L'opera del Palazzo Reale, di collezione borbonica, raffigura Venere dormiente con al suo fianco un Amorino,anch'esso dormiente, mentre un satiro la rimira attraverso uno specchio, simbolo di vanità e lussuria, cuialludono anche, sul primo piano, tra i fiori, il globo con intorno il serpente, l'arco e la faretra.

Nell'ambito della produzione giordanesca, l'opera si colloca nel corso degli anni Sessanta del Seicento,quando risulta più evidente il richiamo del maestro alla pittura veneta di matrice tizianesca, nel cromatismo enella fluidità della materia pittorica e nella stessa  composizione.

Del dipinto, a Palazzo Reale fino al 1832 e poi dal 1979, ne esiste una versione molto simile, sebbene di piùpiccole dimensioni, in collezione privata e una variante del tema conservata al Museo di Capodimonte.

L’opera, realizzata su diretta committenza del re nel 1818-19 e collocata nella Seconda Anticamera dell'Appartamento Reale, lo ritrae dopo il suo reinsediamento sul trono di Napoli, al termine del decennio di dominazione francese (1805-1815), quando, in occasione della Restaurazione Borbonica, Ferdinando cambiò il proprio titolo da Ferdinando IV re di Napoli in Ferdinando I delle Due Sicilie.

Il re è raffigurato in piedi accanto al trono e con la mano destra indica la basilica di San Francesco di Paola, da lui fatta costruire, nel Largo di Palazzo, come ex votov al Santo calabrese per aver riottenuto il regno. Veste l'abito di Cavaliere dell'Ordine di San Gennaro, fondato da Carlo di Borbone il 3 luglio 1738, in occasione delle nozze con Maria Amalia di Sassonia. Dopo un lungo regno, iniziato nel 1759 all'età di otto anni, alla sua morte nel 1825 Ferdinando I fu seppellito in Santa Chiara proprio con l'abito dell'Ordine di San Gennaro.

Maria Antonia di Baviera fu moglie di Frederich Christian von Sachen, Elettore di Sassonia, figlio di Augusto III di Sassonia, re di Polonia dal 1734 al 1763. La presenza del ritratto nella Sala del Trono è motivata dagli stretti legami di parentela con la corte napoletana di  Maria Antonia, cognata della regina di Napoli Maria Amalia di Sassonia, figlia di Augusto III di Sassonia e moglie di re Carlo di Borbone.

Maria Antonia è ritratta quasi a figura intera, con una veste molto ampia e la mano destra appoggiata alla corona. L'elegante abito in taffetas è avvolto in una cappa regale in velluto blu foderato d'ermellino, simbolo regale per eccellenza. Sul corpetto, l'Elettrice sfoggia l'insegna dell'ordine di Santa Caterina fondato dall'imperatore Pietro I nel 1714 in onore dell'imperatrice Caterina, sua sposa.

Appassionata di arte e musica di cui fu grande promotrice,  Maria Antonia fu essa stessa musicista, esperta in clavicembalo; ha composto diverse opere tra cui si segnala "Talestri, Regina delle Amazzoni", dramma per musica composto nel 1763 e pubblicato nel 1765, di cui si propone l'Aria "Da te mi dividi". L'opera potrebbe essere autobiografica perchè la protagonista riconosce di avere forza e carica per salvare il suo popolo.

Il ritratto fu realizzato in occasione della stipula di un importante accordo diplomatico fra il Regno di Napoli e la Sublime Porta, l’antico ImperoOttomano: il “Trattato di pace, navigazione e commercio”, siglato il 7 aprile 1740, col quale il re di Napoli pose le basi per una ripresa dei commerci nel Mediterraneo, arginando il fenomeno della pirateria. In virtù di questo accordo, il Sultano Mahmud I inviò a Napoli l’ambasciatore Haji HusseinEffendi, il quale giunse il 30 agosto 1741, fu ricevuto a corte il 18 settembre e soggiornò in città per un mese, con un ricchissimo e variopinto seguito.

