"A Kergoat una profonda impressione ti prende interamente..." Breton, originario del Pas-de-Calais, racconta così il perdono di cui fu testimone nel 1890 a Quéménéven, vicino a Locronan. Tornato a Parigi, in studio, dipinse questa grande composizione. È la celebrazione annuale della cappella, una delle più grandi della Cornovaglia. La folla si precipita per ottenere l'assoluzione dai peccati. Al suono dei tamburi, il corteo attende di entrare attraverso il portico. La varietà di costumi ricamati stupisce. Breton ritrae la pietà collettiva. Egli dettaglia la scena: uomini poi donne con i volti abbattuti, una moltitudine di candele accese, stendardi risplendenti, statue venerate. Il rosso delle vesti di Ploaré irrompe al centro del verde del santuario.

La tela è stata presentata alle Esposizioni Mondiali di Chicago e Parigi del 1893 e del 1900. Di proprietà di un collezionista americano, questa tela è stata acquisita nel 1994. Oltre alle sovvenzioni pubbliche, hanno contribuito a questo acquisto 1.177 abbonati locali, simbolo dell'attaccamento di una regione al suo patrimonio.

Come Jules Breton, gli artisti presentati in questa sala hanno scoperto per lo più il Finistère nella seconda metà del XIX secolo. Sono affascinati dalla profonda pietà degli abitanti. La vita religiosa prevede diversi temi: grazie, messe, preghiere… dove fervore e costumi si contendono la ribalta.

© Musée des beaux-arts de Quimper.

Brrr, la morte aspetta... Temete Ankou in una notte di luna piena. In un'atmosfera nebbiosa, gli alberi sono minacciosi. I fantasmi delle lavandaie sventolano i loro sudari bianchi. Dal retro del dipinto, volano verso il primo piano per circondare Wilherm Postic. È il giorno di Ognissanti e questo miscredente non ha onorato i suoi morti. Capelli ritti, bocca spalancata, in preda al panico, la morte alla sua sinistra lo avverte "Prendo e sorprendo". Presto verrà strappato dal mondo dei vivi e giacerà tra i boschetti perché il sudario non deve essere attorcigliato in direzione della lavandaia a rischio di avere le ossa frantumate. Yan'Dargent ha ricordato le fantastiche leggende della sua infanzia. Il tema è tratto dalla raccolta di Émile Souvestre, Le Foyer breton, pubblicata nel 1844.

Nel Finistère, l'Ankou è la personificazione della morte o del suo servo. È una figura di spicco della tradizione orale e dei racconti bretoni.

Secondo i desideri dell'artista e secondo la consuetudine, suo figlio chiese che il suo corpo fosse riesumato nel 1907 e che la sua testa fosse posta nell'ossario con la sua famiglia. Si tratta dell'ultimo distaccamento di testa conosciuto in Bretagna.

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Un porto in città! Il "Roi des Ciels" (appellativo che Boudin aveva una volta ricevuto da Corot),  offre una vista sul fiume Odet. Dal distretto di Capo Horn è possibile guardare l'acqua calma con l'alta marea che si estende fino alla cattedrale. Questo paesaggio urbano è animato: camminatori sulle banchine, lavandaie al lavoro e persino il traghettatore che aspetta il passaggio del cliente. Il pittore offre elementi tradizionali della rappresentazione: composizione bilanciata dagli alberi ai lati della curva delle banchine, profondità del dipinto scavata dal contrasto di ombre e luci, gioco di linee di pali e frecce. . Tuttavia, emerge un nuovo spirito: il vasto cielo estivo con fugaci effetti atmosferici, i riflessi nell'acqua e il tocco frammentato intorno alla barca fanno di Boudin un precursore dell'impressionismo.

La cattedrale di Saint-Corentin è uno dei soggetti preferiti dai pittori che sono venuti a Quimper. Questa vista di Boudin è preziosa perché è la prima freccia che documenta completata l'anno precedente. Progettati da Joseph Bigot, anche architetto del museo aperto nel 1872, sono il simbolo della città.

Boudin sceglie il punto di vista pittoresco per eccellenza per dare un'immagine emblematica di Quimper. Molti artisti hanno seguito l'esempio. Ancora oggi, questa rappresentazione da cartolina seduce. Lo scenario è cambiato poco: un confronto da fare sul posto!

