet sind, dem Wohnsitz der gleichnamigen Mailänder Bankiers- und Kaufmannsfamilie, die seit Mitte des 16. Jahrhunderts im Valsesia präsent ist . Die Autorin, Margherita Caffi (1648-1710), ist die Tochter von Vincenzo Volò, bekannt als „Vincenzino dei Fiori“ wegen der außergewöhnlichen Vielfalt seiner botanischen Kompositionen. Margherita, die den Nachnamen ihres Mannes, des Cremoneser Malers Ludovico Caffi, trägt, schuf das Gemälde in den frühen Tagen ihres endgültigen Umzugs nach Mailand (um 1685), wo sie vollständig in die Familienwerkstatt eintrat. Am 2. Februar 1697 wurde sie zusammen mit ihrer Schwester Francesca und Lucrezia Ferrari, wie ihre beiden Maler, die erste und einzige Frau, die dieses Privileg erhielt, in die Mailänder Akademie von San Luca aufgenommen.

Das große Gemälde des Walliser Malers Pier Celestino Gilardi (1837-1905), bekannt als Il Renaiolo sul Po , wurde 1892 gemalt, als es in Turin im Schloss Valentino ausgestellt wurde. In der unmittelbaren Zukunft hatte das Gemälde keinen großen Erfolg und in der mit Informationen immer großzügigen lokalen Presse erschienen nur wenige Hinweise auf diese großartige Komposition und auf die Neuheit des Themas, das es behandelt. Die Figur des Mannes im Vordergrund, der mit brutaler Anstrengung versucht, die mit Sand beladene Schaufel aus dem Wasser des Flusses zu heben, ist im Hintergrund eine Fotografie von Turin im späten 19. Jahrhundert, mit den von den Wäscherinnen aufgehängten Kleidern das Ufer des Po und die Dampfstraßenbahn, die die Brücke überquert, in Richtung Gran Madre.

Das große Gemälde, das Werk von Emilian Camillo Procaccini (1561-1629), gehört zur Sammlung Remogna und wurde dem Palazzo dei Musei zwischen 2002 und 2013 geschenkt sein erster lombardischer Patron, Graf Pirro I. Visconti Borromeo, der es auswählte, um seine Residenz außerhalb der Stadt Lainate zu schmücken. Es ist nicht bekannt, ob es sich um das Werk handelt, das der Abhandlungsschreiber Giovan Paolo Lomazzo 1587 in einer Terzette seines Rime beschrieben hat, die von einer mysteriösen Opferung Isaaks erzählt, die Procaccini für seinen Gönner gemalt hat. Wenn dies der Fall wäre, wäre das Gemälde heute in Varallo eine Art Visitenkarte der malerischen Fähigkeiten des jungen Künstlers, der in wenigen Jahren eine absolute Führungsrolle in der Mailänder Szene des späten 16. Jahrhunderts erlangte.

Die kleine Leinwand zeigt den Moment, in dem Franziskus auf dem Berg Verna auf die himmlische Vision eines Seraph-Engels am Kreuz wartet, der das wundersame Ereignis der Aufnahme der Stigmata vorwegnimmt. Die Entscheidung, diesen Moment der Beklommenheit darzustellen, bietet dem Maler die Möglichkeit, das gesamte symbolische und psychologische Potenzial der Landschaft zu erleben: Die undurchdringliche und erhabene Natur ist so mächtig, dass sie zum Protagonisten wird, der mit einer auf wenige Nuancen reduzierten Farbpalette gemalt wird blau ist es grau. Zwei Mönchsfiguren sind auf dem Weg zum Heiligtum, das auf einem Hügel steht, nachdem sie eine provisorische Brücke aus einfachen Holzbrettern überquert haben. Auf der gegenüberliegenden Seite sind in der Ferne einige Gebäude zu erkennen, umgeben von einer Bergkulisse, die vielleicht an die Herkunftslandschaften des Malers aus Alagna erinnert, aber auch an die durchquerten und während des langen Aufenthalts in dieser Ferne bewohnten Abruzzen landet.

