Auf einem rechteckigen Sockel ruhende Eisenskulptur in Form eines menschlichen Torsos. Die Formen sind grob und bestehen aus Fragmenten, die zusammengebunden sind, sodass Löcher sichtbar sind.   Castelli arbeitet an der Idee einer Torsofigur. Dabei wird der menschliche Körper einem heftigen Erosionsprozess unterzogen: Von seinen Formen bleibt nur ein fernes Echo übrig, eine dünne und unvollkommene Platte, übersät mit Narben und Verkalkungen, mit Wunden, die nicht mehr heilen können. Die Skulptur wurde bei der 7. Ausgabe des Modigliani-Preises in Livorno ausgezeichnet.

Malerei, die ein hohes Band in rotem Monochrom darstellt, unter dem eine Inschrift in Kursivschrift gemalt ist. Isgrò ist einer der bedeutendsten Künstler der Gruppe der visuellen Dichter; Seine Forschung wendet sich tatsächlich einer Kunst zu, die nicht nur mit der Visualität verbunden ist, sondern auch von konzeptionellen Eingriffen bestimmt wird. Zwischen Ende der sechziger und Anfang der siebziger Jahre schuf der Autor einen Werkzyklus mit dem Titel „Die roten Geschichten“, in dem wir immer wieder Bezüge zu Marx oder anderen Exponenten der kommunistischen Politik finden. Die Arbeit, die auch einfach als „Alma“ bekannt ist, stellt eine beleuchtete und langgliedrige Leinwand dar, bei der das rote Rechteck eine völlige Negation des Bildes beinhaltet und es dem Betrachter überlässt, es zu vervollständigen, wodurch die Vorstellungskraft unkontrolliert freigesetzt wird und nur von der „Spur“ geleitet wird " Lyriker, der es charakterisiert. Die Leinwand wurde auf der ersten Biennale des Progressive Museum of Contemporary Art in Livorno ausgestellt.

Gemälde, das einen Wirbelwind winziger Zeichen darstellt, zwischen denen sich viele verzerrte Skelette regen.

Tancredi Parmeggiani debütierte als Postkubist und bewegte sich dann zu einer informellen Produktion. Tancredis Gesellschaftskritik gegenüber Konformismus und sozialer Ungleichheit, die die Ansprüche von 1968 vorwegnimmt, sowie sein tiefes inneres Unbehagen finden sich in den fließenden Pinselstrichen in Pastellfarben der Hiroshima-Serie wieder, die aus drei großen, illustrativen Leinwänden besteht des makabren Protests, die verheerenden Auswirkungen der Atombombe auf die Zivilbevölkerung. Das Werk, ehemals 7. Modigliani-Preis 1963, ist Teil einer Serie von drei Werken, die Hiroshima gewidmet sind.

Holzkiste mit blauem Hintergrund, darin zwölf Wattequadrate.

Nach Anfängen in der Weltraum- oder Nuklearforschung wandte sich Manzoni dem Informellen zu und wandte sich dann der Arbeit an der Achromes zu, die 1957 begann. 1959 war er einer der Gründer von Azimuth und begann seine provokativste Phase, die Entmystifizierung der Kunst: aus 'Atem' zu künstlerischer 'Scheiße', zu hartgekochten Eiern, die mit dem Daumen signiert wurden, zu Fleisch- und Blutmodellen, die von Manzoni signiert wurden. Achrome ist ein konzeptionelles Kunstwerk, das aus einer provokanten Absicht entsteht, die ihre Wurzeln in der dadaistischen Reflexion der Entmystifizierung des künstlerischen Objekts hat. Hier erscheinen die Wattequadrate der Arbeit, wie der Titel schon sagt, weiß, weil sie von Natur aus unbunt, farblos sind. Achrome wurde zusammen mit den beiden Assessment Tables auf der 1. Biennale des Progressive Museum of Contemporary Art in Livorno ausgestellt.

Bemalt mit einem schwarzen Hintergrund, auf dem schwarze und beige Nylonbänder angebracht sind, um Kreuzungen zu bilden.

Biasi war 1959 einer der Gründer der Paduan Group N, ein Pionier der kinetischen Forschung, immer interessiert an visuellen und Wahrnehmungsstudien, er nahm 1961 an der internationalen Gruppe New Trends teil und betreibt seit 1968 visuelle Forschung durch die Verwendung von Computer. Die Arbeit besteht aus einer Holzkiste mit Farbe im Inneren und PVC-Lamellen, die Überlappung dieser lamellaren und fotoreflektierenden Strukturen in PVC erzeugt einen vibrierenden und bewegenden Effekt, der den Besucher dazu anregt, die Arbeit aus mehreren Blickwinkeln zu betrachten. Das Gemälde wurde auf der 1. Biennale des progressiven Museums für zeitgenössische Kunst in Livorno ausgestellt.

Struktur aus natürlichem, natur eloxiertem und schwarzem Aluminium, bestehend aus einer Reihe kubischer Module mit unterschiedlich farbigem und abgewinkeltem Boden. Auf der Rückseite ein vom Autor geschriebenes. Etikett mit Unterschrift und Datum oben rechts.

