„Ich hatte das Bedürfnis, über die einfache ästhetische Seite, deren Bedeutung ich immer noch verstehe, hinaus zu sprechen – über die Ressourcen und die Kraft, die in Menschen freigesetzt werden, die Momente der Zerbrechlichkeit erleben müssen.

Die Circle Dances richten sich an alle, die einen Weg der inneren Achtsamkeit beschreiten und von der erzeugten Gruppenharmonie profitieren möchten: Die Schritte und Bewegungen, die geometrische Formen im Raum zeichnen, verbinden uns mit dem Kosmos, mit den Kräften des Lebens, mit dem Göttlichen Energie, die die gesamte Schöpfung erhält. Das Tanzen im Kreis regeneriert uns körperlich und seelisch und ermöglicht es unserem Geist und unseren Emotionen, sich auszurichten und ein Gleichgewicht zu finden.

Durch Circle Dancing feiern wir alle Aspekte unseres Lebens und werden ermutigt, eine Atmosphäre des gegenseitigen Vertrauens und der Kreativität zu schaffen.

Ich erforsche das Licht im Herzen.“

Mori Andrea wurde 1977 in Sondrio geboren, lebt in La Valascia (SO) und arbeitet in den Wäldern, in denen er spazieren geht. Er schloss sein Studium an der Brera Academy of Fine Arts mit einer Diplomarbeit über das Thema Gehen ab und spezialisierte sich anschließend auf Kunsttherapie mit einem Abschlussaufsatz über Populärkultur, Legenden und Wege von Valmalenco (SO). Im Laufe der Jahre hat er seine Fähigkeiten weiterentwickelt eigene künstlerische Forschung – mit Schwerpunkt auf der Schaffung ortsspezifischer Installationen – die sich mit Themen wie Reisen zu Fuß, Beobachtung und Studium des Territoriums in all seinen Formen befasst. Zu den letzten Wanderungen: 15 Tage auf La Palma (Spanien), 7 Tage an der Küste Sardiniens, 10 Tage in den Bergen der Abruzzen. Unter den Ausstellungen: „The Tree of Memory“, Slow Walk Festival, Feltre, 2019 – „Patriarchi Arborei“, Galleria Credito Valtellinese und MVSA, Sondrio, 2017 – „INN-EN“, Styleconception, Innsbruck, 2016.

https://terraestorie.it/

„Irgendwo habe ich „Lächeln“ gelesen, es verwirrt die Leute!

Ein Lächeln kann spontan oder gezwungen sein. Es kann mit Übungsschichten aufgebaut werden.

Es kann ein Akt des Mutes sein, ein subversiver Akt, wenn niemand von Ihnen erwartet, dass Sie ihn tun.

Lächeln ist der Ausdruck eines Willens: ein Gefühl der Güte, das uns und unsere Wahrnehmung der Welt verändern kann.

Es ändert nichts an der Situation, aber es wirft ein goldenes Licht auf alles.

Ein Lächeln kann Menschen zusammenbringen, auch wenn sie sich nicht kennen.

Das Lächeln ist ansteckend.

Du lächelst."

Anna Giuntini wurde 1980 in Salutio in der Provinz Arezzo geboren und definiert sich selbst in wenigen Worten als bildende Künstlerin, stolze Mutter, Musiksüchtige und Sammlerin von Erinnerungen. Er pflegt seit jeher eine eigene Sichtweise und ein Interesse an der Erforschung von Ausdrucksmitteln. Er studierte zunächst „Modekunst und Theaterkostüme“, dann Illustration und Fotografie am IED.

Von hier aus befasst er sich mit der fotografischen Postproduktion; erlebt den Übergang zwischen analoger und digitaler Fotografie durch die Zusammenarbeit mit Giovanni Gastel. Seine künstlerische Produktion vereint all diese Erfahrungen in einem Mix aus analogem und digitalem, mit dem Ziel, durch einen handwerklichen Eingriff das Geschaffene in Serie reproduzierbar zu machen. Die Ausdruckssprache ist grundsätzlich figurativ, weist jedoch aufgrund der unterschiedlichen verwendeten Materialien einen stark evokativen und suggestiven Charakter auf. Fotografie, Collage, Papier und Tinte sind die am häufigsten verwendeten Mittel seiner Untersuchung von Erinnerungen, Orten, Zeiten und Emotionen. Gold hatte in seinen Werken also schon immer eine bedeutende Präsenz.

https://www.annagiuntini.com/

„Das Thema der Arbeit ist ein echtes, auf Papier fixiertes Blatt, das nur durch eine Art Bullauge betrachtet werden kann, die mit Transparenzspielen geschaffen wurde, um die Aufmerksamkeit auf ein Detail der Blattader zu lenken und nicht auf die gesamte Form, die erscheint.“ fällt mir meist mehr auf.

