Es ist schwierig, das Pesaro-Gemälde einem bestimmten barocken Prototyp zuzuordnen, obwohl es offensichtliche Ähnlichkeiten mit zwei von Barocci selbst gemalten Porträts einer jungen Frau aufweist. Das Gemälde würde Maddalena Giron, Herzogin von Ossuno und Frau darstellen, die von Herzog Francesco Maria II della Rovere während ihres Aufenthalts am spanischen Hof und vor ihrer Hochzeit mit Lucrezia d´Este geliebt wurde. Nach dieser Hypothese könnte die Leinwand also während der spanischen Jahre oder unmittelbar nach seiner Rückkehr in seine Heimat 1568 vom Herzog selbst in Auftrag gegeben worden sein.

Aus der Mazza-Sammlung stammt ein kleines Meisterwerk der bildenden Kunst von Alessandro Algardi, einem berühmten Barockbildhauer Bologneser Herkunft und römischer Ausbildung. Die Poetik des Künstlers lässt sich an den charakteristischen Faltenwürfen mit großen Wellenflächen erkennen, die Helligkeits- und Weichheitseffekte erzeugen. Ein weiteres Stilmerkmal ist die Torsion der langgestreckten und beweglichen Büste, ein Zeichen für ein starkes Volumen- und Raumgefühl. Einige Details, wie der Löwenkopf im Schwertgriff oder der Medusenkopf in der Lorica, sind akkurat nachempfunden; andere, wie der Gürtel, werden kaum erwähnt. Tatsächlich wurde die Terrakotta nicht als eigenständiges Werk geboren, sondern als vorbereitendes Modell für die Reproduktion von Attila im Marmoraltar des Petersdoms, der das Treffen von Papst Leo I. und Attila (1646-1653) darstellt.

Im 19. Jahrhundert galt das Gemälde als Werk von Andrea Mantegna und wurde 1894 von Berenson vorübergehend Giovanni Bellini zugeschrieben. Die Zuschreibung an den jungen Vivarini wurde von unabhängiger Seite vorgeschlagen und es ist unbestreitbar, dass das Gemälde stark von Giovanni Bellini beeinflusst ist, dessen Werke damals noch vom Stil seines Schwagers Andrea Mantegna geprägt waren. Die kantigeren Formen, die Tendenz der Volumen, sich wie grünes Holz im Feuer zu winden, die Posen und sogar der Ausdruck der Gesichter der Figuren sind jedoch vergleichbar mit Alvises frühen Gemälden wie dem Polyptychon der Galleria Nazionale delle Marche, 1476 hergestellt.

Es wird angenommen, dass das Werk in der Sammlung Olivieri im Pendant mit der Leinwand gleichen Formats und Abmessungen von Berentz gefunden wurde. Es ist nicht unwahrscheinlich, dass die Absichten ihrer Käufer gerade darin bestanden, die Zeugnisse der beiden berühmten Maler des Genres auszustellen. Die Entstehung dieses Werkes dürfte gegen das Ende von Tamms Römeraufenthalt um 1695 angesiedelt sein. Die majestätische Blumentrophäe steht exemplarisch für die dekorative Pracht der römischen Spätbarockzeit und bestätigt den Ruhm Tamms als Floristen, der zusammen mit seinem Landsmann Berentz als Erbe der ikonografischen Tradition monumentaler Stillleben im Freien gelten kann, von Abraham Brueghel eingeweiht.

Stillleben sind eine der am meisten ausgeführten und geschätzten Bildgattungen, insbesondere im 17. Jahrhundert, und gehören zu den am weitesten verbreiteten in Privatsammlungen. Das Werk von Berentz, Vertreter der römischen Schule des späten 17. Jahrhunderts, folgt der Typologie des barocken Stillebens. Blumen, Obst und Gemüse, Einrichtungsgegenstände - in diesem Fall einige sehr raffinierte Kristalle und Metalltabletts - und klassische architektonische Elemente bilden eine äußerst reichhaltige und elegante Komposition. Die Suche nach der Vielfalt der Farben, die Kombination von Formen und Linien, das Studium kunstvoller Lichteffekte auf den Oberflächen sind offensichtlich und zeigen seine große Aufmerksamkeit für ästhetische Reinheit und dekorative Perfektion.

Das Gemälde gehört zur extremen Inszenierung des Lebens von Elisabetta Sirani, die am 29. August 1665 im Alter von siebenundzwanzig Jahren starb. Tatsächlich trägt es die Worte „Elisa Sirani 1664“ am Saum des Ausschnitts des Gewands der Jungfrau. Vorangegangen von einer Zeichnung im Louvre, ohne die Figur von San Giovannino und mit einigen anderen Variationen, begrüßt das Werk jene schwache Erneuerung, die Siranis letzte Schaffensjahre kennzeichnete, indem sie die Hell-Dunkel-Kontraste wiederbelebte und so ihre höfliche barocke Balance von väterlichem und markierte renischer Abstammung. Eine Kopie wird in der Städtischen Kunstgalerie von Rimini aufbewahrt.