Der in Mailand ausgebildete Künstler beginnt mit informellen Arbeiten, widmet sich später aber ausschließlich dem Studium wahrnehmungsbedingter Mehrdeutigkeiten und schafft streng durchnummerierte Strukturen, die den Betrachter mit ihren Tiefenvariationen, Farbwechseln und axonometrischen Deformationen einbeziehen. Die fragliche Arbeit ist eine Arbeit, die mit dieser Tiefe spielt, mit diesen Schatten, die auch im Inneren des Objekts wirken, das von vorne gesehen werden muss. Es gehört zu jenen Werken in der Balance zwischen Malerei und Skulptur, die die optische Täuschung zu einem der grundlegenden Elemente machen. Die Arbeit wurde auf der ersten Biennale des Progressive Museum of Contemporary Art in Livorno ausgestellt.

Die Arbeit besteht aus einer weiß bemalten Leinwand, die auf einen Holzrahmen und Nägel gespannt ist, die sie spannen und regelmäßig angeordnete Reliefs bilden.

Nachdem Castellani in den 1950er Jahren mit informellen Arbeiten debütierte, nähert er sich Fontana und schafft dann monochrome Oberflächen, die durch Wölbungen und Falten belebt werden, die durch Formen des Rahmens oder Stützen der Leinwand mit Rippen oder Nägeln entstehen, die die Oberfläche dehnen. Das fragliche Werk aus dem Jahr 1970 ist auf halber Strecke zwischen einer bemalten Leinwand und einem skulpturalen Flachrelief platziert. Der Künstler beweist seine optisch-perzeptiven Recherchen auf einem monochromen Hintergrund, wobei die Leinwand durch Nägel, die ihre Oberfläche modifizieren, umgestülpt und umgedreht wird. Diese durch die Spannung der Leinwand durchgeführte visuelle und materielle Recherche erzeugt beim Betrachter ein Gefühl von Bewegung der Oberfläche, die durch ein Spiel von Licht und Schatten moduliert erscheint. Einer der grundlegenden Charaktere in Castellanis Werken ist genau der vibrierende Sinn, der durch den rhythmischen und plastischen Sinn der Oberflächen wiedergegeben wird.

Gemälde, das eine Reihe quadratischer Motive darstellt, die auf verschiedenen sich kreuzenden oder überlappenden Figuren angeordnet sind. Farben: blau, schwarz, grün, gelb, rot.

Mario Nigro, gebürtig aus Pistoia, adoptiert aus Livorno, trat 1949 dem MAC bei und begann seine Suche nach einem „totalen Raum“, der durch simultane Netzwerke gekennzeichnet ist. Die abstrakte Kunst der Leinwand wird mit Rhythmus und Präzision durch ein tiefes geometrisches Raster unterbrochen, das die euklidische Zweidimensionalität überwindet, was durch einen geschickten Wechsel von hellen und brillanten Farben wie Gelb und Grün im Kontrast zu Mitternachtsblau und Schwarz ermöglicht wird .. der Linien vorhanden, von variabler Dicke. In diesen optisch-wahrnehmbaren Rastern abstrahiert man sich in eine andere Dimension, und wo sich geometrische Linien zu einer artikulierten Handlung verflechten, wird Nigros Forschung nicht nur künstlerisch, sondern auch ethisch und philosophisch, eine dynamische Übertragung der Vergänglichkeit des menschlichen Lebens auf die Leinwand. Die Arbeit wurde auf der 1. Biennale des progressiven Museums für zeitgenössische Kunst von Livorno ausgestellt.

Malerei mit weißem Hintergrund, auf dem winzige Figuren und Schriften angeordnet sind.

Zur Malerei kommt Baruchello nach einer Ausbildung in Paris in den 1950er Jahren und Kontakten zu Man Ray, Max Ernst und Marcel Duchamp. Seine Arbeiten, meist große 2x2-Tafeln, zeichnen sich durch eine Anhäufung winziger Bilder, durch eine Heterogenität von Materialien und Worten aus. Die Arbeit stellt eine multidirektionale Erzählung dar: Aus der Ferne kann man die Gesamtvision der Arbeit wahrnehmen, aus der Nähe kann man sogar das kleinste Detail erkennen. Die Betrachtung dieser Arbeit wird so zu einer performativen Aktion, bei der der Betrachter einbezogen und aufgefordert wird, die vom Autor auf der Leinwand arrangierten Stücke zu sehen, zu erinnern, zu hinterfragen und zusammenzusetzen. Eine Frucht, die nie ausgeht. Die Arbeit, die auf der 1. Biennale des Progressiven Museums für Zeitgenössische Kunst in Livorno zusammen mit einigen Daten, die in den Computer des Herzens (1974) eingegeben werden sollen, vom selben Autor ausgestellt wurde, wurde 1976 vom Künstler seiner Heimatstadt (Baruchello is auch bei Bottini dell'Olio vorhanden).

Sechseckförmiges Paneel mit Aluminiumsegmenten, die von der Kante zu einem Würfel angeordnet sind. Das Paneel ist aus mattschwarzem Laminat.

Der besonders an Lichtschwingungen interessierte Autor widmet sich seit den 1950er Jahren Oberflächen mit vibrierender Textur, die seine Grundlagenforschung darstellen. Die fragliche Arbeit untersucht die Form und die Materialien durch die leuchtenden Vibrationen auf der reflektierenden Oberfläche und versucht, das Auge des Betrachters zu täuschen, indem sie den formalen Sinn des Objekts und seine effektive Dimensionalität untergräbt. Die fragliche Arbeit wurde auf der 1. Biennale des Progressiven Museums für Zeitgenössische Kunst in Livorno ausgestellt.