Es ist eine Metapher für die Abfolge von Ereignissen, die uns alle zu dem formen, was wir sind; wenn wir uns mit der letzten Kraft, den widerspenstigsten, zerbrechlicher, aber einzigartiger in unserer Subjektivität zeigen und unsere ganze Schönheit offenbaren.“

Annalisa Di Meo, geboren 1977 in Brescia, begann ihre künstlerische Ausbildung am Liceo Artistico „M. Olivieri“ in Sarezzo (BS), wo er 1995 mit voller Punktzahl abschloss. Anschließend schrieb er sich am Polytechnikum Mailand ein, wo er 2003 seinen Abschluss in Architektur machte. Während seines Universitätsstudiums erlangte er auch die Qualifikation zum Grafikwerbefachmann.

Seine Forschung ist als Untersuchung des Potenzials der Materie, Gegenstand eifriger Experimente, bei der Definition raffinierter formaler und chromatischer Gleichgewichte charakterisiert, in denen die Formen der Natur in einem metaphorischen Ton wiedergefunden werden, um die dem Scheinbaren innewohnende Poesie anzudeuten am einfachsten und gewöhnlichsten.

Seit 2006 nimmt er an Ausstellungen und Wettbewerben in Italien und im Ausland teil.

https://annalisadimeo.com/

„Es ist unmöglich zu verstehen, was ein von Krebs betroffener Mensch durchmacht: Er muss nicht nur die Transformation seines Körpers akzeptieren, sondern auch sein Selbstvertrauen und sein Selbstwertgefühl neu aufbauen, um einen neuen Platz in der Gesellschaft zu finden.“

Rückkehr zur Normalität: leicht gesagt, aber sehr komplex und ermüdend, wenn man so ein Trauma erlitten hat.

Mit meiner Arbeit versuche ich, meinen Standpunkt zu vertreten, alle Menschen zu würdigen, die diesen Weg mühsam gehen, und sie zu ermutigen, eine neue Balance zu finden: sich nach einer Krankheit zu regenerieren und wie von einem Schlachtfeld wiedergeboren zu werden.

Die Farbe in kleinen Flecken im Gesicht ist nicht nur Make-up : Sie ist ein Anfang, ein Schritt in ein neues Leben.“

Armando Tinnirello drückt sich mit Malerei, Fotografie und Multimedia aus.

In der Fotografie lässt er sich von der Natur, dem Mythos der Metamorphosen und dem Schamanismus inspirieren und kreiert Stammesmasken. In der Malerei lässt er sich von der Philosophie des Heraklit, dem Mythos vom Urfeuer, inspirieren.

Er hat an Dutzenden Gruppenausstellungen von New York City über die Art Basel Miami bis zum Louvre teilgenommen und zahlreiche Einzelausstellungen veranstaltet.

https://armandotinnirello.wixsite.com/tinnirello

ICON: weibliches Substantiv; in der Sprache der Semiologen eine dem Bild anvertraute Botschaft.

Diese Arbeit zielt, wie auch die Ikone, darauf ab, über die Bedeutung des eigenen Bildes nachzudenken.

Die Kontur des Gesichts ist offen, ebenso wie die Identität derjenigen, die vor einem Prozess der Neubildung ihres Selbst stehen, offen ist.

Das Gold des Hintergrunds, aus dem die Gesichtszüge hervortreten, stellt den heiligsten und spirituellsten Teil des Individuums dar, die Brücke zwischen Geist und Körper.

Die frischen, fast naiven Farben sind eine Hommage an die Verspieltheit des Make-ups. Sie bringen uns zurück in eine spielerische Dimension, die sich wie in der Kindheit für Experimente in einem gemeinsamen, aber zutiefst persönlichen Bereich öffnet, jenseits auferlegter Regeln.

Francesca Veneri lebt und arbeitet in Verona, wo sie 1964 geboren wurde. Nach ihrer Ausbildung am Istituto Marangoni in Mailand besuchte sie die Accademia del Superfluo in Rom und die Cignaroli-Akademie der Schönen Künste in Verona, wo sie kostenlose Anatomiekurse besuchte, künstlerische, Seit über fünfzehn Jahren zeichnet er in den Bereichen Zeichnung, Fresko, Ölmalerei und Aquarellmalerei und übt parallel dazu seine berufliche Tätigkeit in verschiedenen künstlerischen Bereichen aus.