Nach einer Zeit des Stillstands um 1540 kehrt die Majolika von Pesaro zu ihrem früheren Glanz zurück. Die Verlegung des Hofes der Della Rovere von Urbino nach Pesaro im Jahr 1538 trug zu einer städtischen und künstlerischen Erneuerung bei, und so gelangte die Darstellung von „Geschichten“ nach Pesaro, wo sie hauptsächlich in den Werkstätten von Girolamo und Giacomo Lanfranco Dalle Gabicce aufgeführt wurde. Der Kelch aus dem Jahr 1541 ist eines der frühesten Beispiele für Pesaros Historiato. Die mit leuchtenden Farben gemalte Szene deutet auf eine fast kindliche Hand hin. Die Charaktere sind wesentlich definiert und von einer intensiven Dynamik beseelt. Auch Elemente, die im historischen Pesaro-Gebiet zur Konstante werden, tauchen in der Tasse auf, wie die ungefähren Gebäude in der Ferne und vor allem die Einfügung des mythologischen Geschehens in eine naturalistische Landschaft, die daher der architektonischen Umgebung vorgezogen wird.

Das um 1475 entstandene majestätische Altarbild zählt zu den unbestrittenen Meisterwerken der Renaissance. Es wurde für die Kirche San Francesco in Pesaro gemalt und in Venedig gebaut, und seit seiner Ankunft in Pesaro wurde es sofort zu einem Objekt der Verehrung der Gläubigen. Der Tisch zeigt die thronende Jungfrau, die von Jesus gekrönt wird, unterstützt von den Heiligen Petrus und Paulus auf der linken Seite, Hieronymus und Franziskus auf der rechten Seite; Hinter einem Fenster offenbart sich ein realistisches Landschaftsbild, mit einer Festung ein reales Bild im Bild. Die zentrale Szene, eingerahmt von Säulen mit zwei Heiligenreihen, suggeriert eine ewige Unbeweglichkeit, während die Geschichte in der darunter liegenden Predella mit den lebhaften hagiografischen Geschichten dynamisch und fast theatralisch wird. Das Werk wurde 1797 von napoleonischen Truppen als Kriegsbeute nach Paris gebracht und dann dank der Vermittlung von Antonio Canova an die päpstliche Regierung zurückgegeben. Zerlegt und auf dem Seeweg nach Pesaro zurückgeschickt, wird ihm die obere Tafel beraubt, die die Einbalsamierung Christi darstellt, die für die Sammlung der neu errichteten Vatikanischen Pinakothek aufbewahrt wird.

Großes Gemälde von 1637, in dem die typische figurative Haltung des Künstlers einer Komposition mit energischen Bewegungen und heftigen Zügen weicht, die den mythischen Kampf zwischen den riesigen Söhnen der Erde und den Göttern des Olymps heraufbeschwören soll. Vom Zorn des Zeus getroffen, fallen die Riesen überwältigt von riesigen Felsbrocken. Die Szenerie ist in einer kühnen Perspektive gesetzt, die an die Dekoration einer Decke erinnert, wahrscheinlich in einem Privathaus. Das Werk kam mit der Bologneser Sammlung der Hercolani nach Pesaro, die von den Museen dank des Erbes von Gioachino Rossini erworben wurde. Mehr als die anderen großen Bologneser Maler des 17. Ein entscheidender Einfluss für lokale Künstler, darunter die junge Simone Cantarini.

Die Skulptur, die einen liegenden geflügelten Putto darstellt, ist ein raffiniertes Beispiel, das an ähnliche Modelle von Algardi erinnert; er stammt aus der Sammlung der Marquise Vittoria Toschi Mosca von Pesaro. Im Hinblick auf den Erwerb des Stücks durch die Städtischen Museen von Pesaro wurde als terminus post quem allgemein das Todesjahr der Marquise (1885) angegeben, obwohl anzumerken ist, dass die berühmte Stadt seit 1877 eine erstellte Testament, in dem sie der Stadt den Palazzo Mazzolari hinterließ, den sie kaufte, um dort ihre eigene Kunstsammlung unterzubringen, mit der ausdrücklichen Verpflichtung, unverzüglich ein öffentliches Museum für die gelehrte Jugend zu errichten.

1759 für den Altar der Dreifaltigkeitskirche des Krankenhauses geschaffen, ist das Werk für die leidenden Gläubigen konzipiert und stellt einen kunstvollen Andachtsrahmen dar, in dem neben der Dreifaltigkeit auch das Thema der Absetzung und das der Vertreibung thematisiert werden von Adam und Eva. Abt Lazzarini ist einer der interessantesten Vertreter der Pesaro-Kultur im 18. Jahrhundert: Als Maler, Architekt, Kunsttheoretiker, Kritiker, Dichter und Theologe verkörpert er in beispielhafter Weise die Figur des Gelehrten. Er war ein Freund und Mitarbeiter der Gelehrten Giovan Battista Passeri und Annibale degli Abbati Olivieri und mit ihnen ein Exponent des akademischen Klassizismus, der die kulturelle Produktion dieser Zeit prägte.

