Il tabernacolo, di probabile provenienza domestica, presenta uno dei soggetti più̀ tipici della plastica rinascimentale, l’abbraccio tra Madre e Figlio come simbolo di una nuova humanitas, con la Vergine che si presenta assisa, con grazia ed eleganza, su un trono classico a faldistorio, ornato sul lato sinistro da un motivo vegetale a “pigna”, simbolo di fecondità̀, e da un cuscino ricamato. Il rilievo con la Madonna con il Figlio nudo in piedi, con la manina appoggiata sul seno destro, è stato attribuito all’attività̀ giovanile di Donatello (Bellosi 2002; Pisani, 2009; Cavazzini 2013) per la vibrante reinterpretazione dell’antichità̀ classica e l’alta qualità̀ del modellato, che in vari brani rivela i segni di un delicato tratteggio “a stecca”.

Il frammento di affresco Madonna col Bambino nonostante la pellicola pittorica molto abrasa, presenta un colore luminoso e un disegno delicatissimo e raffinato. Nell’immagine la Vergine, una giovane donna tristemente presaga del destino del Figlio, tiene in braccio il bambino Gesù benedicente che regge nella mano sinistra un cardellino, animale caro ai fanciulli. e tradizionalmente connesso alla Passione di Cristo. Il dipinto è attribuibile ad Agnolo Gaddi, che lo eseguì negli anni in cui stava affrescando la Cappella della Sacra Cintola in Duomo. L’affresco fu recuperato nell’area del Palazzo delle Scuole, l’edificio con portico contiguo al Pretorio, in un locale collegato in origine alla medievale chiesa di San Donato.

Si deve a Bernardo Daddi la più antica rappresentazione esistente della storia Sacra Cintola,il racconto leggendario della reliquia di Prato e del suo protagonista, Michele. La preziosa predella faceva parte della pala (oggi perduta) d’altare conservata nel Duomo di Prato, costituendone allo stesso tempo elemento celebrativo e didattico. Nei quattro riquadri della predella, sette episodi spartiti da raffinate fasce a decori geometrici, narrano in sequenza come la Cintola sia pervenuta alla città di Prato. Il particolare si riferisce al secondo riquadro della predella: San Tommaso affida la Cintola al sacerdote che la custodirà in Terra Santa.

Risulta il primo dipinto da cavalletto documentato al pittore, un capolavoro della pittura fiorentina del Seicento. La protagonista è Semiramide che viene avvisata dell’incendio di Babilonia e della conseguente caduta della città dallo scudiero Artace. La tela rimanda al Bilivert e al tardo Rosselli, mostrando anche influssi degli incisori lorenesi Callot e Bellange. Teatralmente impostata per piani successivi la scena si incentra sul colloquio tra le due figure principali, Semiramide, imponente e luminosa nelle morbide vesti, e il cavaliere, che le porta la notizia dell’incendio di Babilonia.

La preziosa pala commissionata nel 1502 dal Gonfaloniere e dai Priori pratesi, per ornare l’Udienza del Palazzo Comunale, al celebre pittore pratese, figlio di fra Filippo. Nella preziosa tavola è ricreata un’atmosfera meditativa e sospesa, in una luce livida, temporalesca, che accentua ombre e contrasti nelle dolci, esangui figure, intimamente raccolte in primo piano, tra le quali si instaura un silenzioso colloquio di sguardi. Anche il paesaggio con rovine sembra partecipare al clima di drammatica religiosità che spira dalla pala.

La piccola pala centinata fu eseguita tra 1572 e 1573 su commissione di Andrea Verzoni e Francesco Guizzelmi, governatori della compagnia dell’Arcangelo Raffaello, per un altare dell’oratorio della stessa Compagnia. L’opera appartiene a uno dei momenti più felici dell’attività del Poppi e ne documenta l’abilità nel fondere in una sintesi del tutto personale suggestioni da Andrea del Sarto (si osservino le maniche di Tobiolo e lo sbuffo della veste dell’Arcangelo), dal Pontormo (lo sguardo penetrante di Tobiolo e il gusto per i cangiantismi) e dal Rosso (la testa dell’Arcangelo e le chiome di entrambi).

Originale interpretazione dell’incontro fra Cristo e la Maddalena, riconosciuto capolavoro di Battistello Caracciolo, artista che oggi sappiamo fu in diretto rapporto col Merisi a Napoli, e che per primo ne veicolò con una personale interpretazione il potente naturalismo luministico nell’ambiente partenopeo, influenzando i pittori contemporanei e della generazione successiva. L’Opera si caratterizza per la forza del gesto e la teatralità del racconto mutuati dalle esperienze artistiche dei pittori fiorentini del primo Seicento.