Sein kreativer und neugieriger Geist kommt seit Jahren in verschiedenen künstlerischen Formen zum Ausdruck: Modedesign, Innendekoration, Schaffung von Trompe l'oeil und Fresken, Malerei. Er beteiligte sich an der Gestaltung von Bühnenbildern und Kostümen für Kurzfilme und ist Professor für Malerei und künstlerischen Ausdruck an der Freien Universität Valpolicella-Verona. Gleichzeitig ist sie seit 2015 Mitglied der GB Cignaroli Academy of Fine Arts und organisiert und leitet gemeinsam mit anderen Mitgliedern die kostenlosen Kurse.

https://francescaveneri.webflow.io/

„Eine unbestimmte und flüchtige Figur geht durch einen Raum, der von starren und riesigen Blicken eingenommen wird: Die Gesichter eines Mannes und einer Frau, wirklich alt, sind zwar im Bild getrennt, aber im Ausdruck im Einklang. Aus den Falten, die die Gesichtshaut beeinträchtigen, wird die kraftvolle Energie eines breiten, sanften Lächelns freigesetzt, die direkt dazu führt, das ignorierte und vergrabene Verlangen nach Hoffnung zu erschüttern, das wir in unseren Herzen hegen ...“

Gigi Tramezzani wurde 1956 in Saronno geboren. Neben seiner unternehmerischen Tätigkeit widmet er sich dem Gemeinschaftsleben in der Stadt und arbeitet mit verschiedenen Vereinen im Bildungsbereich zusammen.

Er näherte sich schon sehr früh der Welt der Kunst und drückte sich vor allem in der Fotografie aus, für die er mehrere Auszeichnungen erhielt; er stellte seine Werke in Mailand, Forlì und Bari aus.

gigi@tramezzani.com

„Das Werk Lights in the Dark wurde geschaffen, um die Geschichte der möglichen Schönheit zu erzählen, die in Situationen des Leidens und des körperlichen und emotionalen Unbehagens verborgen ist. Kleine Lichtellipsen tauchen aus den schwarzen Infrastrukturen auf, die zur Selbstverteidigung und in den dunklen Nächten errichtet wurden.“

Giulia Nelli wurde 1992 in Legnano geboren, wo sie lebt und arbeitet. Nach seinem Studium an der Brera-Akademie kombiniert er Ausbildung und Erfahrung in Bereichen wie Design, Einsatz von Technologie bei der Ausstellungsgestaltung, kuratorischen Fähigkeiten und Kunstkursen für Kinder. Er nimmt an zahlreichen Kunstpreisen teil, erhält häufig Anerkennung und stellt regelmäßig in Einzel- und Gemeinschaftsausstellungen aus.

Sein kreativer und künstlerischer Weg ist geprägt von der Suche nach dem multisensorischen Potenzial von Farben und Materialien, um die Kommunikationsfähigkeit und das Erlebnis im Umgang mit Objekten zu intensivieren.

https://nelligiulia.com/

„Meine Keramikkreationen haben viele Gemeinsamkeiten mit der Mutterbrust: Beide drücken Leben, Stärke und Wiedergeburt aus.

Keramik ist ein starkes und stabiles Material, das den Belastungen der Zeit standhält, genau wie die Brust einer Mutter, aber gleichzeitig zerbrechlich.

Kintsugi ist eine alte japanische Kunst, die darin besteht, zerbrochene Keramikgegenstände mit einer Goldpaste zu restaurieren: Diese edle Geste – oft als Heilkunst bezeichnet – gibt der Keramik nicht nur ihren Wert zurück, sondern macht sie tatsächlich einzigartig und wertvoll.

Diese Technik stellt eine tiefgreifende Metapher für das Leben dar: Die Wunden und Narben, die wir tragen, sind Teil von uns und Symbole für Kampf, Hartnäckigkeit und Sieg. Kintsugi lehrt uns, über den Schein hinauszugehen und den unschätzbaren Wert der Unvollkommenheit zu schätzen.“

Der 1976 in Mailand geborene Johnny Pixel, geborene Johnny Papagni, begann seine künstlerische Forschung Mitte der 90er Jahre.