In ricordo dell’avvenimento re Carlo commissionò il dipinto a Giuseppe Bonito, pittore ufficiale di Corte. Bonito posizionò la figuradell’ambasciatore al centro della scena con attorno gli esponenti dei principali gradi dell’ambasceria. L’Effendi indossa il dolimàno di velluto conbroccati di seta lavorati a fiorami, sotto il feràce, un lungo mantello;  i peich, o staffieri, vestono abiti di raso o damasco dalle forme leggere e di coloridiversi, fasciati da una  cintura di seta. Sul capo dei personaggi è il tipico turbante, avvolto intorno ad un berretto rosso, che veniva chiamato corno.  Al Museo del Prado di Madrid esiste una replica autografa del dipinto, inviata alla regina di Spagna Elisabetta Farnese, madre di Carlo di Borbone.

Il soffitto della sala è decorato ad affresco con le “Storie di Consalvo de Cordova”, primo viceré di Napoli, vincitore nella guerra per il possesso del Regno di Napoli tra Francia e Spagna (1502-1504).

Le grandi scene degli scomparti rettangolari raffigurano“La Conquista della Calabria”, “la Disfida di Barletta”, “Il Duello con La Palisse a Ruvo di Puglia”, “L''Incontro di Consalvo di Cordova con gli ambasciatori di Napoli che gli offrono le chiavi della città” e,  sulla parete del balcone  “L'Ingresso trionfante in Napoli del Gran Capitano attraverso Porta Capuana”. 

Negli spicchi angolari della volta sono dipinti gli stemmi del viceré Conte di Lemos, che governò dal 1610 al 1616.  Ad essi si affiancano  immagini astronomiche allusive al rapporto tra sole e pianeti come allegoria della funzione del viceré, che rappresenta, con potere intatto, un'autorità che è lontana: il re di Spagna.

Le fonti seicentesche già citavano Battistello Caracciolo come pittore attivo a Palazzo Reale, ma l'attribuzione  degli affreschi risale allo studioso Roberto Longhi (1943). In questo ciclo Battistello dipinge con volontà strettamente narrativa, del tutto affine alla scelta naturalistica del Caravaggio, il ritratto del quale compare tra gli astanti al centro della scena degli Ambasciatori, a rappresentare un omaggio al grande Maestro forse appena un anno dopo la morte.

Il dipinto omaggia la tradizione dolciara napoletana. Sulla destra, su un’alzata in peltro, è raffigurata una ricca offerta di prelibatezze, tra le quali è possibile individuare dei biscotti sfogliati a ventaglietto, ricoperti di miele, delle fette di pan di Spagna e dei lunghi biscotti all’anice, detti anesi. Sulla sinistra, invece, in contrasto con l’elegante alzatina,  è raffigurato un più popolare cuoppo (cartoccio a forma di imbuto) della tradizione culinaria napoletana, contenente dolcetti bianchi, verosimilmente gnocchetti dolci di pasta da zucchero o tocchetti di pasta reale da spiluccare con le dita. La loro forma evoca anche un tipo di caramelle conosciute all’epoca come franfellicchi, dolcetti ricavati da una morbida matassa di zucchero filante, che si vendevano per strada.

La Cappella Palatina è dedicata alla Vergine Assunta, pertanto il dipinto centrale del soffitto, realizzato da Domenico Morelli, uno dei maggiori pittori italiani del XIX secolo, rappresenta l'Assunzione della Madonna. L’opera fu commissionata all'artista napoletano dal Vice Intendente di Casa Reale Annibale Sacco nel 1864. Il 2 maggio di quell’anno, infatti, il pittore riceve dalla Real Casa 4.500 lire come anticipo delle 20.000 lire pattuite per l’opera.

La realizzazione della tela richiese tempi molto lunghi soprattutto a causa delle sue dimensioni (m. 9,80 x 5,56). Si pensa che l’artista, dopo gli studi preparatori e l’approvazione del bozzetto, abbia eseguito il dipinto nella stessa Cappella Reale, essendo problematico collocare la tela nel proprio studio senza piegarla.