Das große Becken aus dem dritten Viertel des 16. Jahrhunderts gehört zur Sammlung Francesco Franchi , die dem Palazzo dei Musei zwischen 2004 und 2007 geschenkt wurde. Es ist Teil eines Kerns von Exemplaren der typischen „Weißen von Faenza“ oder „Compendiari“. der Produktion von Faenza ab Mitte des 16. Jahrhunderts und gekennzeichnet durch die Verwendung von nur zwei Farbbereichen, Türkis und Gelb-Orange, für die Dekoration der Majolika, im Gegensatz zu den überflüssigen Polychromien des historisierten Stils. Auf dem Becken ist die biblische Episode dargestellt, in der Abigaille König David Geschenke darbringt : Die Frau kniet nieder, während sie die Hand des letzteren küsst, während ihre Mägde die Geschenke bringen. Das Motiv stammt von einem Stichel der Schule von Marcantonio Raimondi, dessen Abmessungen dem Durchmesser des Tellers entsprechen, was darauf hindeutet, dass für die Dekoration der Majolika eine integrale Bestäubung der figurativen Komposition erhalten wurde.

Der Teller, der in voller Polychromie bemalt ist, illustriert die Geschichte von Dädalus und Ikarus, die in Ovids Metamorphosen erzählt werden, und ist Teil eines Kerns von historisierter Majolika, die wegen ihres erzählerischen Geschmacks so genannt wird.

Oben erobern Vater und Sohn den Himmel dank der aus Federn und Wachs gebauten Flügel; Unten hilft Daedalus Ikarus nach seinem Sturz, der auftrat, weil er der Sonne zu nahe gekommen war. Eine zeitlose Metapher, die uns daran erinnert, dass man die Grenzen seiner Natur nicht herausfordern kann.

Das Hinrichtungsdatum 1542 ist auf der Rückseite des Artefakts aufgemalt.

Diese große Erhebung ist vollständig mit orientalischen Darstellungen geschmückt, die auf drei Stockwerke verteilt sind: Von oben nach unten erscheint eine Felseninsel mit einem kleinen Boot und einer Dschunke, die von Charakteren bewohnt wird, eine offizielle Zeremonie, bei der ein Gefangener einem Souverän, vielleicht einem Kaiser, vorgestellt wird , sitzend auf einem Thron unter einem Baldachin, und eine Figur mit einem typischen orientalischen Regenschirm, die in der Nähe eines Gebäudes dargestellt ist. Blumenschmuck, Vögel und kleine Insekten umgeben die beschriebenen Motive. Das Gericht, das von der Verbreitung des Chinoiserie-Geschmacks im Europa des 18. Jahrhunderts beeinflusst wird, bezieht sich auf die Herstellung von Giorgio Giacinto Rossetti, der diese Art von Dekoration Anfang der 1840er Jahre erfolgreich in Turin herstellte.

Die große Vase ist eines der prestigeträchtigsten Stücke der Francesco Franchi-Kollektion. Es wird Carlo Antonio Grue (1655-1723), dem Hauptarchitekten der barocken Majolika in Italien, zugeschrieben. Auf dem Körper des Artefakts sind die biblischen Episoden von Joshua, der die Sonne anhält, und die Bekehrung Saulus dargestellt : Die ausgeprägten Gesten und die sorgfältige Wiedergabe der Vorhänge verleihen den Figuren Lebendigkeit, die teilweise aus dem Repertoire der im Umlauf befindlichen Graveure stammen. Die Eleganz des Bildstils von Grue wird auch in den raffinierten Goldakzenten eingefangen, die das Ergebnis eines hohen technischen Know-hows sind.

In der Sammlung Varese gibt es eine weitere Vase ähnlichen Typs, die mit Szenen aus dem Leben Christi verziert ist.