Nach einem ersten Ausflug in die Malerei experimentiert er mit den Möglichkeiten des Materials, indem er Wachse und Metalllegierungen auswählt. Diese ersten Erfahrungen werden in der Tuschezeichnung sublimiert, wo ein scheinbares Chaos stattdessen Spuren und Hinweise auf seine Erfahrung und seine künstlerische Zukunft verbirgt.

Im Jahr 2010 werden Licht und Schatten zum Rohmaterial seiner Forschung: So entstehen die „Fotografischen Transpositionen“.

Die Streifzüge in den Alltag erwecken stattdessen die Serie „Instants from The World“ zum Leben, in der der Künstler Bilder einfängt, die zur Welt um ihn herum gehören und ihn auf irgendeine Weise zutiefst kontaminiert haben, und sie dann aus seinem persönlichen Blickwinkel überarbeitet darstellt Sicht .

Derzeit experimentiert er mit neuen Ausdrucksformen durch die Modellierung von Keramik zu Objekten, die von der Natur inspiriert und für vielfältige Verwendungszwecke konzipiert sind.

https://www.tuttetettedesign.it/

„Den eigenen Rekord zu überwinden und dem Ziel entgegenzuschreiten: Das ist die Aufgabe des Sportlers, der sein Rennen vorbereitet. Mut, Schönheit einer Frau und Geistesstärke sind die Waffen im Kampf, sich den vor ihr liegenden Herausforderungen direkt zu stellen. Eines Tages wird sich diese Frau mit einem Lächeln und strahlenden Augen umdrehen und an ihre Vergangenheit denken.“

Kazuto Takegami wurde 1970 in Japan geboren und arbeitete nach seinem Abschluss an der Musashino Art University in Tokio einige Jahre als Kunstprofessor. In dieser Zeit beschloss er, sein Leben der Malerei zu widmen. Er kam 1998 mit einem Stipendium an der Brera-Akademie der Schönen Künste in Mailand nach Italien, der Stadt, in der er derzeit lebt und arbeitet. Er kombiniert Ölgemälde mit unverwechselbaren Tuschen auf Papier, in einem poetischen Diskurs zwischen Mensch und den Elementen der Natur. Seit 2020 ist er Mitglied von Permanente in Mailand.

http://www.kazutotakegami.com/

„Für mich ist das Meer der Sinnbild für Kraft und Ruhe, Gelassenheit und Spannung. Jenseits der Dichotomien gibt mir das Stehen am Meer das Gefühl, alle Möglichkeiten meines Lebens vor mir zu haben.“

Luca Conca wurde 1974 in Gravedona (CO) geboren. Er besuchte die Brera Academy of Fine Arts, wo er 1998 sein Malereistudium abschloss. Er lebt und arbeitet in Morbegno (SO).

Wichtigste Einzelausstellungen: 2004 Charaktere und Landschaften – kuratiert von Alessandro Riva, Galleria Antonia Jannone, Mailand; 2005 Luca Conca – herausgegeben von Michele Tavola, mit einem Text von Andrea Vitali, Villa Sirtori, Olginate (LC); 2007 Double Gaze – herausgegeben von Rino Bertini, mit Texten von Marco Vappello und Armando Massarenti, Galleria Credito Valtellinese, Palazzo Sertoli, Sondrio; 2010 Der weiße Schatten des Berges – herausgegeben von Fernando Gianesini, mit einem Text von Elisabetta Sem, TECA, Chiesa Valmalenco (SO); 2016 Der bemalte Schleier, kuratiert von Elisabetta Sem, Galleria Manificsto Blanco, Mailand; 2018 The long goodbye – kuratiert von Marcello Abbiati, Galleria Manifiedto Blanco, Mailand. Im Laufe der Jahre nahm er an zahlreichen Gemeinschaftsausstellungen teil.

https://www.lucaconca.com/

„Diese Arbeit, begleitet vom Text „Instructions for another day“ , möchte die kathartische Reise einer Seele in ständiger Bewegung erzählen, die mit der Energie der Farben auf der Suche nach einem besseren Morgen spielt. Die lebendige Explosion, die der Leinwand entkommen zu wollen scheint, stellt den Wunsch dar, trotz der Schwierigkeiten des Lebens ein neues Lächeln zu tragen und sich schön zu fühlen und einen Schritt nach vorne zu machen und leicht zwischen den Wellen eines freundlichen Meeres zu schweben.