L’opera fu completata nel giugno 1870, suscitando unanimi consensi nella critica del tempo.

“L'Assunta”,  grazie ad un preventivo intervento di rimozione della tela, che fu calata in basso, e riposta in luogo sicuro, fu salvata dai bombardamenti dell'agosto 1943, che distrussero la volta della Cappella. Un recente restauro con consolidamento della pellicola pittorica, pulitura, verniciatura  e reintegrazione pittorica  (2006) ha restituito all'opera l'originario aspetto e ha messo in luce la firma e la data (Morelli 1870).

Il tavolo di bronzo, con piano di marmo con motivo geometrico a caleidoscopio, fu donato al re Francesco I (Napoli 1777- 1830) dalla regina Isabella il 4 ottobre 1827, per il suo compleanno.

Lungo il bordo superiore, l'opera è ornata da undici medaglioni  di marmo policromo che sostituiscono quelli documentati, con i ritratti della famiglia reale; mentre sul bordo laterale, tra motivi di  conchiglie e ippocampi, vi erano altrettanti medaglioni con le 'Vedute di Pompei', decorazioni ancora registrate nell'inventario del 1907, ma asportate già dal 1950. I sostegni in bronzo raffigurano telamoni su zampe leonine che schiacciano testuggini.

Il tavolo originariamente ornava la Camera da Letto del Re nella Reggia di Portici e si ispira nella sua conformazione ai supporti marmorei di scavo che reggono piani di legno pietrificato; infatti un tempo i suoi sostegni di bronzo venivano considerati proprio reperti ercolanensi. 

In collezione privata si conserva una serie di undici miniature, a smalto su porcellana, con cornicette raffiguranti Maria Isabella di Borbone, moglie di Francesco I, e i primi dieci dei loro figli. La decorazione fu eseguita probabilmente da Raffaele Giovine e si tratta con ogni evidenza di una committenza reale con destinazione di ornamento di un mobile, come il tavolino in oggetto, di cui potrebbero costituire i medaglioni mancanti.

Questo vassoio appartiene al servizio dell'antica 'Vasella' del Palazzo Reale ed era destinato al lusso della tavola. Su di esso, infatti, non si imbandivano vivande ma si collocavano elementi decorativi come cesti di fiori, confetti e candelabri che, riflettendosi negli specchi, davano maggiore luminosità alla tavola, con un effetto scenografico di notevole fastosità.

Il dessert-plateau, in cinque pezzi componibili, è sostenuto da coppie di piedini a  zampa di leone e, sempre sotto la base, da invisibili rotelline girevoli per l'agevole spostamento sulla tavola. Un fregio a festone di alloro che corre lungo tutto il perimetro è interrotto da figure affrontate di coppie di baccanti nell'atto di adagiare grappoli d'uva in coppe e da coppie di efebi che versano il vino in brocche. 

Di stile Impero, presenta strette analogie formali con un altro centrotavola esposto al Museo Marmottan di Parigi, realizzato da Thomire e databile al 1810-1814, appartenuto a Luciano Bonaparte.

L'opera, oltre ad essere un mobile di pregiato valore artistico, può essere considerata una notevole opera tecnologica del Settecento; si tratta di uno scrittoio con piano estensibile, dotato di un leggìo con sistema rotante di ripiani porta-libri. 

Il leggìo rotante, che rimanda tipologicamente alla tradizione medievale nordica, apparteneva alla Biblioteca della regina Maria Carolina d'Austria, e documenta la presenza a Napoli di artisti e artigiani stranieri che gravitavano intorno alla Corte, importando e diffondendo tecniche artigianali e varietà di modelli. La firma, riportata sulle placchette in bronzo dorato del piano di appoggio, 'Giovanni/Uldrich - Anno 1792' orienta verso un'origine austriaca o tedesca dell'artigiano, che risulta attivo anche come costruttore di pianoforti. 