Originariamente posto sull’altare della corsia dell’antico Pellegrinaio dello Spedale della Misericordia e Dolce, l’imponente struttura, oggi priva dell’originaria carpenteria con pilastri laterali di sostegno, si compone di cinque scomparti e di un doppio ordine di predelle che accolgono le scene narrative. Dal punto di vista iconografico, i personaggi raffigurati negli scomparti principali risultano strettamente connessi sia con le immagini relative alle loro vicende biografiche sia a quelle dell’Infanzia e della Passione di Cristo contenute nelle due predelle. Al centro è l’immagine della Vergine in trono con il bambino, descritto nell’atto di sfiorarle dolcemente la mano, mentre nella destra tiene una cordicella a cui è legato un uccellino (oggi appena visibile a causa della grossa lacuna verticale che interessa le due figure). La firma dell’artista si trova sotto lo scomparto principale con la Vergine in trono.

Quest’opera dal carattere allo stesso tempo misterioso e lirico, vicina all’immaginario surrealista, potrebbe essere riconducibile al libro di H. G. Wells, L’Homme invisible, del 1897, tradotto in francese nel 1932.  La scultura fa parte di una serie sviluppata agli inizi degli anni Trenta incentrata sullo stesso soggetto. Come suggerito dal titolo, si tratta di una testa, evocata dalla forma dei capelli simili alle ali di un uccello in volo, sorretta da due mani intrecciate. L’interesse di Lipchitz per le parti anatomiche richiama la scultura di Auguste Rodin e Henry Moore, da cui era fortemente attratto.

La lunetta fu staccata nel 1923 per ragioni conservative dall’Oratorio di Sant’Antonio di patronato Ginori. La finezza psicologica delle teste angeliche ricorda le malinconiche figure dipinte dal tardo Filippino, mentre nel modellato e nella testa scultorea del santo si colgono riferimenti all’aspro espressionismo del Verrocchio. La lunetta è composta da dodici pezzi montati e assemblati insieme, secondo la metodologia tipica della bottega robbiana.

La Madonna del Ceppo, un’opera capitale nel percorso maturo di Filippo Lippi, venne finanziata nel 1453 dall’omonima istituzione benefica pratese, fondata da Francesco di Marco Datini. La pala è divenuta quindi l’emblema della generosità̀ cittadina. L’impostazione volutamente arcaica è la caratteristica di questa grande ancona centinata a fondo oro, ad uso di tabernacolo, che vuole evocare il modello astratto e iconico delle Maestà̀ trecentesche. Nella madonna il Lippi rappresenta un modello di umanità̀ e bellezza classico, anteriore all’incontro con Lucrezia buti, un volto regolare velato di melanconia che nella sua intensità̀ conferma la piena autografia lippesca.

Lorenzo Monaco, pittore legato al potente ordine camaldolese e al cenacolo artistico fiorentino di Santa Maria degli Angeli, sfoggia nel polittico pratese il suo raffinato stile profondamente intriso di spiritualità̀, con un utilizzo simbolico del colore che anticipa Beato Angelico. La matrice senese della pittura di Lorenzo Monaco si ritrova nell’insistito calligrafismo, nell’elegante stilizzazione delle figure, nei modi di rifinire le vesti dei santi modulandone i panneggi. La rappresentazione della Madonna nella sua immagine più̀ umile e colta segue i dettami dell’ordine camaldolese a lei devoto.

L’affresco raffigura La città di Prato con i santi Stefano e Giovanni Battista e i benefattori Michele Dagomari e Francesco Datini, ed è attribuito ai fratelli Pietro e Antonio di Miniato negli anni intorno al 1415. L’affresco include una sintetica veduta cittadina, in cui si riconoscono gli edifici simbolo della Prato ai primi del Quattrocento e cioè la Pieve, il Palazzo del Comune, il Palazzo Pretorio, il Palazzo di Francesco di Marco Datini, le mura e le torri.

La tavola, nonostante le evidenti discontinuità̀ pittoriche riconducibili all’ampio intervento di collaboratori del maestro, si configura come un’opera di grande fascino sia per l’elegante impostazione delle figure dei santi con movenze anticipatrici del Botticelli che per la lenticolare descrizione naturalistica del tappeto di foglie e fiori, probabilmente allusivo al nome della città di Prato, e dove si riconoscono le piante reali del tarassaco e del ranuncolo. Nel retro della tavola sono presenti degli schizzi, tra i quali si distingue un angelo di profilo, eseguito a carboncino dagli allievi secondo una consuetudine della bottega per esercitare la mano.

Tra le due opere di Ardengo Soffici esposte nella sezione su Soffici e la Scuola di Prato, Cabine, dipinto a Forte dei Marmi nel 1927, è espressione della fase del “ritorno all’ordine” dopo le sperimentazioni formali delle avanguardie storiche, che puntava al recupero della tradizione toscana e della effettiva qualità dell’arte. Il dipinto, nell’accordata composizione tonale che richiama l’affresco antico, nella semplice resa della natura, nella “pittura pura”, è poeticamente vicino alle opere contemporanee dell’amico Carlo Carrà.