Das Gemälde ist allen Frauen gewidmet, die wie ich einen schwierigen Moment durchgemacht haben oder vor ihnen stehen, ohne jemals ihr Selbstvertrauen und den Wunsch zu verlieren, ein Morgen voller Farben zu leben.“

Manuela Manes wurde in der Provinz Pordenone geboren und lebt in Mailand. Sie hat einen Abschluss in Rechtswissenschaften und arbeitet in der Kommunikationsbranche, erweitert jedoch ihre Perspektive auf einen Weg, der sie zum Studium und Malen führt, auf einer inneren Reise, die ihre Seele in Farbe erforscht und erforscht. Er malt hauptsächlich abstrakte und konzeptuelle Themen mit Öl, Acryl, Sand, Papier und Emaille.

Sie ist fasziniert von Farben und Materialien und orientiert sich dabei an den großen Meistern von Pollock bis Burri. Vor allem aber lässt sie mit ihrer Kunst die Orte, an denen sie gelebt hat, und die Farben, denen sie begegnet ist, in einer ständigen Weiterentwicklung wieder aufleben.

https://www.manuelamanes.com/

„Ein Mädchen hält eine Vase mit Schneeglöckchen in ihren prachtvollen, anmutigen Händen: Diese kleine Pflanze steht für Leben und Hoffnung; Diese zarten und zerbrechlichen Blumen werden von Kälte und Schnee nicht umgeworfen, sondern blühen mitten im Winter.

Schneeglöckchenfrauen: zart, oft sehr zerbrechlich, aber in der Lage, in sich selbst die Ressourcen zu finden, um den Winter ihres Lebens zu überstehen und wieder aufzublühen.“

Maurizio Cariati wurde 1983 in Cosenza geboren. Er studierte am Castrovillari Art Institute und spezialisierte sich auf den Metallsektor. Anschließend beschließt er, die Akademie der Schönen Künste von Catanzaro zu besuchen und dort Malerei zu studieren. Er erwarb ein Diplom der Stufe II in Bildender Kunst an der Brera Academy.

Im Alter von 22 Jahren gewann er den Celeste-Preis in der Kategorie Studenten. Seine künstlerische Laufbahn begann: zahlreiche Einzel- und Gemeinschaftsausstellungen in Italien und im Ausland sowie Kooperationen. Im Jahr 2011 wurde er zur 54. internationalen Kunstausstellung der Biennale von Venedig in der Region Kalabrien im prestigeträchtigen Rahmen der Villa Genoese Zerbi in Reggio Calabria eingeladen. Seine Werke sind in zahlreichen Privatsammlungen vertreten und wurden in Möbeln und Möbelzeitschriften veröffentlicht. Maurizio Cariati lebt und arbeitet derzeit zwischen Sartano (CS) und Mailand.

https://www.instagram.com/mauriziocariati/?hl=it

„Ereignisse außerhalb unseres Willens treten plötzlich ein: Es sind alles Naturereignisse, auch solche bösartiger Natur.

In diesen Situationen erinnern wir uns daran, dass wir Teil der Natur sind und dass wir – wie der Baum – die Kraft finden können, nicht zusammenzubrechen.

Es entbrennt ein Streit zwischen sich selbst und den Veränderungen des Körpers: Wir suchen in unseren ursprünglichen Wurzeln die Bestätigung, dass wir trotz allem unserem Original treu bleiben können.

Mercedes Cuman lebt und arbeitet in Mailand. Er schloss sein Studium der Szenografie an der Brera Academy of Fine Arts ab. Seit 2013 ist er Lehrer für Kunst und Bild.

1978 veröffentlichte der Verlag Mazzotta „Ci visto il giorno, gli altri giorno ci Imagine“, ein Buch, das Fotos und Texte der Werke der Gruppe feministischer Künstlerinnen sammelt, deren aktive Protagonistin sie war.

In den 80er Jahren begann sie ihre Tätigkeit als Illustratorin in Zusammenarbeit mit dem Studio Alchimia. Die Illustration wird auch in den 1990er Jahren seine Hauptbeschäftigung bleiben.

Seit 2004 beschäftigt er sich künstlerisch mit sozialen Themen, insbesondere mit jüngsten tragischen Ereignissen wie Kriegen und Migrationen, und stellt in Ausstellungen zu Künstlerbüchern und italienischer Fotografie sowie in Einzel- und Gemeinschaftsausstellungen aus.

https://mercedescuman.jimdofree.com/

„Ich male, ich fixiere ein Gefühl auf der Leinwand; dann zerstöre ich: Durch diesen Prozess der Transformation geschieht etwas, ein Akt der Selbstheilung, eine echte Übung, um den Geist durch eine körperliche Aktion zu trainieren, bei der unser Blick die Finger begleitet, eine Aktion, die es uns nicht mehr erlaubt, zurückzugehen .