L'opera è influenzata dal gusto neoclassico che dà agli elementi strutturali la forma degli ordini architettonici: le colonnine di sostegno della grande ruota centrale assumono forme doriche ed i capitelli rigorosi linee classiche. Su di un lato del piano di appoggio del tavolo, anch'esso di forme classiche, una manovella metallica consente il movimento di una sorta di 'mulino' a due ruote, alle quali sono fissati, con cerniere di ottone regolabili, otto ripiani-leggii, che consentono la lettura simultanea di più testi.

L'orologio è tra i più antichi e preziosi della collezione di Palazzo Reale, essendo stato realizzato da  Thuret, orologiaio della corte di Francia e dell'Osservatorio di Parigi e collaboratore del fisico olandese Christian Huygens, che fu il primo ad introdurre nell'orologeria l'invenzione galileiana del pendolo.

La raffigurazione del mito di Atlante è stata spesso usata negli orologi statuari. Atlante, fratello di Prometeo ed Epimeteo, partecipò alla lotta fra Giganti e Dei. Sconfitto, fu condannato da Zeus a reggere sulle spalle la volta del cielo. Il bronzista ha raffigurato il momento in cui Atlante, ricevuto il globo sulle spalle, lo sta assestando, cercando nel mentre appoggio su una roccia che potrebbe fargli da sedile.

Il globo, all'altezza dell'equatore, è attraversato da una  fascia in porcellana che gira da sinistra a destra con grandi cifre romane. Il sole con i suoi raggi segna le ore.

Nella base sono raffigurati i simboli di Ercole: la pelle di leone, sulla quale è incisa la firma, la clava e la faretra. Il mito di Ercole è legato a quello di Atlante, e indicativo della provenienza dell'orologio dalla Casa Farnese, che si fregiava di simboli erculei.

Alle spalle dell’Antica stanza privata di Maria Amalia di Sassonia (sala XIV), moglie di Carlo di Borbone, si apre l’alcova di Maria Amalia,  da immaginare come una grande nicchia aperta sulla Camera, dove era collocato il letto della regina.

Quando nell'Ottocento le abitazioni dei sovrani furono spostate al secondo piano, il soffitto dell'Alcova fu coperto da una decorazione neoclassica di cornici, palmette e girali dorati  in cartapesta su fondo bianco, intorno a un rosone centrale. 

L'affresco riportato alla luce è opera documentata di Nicola Maria Rossi (1690-1758), che secondo documenti fu pagato nel 1739 cinquecento ducati per dipingere a fresco nell'Alcova di S. M. la Regina  “un augurio di felicissima prole”.

Si vedono al centro La Notte, con il manto scuro, che protegge la dormiente; Minerva - con la lancia che fora la nuvole – pure sorridente e china verso il basso, regale protettrice della Fecondità e una figura femminile che in seno accoglie un nido con due colombi bianchi. A sinistra il carro di Aurora, che indica Il Giorno e il dio Arpocrate, raffigurato come una scultura, che allude al silenzio 

Questo straordinario capolavoro del Barocco napoletano fu realizzato tra il 1672 ed il 1691 per la chiesa di Santa Teresa degli Studi. L'altare fu spostato nel Palazzo Reale nel 1808, in seguito ai provvedimenti di soppressione degli enti ecclesiastici - ad opera del governo francese di Giuseppe Bonaparte - con i quali i beni di proprietà religiosa furono incamerati dallo Stato.

L'altare è caratterizzato da ornati in rame dorato con prezioso rivestimento  in pietre dure (agate, diaspri, lapislazzuli, ametiste, onici, malachite), incastonate a creare disegni prospettici. Nel paliotto (il pannello centrale) e nei battenti laterali la disposizione architettonica dell'insieme crea l'immagine di un tempio con pilastri, nicchie e balaustrate. Nel punto di fuga della scenografica prospettiva centrale, è rappresentata Santa Teresa, a cui è dedicato l'altare. 