Das Triptychon zeigt die thronende Madonna mit Kind zwischen zwei Engeln und dem segnenden Erlöser, zwischen den Heiligen Erzengel Michael und Franziskus und in der Predella den Heiligen Hieronymus, den Heiligen Antonius von Padua, den Heiligen Johannes den Täufer, die Geißelung Christi, den Heiligen Johannes den Evangelisten , San Ludovico da Tolosa und Santa Chiara. Es wurde versucht, den Franziskanerheiligen der Predella mit dem seligen Sante da Mombaroccio zu identifizieren, aber die traditionelle Identifizierung mit Sant´Antonio da Padova scheint vorzuziehen, wie die brennende Flamme und die Inschrift auf dem offenen Buch zeigen. Das Gemälde wurde seit der Antike in San Giovanni Battista degli Zoccolanti in Pesaro aufbewahrt. Die Anwesenheit von San Francesco und drei Franziskanerheiligen in der Predella weist jedoch darauf hin, dass ihr ursprünglicher Standort eine Kirche der Minderbrüder gewesen sein muss. Das Werk ist ein Manifest der zeitgenössischen florentinischen Kunstsituation und der Neo-Giotto-Trend scheint in der archaischen Strenge durch. Andererseits zeigen zahlreiche Elemente, dass Mariotto den spätgotischen Experimentalismus nicht vergessen hat, und in den monumentalen Figuren, die in große Draperien gehüllt sind, kämpft die Konturlinie in immer verschlungeneren Serpentinen, wie im Mantel der Madonna oder in dem von San Michele.

Die großen "prunkvollen" Teller, die ausschließlich zu dekorativen Zwecken an die Wand gehängt oder in den Schränken ausgestellt werden, sind eine der begehrtesten Ausdrucksformen der italienischen Majolika und stellen zweifellos eines der offensichtlichen Zeichen der Renaissance-Kultur dar . Das abgebildete Motiv, eine schöne Frau, ist von der umbrischen Malerei jener Zeit inspiriert, insbesondere von Pinturicchio, der zweifellos einen Einfluss auf die Keramik von Deruta hatte. Das Adjektiv „schöne Frau“, das den Namen der Person begleitet, an die das Angebot gerichtet ist, taucht häufig in der Majolika eines liebevollen Subjekts sowohl in Deruta als auch in anderen Zentren auf, in denen sich diese Gattung verbreitet, manchmal mit dem Ausdruck anderer Eigenschaften, die dem entsprechen Das weibliche Ideal der Renaissance.

Das Becken trägt in der Mitte das Wappen der Familie Veterani aus Urbino, gestützt von zwei geflügelten Putten; die übrige Fläche ist von einer dicken "raffaelischen" Dekoration mit phantastischen Figuren und Tieren, Kameen und Masken eingenommen. Diese dekorative Typologie leitet sich von den Wandmalereien der Paläste des antiken Roms ab, insbesondere der Domus Aurea, deren unterirdische Räume für Renaissance-Besucher wie Höhlen aussahen und den Begriff "grotesk" motivierten, diese dekorative Sammlung zu definieren. Die glücklichsten Ergebnisse erzielten Raffael und sein Kreis in den Farnese-Residenzen und in den Vatikanischen Loggien, daher der Begriff "Raphaelesque", um die "Grotesken" auf weißem Hintergrund zu bezeichnen. Ab 1560 eroberten die „Raphaelesken“ auch die Majolika-Keramik, vor allem in der Gegend von Urbino, wo sich die Werkstatt von Orazio Fontana durch die Herstellung hervorragender Service auszeichnete, die von einem reichen und raffinierten Universum aus bizarren Kreaturen und Verweisen auf die Antike gepolstert wurden.

Sicherlich gibt es nicht wenige Keramiken von Ferruccio Mengaroni, aber die Medusa ist sicherlich die berühmteste und faszinierendste. Die große Majolika, deren Durchmesser zwei Meter weit übersteigt, findet nun ihren Platz entlang der Treppe, die zu den Städtischen Museen von Pesaro führt. Er steht da, im Profil, wie für einen Hinterhalt, als wollte er absichtlich sein Herz gegen den Kropf stoßen lassen. Und kurz gesagt, es wird für das Können von Ferruccio Mengaroni sein, der die Medusa zum Leben zu erwecken scheint, für das Thema, das an sich dargestellt wird, oder vielleicht für die unglaubliche Geschichte des Werks: Tatsache ist, dass ein Blick ausreicht, um einen zu fühlen eine Serie von Schauer über den Rücken. , um das Gefühl zu bekommen, dass ein kleines Insekt unser Rückgrat für seinen Spielplatz gehalten hat und viel Spaß daran hat, zuerst hin und her zu gehen. Auf Wiederholung.