Diese Ausarbeitung entsteht aus dem Bedürfnis, einen Zustand der Leichtigkeit zu erreichen, der es uns ermöglicht, über das, was uns erscheint, hinauszuschauen, zu überwinden, uns vorzustellen. Es erfordert Mut, anzufangen, genauso wie es Mut erfordert, zu reißen.

Die Träne ist ein stiller Protestakt; Es hat eine metaphorische Bedeutung: mit einer entschlossenen, schnellen und präzisen Bewegung einen Bruch zu machen, der nicht nur vom Instinkt diktiert wird, sondern auch vom Wunsch, die Vergangenheit nicht zu bereuen.

Nach der ersten Geste des Brechens wird ein meditativer Prozess ausgelöst, der sich wie ein Ritual wiederholt, wie ein tibetisches Mandala, das uns an die Vergänglichkeit der Dinge erinnert: Es gibt kein Ende ohne Anfang, und es gibt keinen Anfang ohne Ende. ”

Die aus Weißrussland stammende Mila Frueh kam schon als Teenager mit der Malerei in Kontakt, indem sie die Akademie der Schönen Künste besuchte. Mit einer anschließenden Ausbildung im Modebereich arbeitete sie mehrere Jahre als Stylistin in ihrem Heimatland und eröffnete auch ihr eigenes Atelier. Seit mehr als zwanzig Jahren widmet sie sich als Adoptivschweizerin der persönlichen Forschung und verbindet handwerkliches Können mit intensiver Zeichen- und Malarbeit. Ihr interdisziplinärer Ansatz zeigt sich im Entstehungsprozess des Werkes selbst und in ihrem poetischen Denken auf fast wissenschaftliche Weise mit dem er seine Leinwände zerlegt und neu zusammensetzt: Jeder Riss wird mit strenger Logik konzipiert und erhält eine präzise Bedeutung.

https://www.instagram.com/yudmilafrueh

„Dies ist ein Spiegel, es ist eine Lampe, es ist eine Schatztruhe, in der man ein teures Bild aufbewahren kann; Es ist ein Freund, der Ihnen sagt, dass Sie strahlen: Während Sie sich selbst im Spiegel betrachten (klein und intim, der nur Platz für Sie lässt), wählen Sie den Lichtton, der am besten zu Ihnen passt, indem Sie das Glas wechseln... und, Wenn Sie es brauchen, öffnen Sie die Truhe und schauen Sie sich das Bild darin an ... einen Ort, eine Person oder sogar ein Porträt von sich selbst.“

Ugo Ambroggio wurde am 6. März 1963 in Como geboren. 1988 brach er sein Universitätsstudium ab und begann als Fotograf zu arbeiten, wobei er seine persönliche Forschung auf Architekturfotografie konzentrierte. 1990 gründete er das Fotostudio Aleph in Como, wo er noch heute tätig ist. In diesem Bereich arbeitet er an einer Reihe künstlerischer Projekte in der Lombardei mit und veröffentlicht seine Fotos in verschiedenen Büchern und Zeitschriften.

Im Rahmen seiner Tätigkeit als Designer arbeitet Ugo Ambroggio seit Jahren mit Baxter zusammen und kreiert Einrichtungsaccessoires und einzigartige Lampenstücke, die stets mit dieser Marke auf dem Salone del Mobile in Mailand ausgestellt wurden.

Die meisten von Ambroggio geschaffenen Stücke sind das Ergebnis von Transformationen und Neuerfindungen von Gegenständen und Werkzeugen, die für industrielle und handwerkliche Arbeiten verwendet wurden, oder sogar von Werkzeugen und Werkzeugen, die in der Vergangenheit täglich verwendet wurden und denen eine neue Form und eine „zweite Chance“ gegeben wurde. , ohne den ursprünglichen Speicher zu löschen. Und so sind Flaschen, Glasfaserschläuche, die einst in der Textilindustrie verwendet wurden, mechanische Zahnräder, Fahrradpedale, Tastaturen und Schreibmaschinen Grundzutaten, die in Ugo Ambroggios Alchemie zusammenkommen und seinen Kreationen Leben einhauchen.

https://www.instagram.com/ugo.ambroggio