Nel ciborio è inserita una formella di pietre dure intarsiate su fondo nero del Belgio, realizzato dall'opificio delle Pietre Dure di Firenze del 1772, dono di Cosimo III ai Padri Teresiani.

L'altare si salvò dalle bombe del 14 agosto 1943 grazie ad una protezione di emergenza messa in opera durante la guerra. Una struttura di assi lignee completamente rivestite con sacchetti di sabbia riuscì a proteggere l'opera quando fu investita dal crollo della volta della Cappella.

Il Presepe di Palazzo Reale si compone di 210 figure, realizzate a mano tra la fine del XVIII e gli inizi del XIX secolo. Ogni figura, cosiddetta “terzina”, di 35-40 centimetri,  è composta da stoppa e fil di ferro, ha gli arti in legno dipinto, il volto e le mani in terracotta e gli occhi in cristallo, il tutto per donare alle figure un aspetto altamente verosimile. 

Nell’imponente  messa in scena si possono individuare i tre momenti essenziali della “sacra rappresentazione”: la Natività, l’Annuncio ai Pastori e la Taverna. La Natività è posta in alto, fra i ruderi di un tempio antico, a simboleggiare la vittoria del Cristianesimo sul paganesimo, ma anche per rinnovare il gusto per le scoperte archeologiche di Ercolano e Pompei; al centro, un angelo annuncia ai pastori l’imminente nascita del Salvatore; infine, sulla destra, una tavola imbandita con ricchi commensali fa da proscenio alla cantina, ricca di cibi d’ogni sorta tipici della cucina napoletana.  Molti importanti scultori nel Settecento si cimentarono nell’arte presepiale, tra questi, Giuseppe Sammartino, l’autore del Cristo Velato, a cui è attribuita  la donna cosiddetta Sciacquante, ornata con orecchini e collana in corallo, seduta al tavolo della locanda, in abito in velluto rosso e oro con gonna in seta verde.

Il plastico, proveniente dalla Reggia di Caserta, documenta la conformazione architettonica di Palazzo Reale agli inizi dell'Ottocento, prima degli imponenti restauri voluti da Ferdinando II. Si configura quale modello per studi progettuali di trasformazione e propedeutico, probabilmente, alla prima stesura del Progetto Grande di Antonio Niccolini al quale è riferibile il manufatto, databile al 1811.

Al blocco originario dei Palazzi Vecchio e Nuovo si contrappone la mole del settecentesco «Braccio Nuovo» che, in asse col cortile d'onore, chiude la facciata a sud: qui fu sistemato l’appartamento di Carolina Murat con accesso da un nuovo scalone a quattro tese, di cui se ne intravede il vano, e collegato al terrazzo il cui prolungamento non è invece riprodotto nel plastico. All’interno è rappresentato il Teatrino della regina, poi trasformato da Gaetano Genovese in Salone da Ballo, in cui sono visibili riproduzioni di scenografie dipinte, realmente eseguite dal Niccolini. Il giardino pensile raccorda i corpi edilizi disomogenei del fronte meridionale, tra cui spicca il padiglione seicentesco del Belvedere. Il passaggio tra il cortile del Belvedere e quello delle carrozze avviene attraverso una piccola loggia su pilastri, mentre gli originali collegamenti prospettici del progetto fontaniano sono ormai ridotti a piccoli varchi tra i cortili.

La decorazione della volta a padiglione della prima Anticamera rientra nel ciclo decorativo degli appartamenti reali eseguito tra il 1737 e il 1738 per le nozze di Carlo e Maria Amalia di Borbone.

La composizione inserisce la grande scena centrale al di sopra di un illusionistico impianto architettonico dipinto, che dilata la spazialità dell'ambiente in quanto vertiginosamente inquadrato dal basso, realizzato da Vincenzo Re, scenografo di Corte e del Teatro San Carlo, specializzatosi in simili interventi decorativi presso le principali residenze reali, come nella Reggia di Portici.ì

La scena al centro della volta ad incannucciata fu dipinta con tecnica ad olio su intonaco, più rapida ad asciugare rispetto all'affresco, visti i ristretti tempi di consegna dell'opera. Il De Mura ideò una composizione che si espande illusionisticamente sulla quadratura, in cui sono rappresentati, al centro, gli stemmi dei Borbone e della Sassonia retti dai Geni Reali e posizionati sotto la corona, alludendo alle nozze reali. Sul lato sinistro, le Allegorie delle Virtù di Carlo (Fortezza, Giustizia, Clemenza o Pace, Magnanimità) e sul lato destro le Allegorie con le Virtù di Maria Amalia (Fedeltà, Grandezza o Valore, Prudenza, Bellezza); in basso, Imeneo che scaccia il Furore e la Malignità.

L'arazzo fa parte di una serie dedicata ai quattro elementi (l'Allegoria dell'Aria, posizionata sulla parete di fronte e le Allegorie della Terra e dell'Acqua, esposte nella Sala degli Ambasciatori), realizzata presso le manifatture reali francesi di Gobelins e celebrativa del Re Sole (Saint-Germain-en-Laye, 5 settembre 1638 – Versailles, 1º settembre 1715 ). Fu donata al Nunzio Apostolico presso la corte napoletana nel 1719. 

In primo piano a sinistra nell'Arazzo con il Fuoco, tessuto ad alto liccio (telaio verticale), Vulcano e i Ciclopi, davanti a una caverna, sono intenti a foggiare sull'incudine armi e strumenti, mentre sullo sfondo il monte Etna è in eruzione. Giove, con Venere e Cupido, troneggia sulle nuvole e reca uno scudo con le cifre del Re Luigi XIV.  Magis ipso fulmine terret  (atterisce più dello stesso fulmine) è il motto sullo scudo. Nella cornice, armi, attrezzi, vasi metallici, in alto lo stemma del Re Sole, e in basso un'iscrizione a lui inneggiante.

L'opera ritrae, in età giovanile, Maria Carolina, figlia di Francesco di Borbone e Maria Clementina d'Austria, nata nella Reggia di Caserta nel 1798 e andata in sposa nel 1816 a Carlo Ferdinando Duca di Berry, secondogenito del futuro Carlo X di Francia, con una cerimonia che si svolse proprio nella Cappella Palatina del Palazzo Reale di Napoli.

La base della scultura, in porcellana bleu de roi, con ornati dorati, reca il monogramma della principessa napoletana: “MC” intrecciato e sottoposto a una corona ducale; mentre sotto il braccio sinistro è evidente il marchio della manifattura “D. DENUELLE/A PARIS”.

Di elegante fattura sono l'abito e l'elaborata acconciatura, particolarmente apprezzabile nel verso dell'opera, dove una lunga treccia gira più volte a serpentina sulla sommità del capo, incrociandosi con una fascetta ornata di gemme e perline.

La porcellana si può datare tra il 1824 e il 1828, anni in cui la Principessa, a causa della mancanza di figli del  re Luigi XVIII, morto nel'24, incarnava  la speranza di un erede legittimo per gli ultimi Borbone di Francia, avendo dato alla luce nel 1820 Enrico, conte di Chambord.

Nella mitologia romana, di origine greca, Proserpina figlia di Cerere è rapita da Plutone mentre raccoglie fiori in un prato, alle pendici dell'Etna, e condotta agli Inferi. Vediamo nella scena centrale dell'arazzo la fanciulla  afferrata da Plutone e  trascinata su una biga dorata verso il cuore della Terra, che si apre tra le fiamme sotto le zampe di un cavallo bianco.

Nella ricca bordura sono raffigurate in alto, la Fenice, uccello magico che risorge dalle proprie ceneri, e in basso la Salamandra, che resiste alle fiamme, ed è anche simbolo della Giustizia.

L'arazzo intende rappresentare l'allegoria del Fuoco: infatti fu commissionato nel 1762 per completare un paramento sul tema dei Quattro Elementi – Aria Acqua Terra Fuoco - iniziato già nel 1739 dalla Reale Arazzeria di S. Carlo alle Mortelle, sotto la direzione di Domenico Del Rosso.

Il Ratto di Proserpina fu realizzato con la consulenza di Luigi Vanvitelli, che scelse come autore del cartone Gerolamo Starace Franchis, pittore solimenesco che aveva dipinto la volta dello Scalone della Reggia di Caserta.

Dal punto di vista tecnico e stilistico quest'opera rappresenta una svolta nella attività della Manifattura, per l'uso della tecnica ad alto liccio, con telai verticali, introdotta da Pietro Duranti, e per il ruolo assegnato agli aspetti figurativi, per i quali, piuttosto che recuperare immagini da stampe o da repertori, si commissionano cartoni a olio ai migliori artisti del tempo.

Unico ritratto ufficiale del Principe di Napoli, futuro Re Vittorio Emanuele III, esposto in maniera permanente nel percorso del Palazzo Reale. 

L’erede al trono di casa Savoia, figlio di Margherita e Umberto I, è raffigurato all’età di cinque anni su una terrazza che si apre su una tipica veduta della città partenopea con sfondo del Vesuvio fumante. Questa tradizionale rappresentazione dell’imago urbis napoletana diventa una costante nell’iconografia del principe, al fine di sottolinearne il forte legame politico e affettivo con la città in cui era nato nel 1869. 

Il bambino, con i capelli pettinati “alla Umberto”, ossia con un taglio corto ispirato a quello del padre, e con espressione corrucciata, indossa un abito da cerimonia in velluto blu scuro, con eleganti ricami ai polsini, al collo e alle ginocchia. Alla moda del rinascimento sembrano richiamare anche le calze e le scarpe nere con decorazioni sulla punta. Sul tavolino, coperto da un drappo con scudo sabaudo, sono poggiati un mappamondo e una carta dell'Italia Unita, a indicare il percorso di studi del principe.

Sarà Vittorio Emanuele III a cedere al Demanio dello Stato il Palazzo Reale di Napoli nel 1919. 

Il dipinto, proveniente dalla collezione Farnese, faceva precedentemente parte dei beni della famiglia Sanseverino di Parma che, nel 1612, venne condannata a morte e alla confisca dei beni per una congiura contro Ranuccio I Farnese, Duca di Parma e Piacenza.

Durante i moti rivoluzionari napoletani del 1799, la tavola risulta nella lista delle opere sequestrate dai Francesi. Recuperata dalle truppe borboniche, fu trasferita nel Real Palazzo di Francavilla a Chiaia (attuale palazzo Cellammare). Nel 1874 è inventariata a Palazzo Reale. 

Il dipinto del Palazzo Reale è una delle molte versioni del soggetto degli “avari” realizzate dall'artista. Tra le più famose ricordiamo quelle del Prado (1538), di Monaco, Varsavia, e quella del Museo dell'Ermitage di San Pietroburgo.

Più che un ritratto, il dipinto può essere definito una scena di genere di contenuto morale, in cui sono effigiati due esattori delle imposte, o meglio, un tesoriere ed il suo impiegato, l'esattore, che manifestano un atteggiamento opposto rispetto al denaro che amministrano: serio e obiettivo l'uno, rapace nella fisionomia e nel gesto l'altro. L'autore, come si può notare nell'opera, era amante dei dettagli curiosi e bizzarri, e fu artefice di una serie di ritratti di personaggi al lavoro, rappresentati al limite del caricaturale.

L’Organ Clock di Charles Clay, datato 1730, si pone come l’elemento più importante ed antico della collezione di orologi del Palazzo Reale di Napoli.

La macchina di Palazzo Reale presenta una cassa a forma di edicola, in argento traforato, con sportello di vetro, sormontata da un’urna con ai lati otto pigne. Il quadrante reca le ore contrassegnate da numeri romani, i minuti, ogni cinque, da numeri arabi e le mezz’ore da piccoli gigli stilizzati. Sono, inoltre, evidenti i due fori per la carica. La faccia anteriore della cassa è in rame dipinto ad olio con l’applicazione di bassorilievi e altorilievi in argento che delineano la scenografia di un tempio, alla sommità della quale è raffigurato un concerto di musici celesti, con arti semoventi.

L’orologio è a pendolo, mentre all’interno della cassa le parti dell’organo meccanico, composto di 51 canne, sono sostenute da un telaio. Georg Friedrich Händel fu abituale collaboratore di Clay e a lui si devono le musiche programmate sul cilindro dell’organo. Si tratta di cinque adattamenti di brani tratti da opere di Händel rappresentate a Londra tra il 1727 e il 1729 (Lotario, Siroe re di Persia e Riccardo Primo re d’Inghilterra) e cinque pezzi, non ancora identificati, probabilmente composti appositamente per Clay.

Il dipinto ritrae il ritorno a Napoli di Ferdinando I di Borbone avvenuto il 17 giugno 1815 dopo  circa dieci anni di esilio palermitano, dovuto alla dominazione dei napoleonidi.

Domina la scena la facciata di Palazzo Reale con la bandiera borbonica sventolante sull'orologio, mentre la corte in festa assiste dai balconi alla parata militare che accompagna l'ingresso del re nel Largo di Palazzo. Si nota al pianterreno del monumentale edificio l'assenza delle statue che attualmente lo adornano. Infatti queste vennero collocate solamente in età sabauda, nel 1889, all'interno delle nicchie realizzate da Luigi Vanvitelli alla metà del XVIII secolo quando, per motivi statici, l'architetto murò alternativamente le arcate di quello che, originariamente, era un porticato continuo.

Il primo piano è dominato dalla folla accorsa ad assistere all'evento, schierata dietro la guardia del re, con gli ufficiali recanti rami di mirto sulle baionette. 

Sullo sfondo dell'opera si ammira l'ancora erigenda Foresteria Borbonica (dal 1861 sede della Prefettura) , mentre sulla sinistra si scorgono le forme di una monumentale struttura scenografica effimera abbellita con una fontana e con la statua di Ferdinando I come antico romano, di Antonio Canova, attualmente al Museo Archeologico Nazionale di Napoli.

Il camino di marmo bianco, di stile neoclassico, presenta un fregio riccamente scolpito, sorretto da due coppie di colonne scanalate, sormontate da capitelli compositi. La bocca del camino è inquadrata da una cornice a racemi vegetali.

Il fregio presenta una decorazione a bassorilievo con trofei militari sui lati in accordo con il tema decorativo della volta settecentesca e, al centro, una riproduzione del mosaico raffigurante la "Battaglia di Isso", ritrovato a Pompei  ed oggi esposto al Museo Archeologico Nazionale di Napoli. 

La riproposizione del ritrovamento archeologico testimonia l'interesse dei Borbone per le antichità di Ercolano e Pompei, i cui scavi furono avviati proprio da re Carlo. Il mosaico, di grandi proporzioni (cm 582x313), risalente al 100 a.C. circa, fu rinvenuto il 24 ottobre 1831 nella casa del Fauno, nella pavimentazione dell'esedra che separa i due peristili della domus. I lavori di ammodernamento del Palazzo Reale, avviati nel 1838, si ispirano quindi alle scoperte degli scavi coevi.

Il mosaico raffigura la celebre battaglia di Alessandro Magno contro Dario III di Persia, svoltasi a Isso (in Turchia) nel 333 a.C., conclusasi con la disfatta dell'esercito persiano. Come nel mosaico, il fregio di Palazzo Reale presenta il condottiero macedone (oggi acefalo) a cavallo, nell'atto di inseguire l'imperatore persiano sulla biga, ma volto verso il nemico con la lancia puntata. Fra i due protagonisti, un groviglio di lance, soldati e cavalli, inquadrati da quinte arboree.