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"Chi vede Sein vede la sua fine"... Su quest'isola soprannominata "l'isola dei morti", una vedova e il suo bambino meditano con dignità sulla tomba del loro defunto. La giovane donna guarda in basso, interiorizza dolorosamente il suo dramma. Inginocchiato sulla pietra, il ragazzo alza la testa e ci guarda tristemente. I loro silenzi si oppongono al frastuono del mare spumeggiante in sottofondo. Questa scena oscura di lutto si svolge in un cimitero lavato dalle onde, senza fiori né colori. Renouf trascorreva l'inverno tra i pescatori di quest'isola austera situata in un mare ostile. Eppure, questa scena struggente è fittizia: il pittore ha scelto come ambientazione questo luogo abbandonato e vi ha posto queste figure che diventano gli archetipi della vedova e dell'orfano del marinaio.

Questo dipinto, presentato al Salon di Parigi, ha portato notorietà al suo autore, che si è aggiudicato la medaglia di secondo classificato. È stata immediatamente acquisita dal museo. Da quest'opera il tema della vedova bretone diventa un luogo comune. A Sein, le vedove occupano un posto speciale, hanno un carattere quasi sacro e non si risposano.

Il mare è particolarmente pericoloso nel Raz de Sein e più in generale in Bretagna. I naufragi sono ricorrenti lì. La pietà bretone è caratterizzata dalla sua lealtà verso i morti. Le vedove dei marinai, vestite di nero, venivano spesso rappresentate quotidianamente in preghiera presso le tombe dei loro uomini: padri, mariti, figli. Particolarità dell'Ile de Sein: dopo l'epidemia di colera del 1886, il copricapo a lutto divenne quello della vita quotidiana.

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Il rogo infuria. Santa Lucia di Siracusa viene martirizzata sotto il regno dell'imperatore romano Diocleziano per la sua conversione al cristianesimo, la sua resistenza irrita: un testimone salta sul palo e gli taglia la gola.

I corpi si contorcono, si ribaltano in tutte le direzioni; il fumo sale in dense spirali, portando con sé il tessuto vaporoso dell'abito. La violenza della scena esplode negli effetti di scorci e prospettive, nei virtuosismi e nei contrasti cromatici.

Nata dalla Controriforma, che riaffermò l'importanza del culto dei santi, l'arte barocca mostrò il suo splendore negli ambienti religiosi. Nel 1621 Rubens realizzò il soffitto per la chiesa dei Gesuiti ad Anversa, che nel 1718 andò in gran parte perduto in un incendio. Gli schizzi preparatori ci permettono di immaginarlo oggi.

Quest'opera su legno nasce da un'importante commissione ricevuta da Rubens nel 1620, nella quale il pittore si impegnava a realizzare in meno di un anno una serie di dipinti per adornare il soffitto di questa chiesa, costruita a partire dal 1615. Il contratto specifica che doveva "disegnare di sua mano i disegni dei 39 dipinti in piccolo formato, lasciando poi l'esecuzione finale a Van Dyck e ad alcuni altri allievi" del suo studio. Questo modello, un bozzetto dipinto ad olio, assume tutto il suo valore: per mano stessa del maestro, ne illustra il genio e testimonia quella che i suoi contemporanei chiamavano "l'agilità e la frenesia del suo pennello".

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Silenzio! Non dobbiamo svegliarla. È distesa nuda su spessi cuscini, abbandonata, offerta allo stupore. La sua pelle è di un bianco marmoreo, la testa e i seni piccoli. Il suo corpo idealizzato ha curve sensuali. Non è una donna, ma una dea che contempliamo. Bellezza inquietante e perfetta.

Ma perché questa mano sinistra tagliata al polso, e le gambe brutalmente interrotte a livello delle cosce? Quest'opera è il frammento di una composizione più ampia: l'agile arabesco del corpo di Venere ondulato su un letto ricoperto da un lenzuolo fiorito, al termine del quale due angeli osservavano una coppia di uccelli. Nell'angolo in alto a destra, un paesaggio dava profondità all'insieme. Non sappiamo quando fu ridotto a questo sorprendente ovale.

Perché esporre un'opera troncata? Dell'Abate divenne famoso in Italia all'inizio del XVI secolo per il suo senso del paesaggio, delle scene di genere e dei tipi femminili. Chiamato alla corte del re di Francia nel 1552, distacca Le Primatice per la decorazione del castello di Fontainebleau. Ha introdotto il gusto per il paesaggio e le scene pastorali nell'arte bellifontana.

Il tema della Venere addormentata circondata da amori è un classico dell'arte rinascimentale. Nicolò ha potuto studiarlo in Italia e nella collezione reale francese. Gli dà vita e pulpito, con la flessibilità del suo pennello e i suoi colori perlati. Molte delle sue opere furono distrutte o ritoccate nel XVII secolo, il loro fascino voluttuoso colpì la sensibilità più puritana. Questa Venere è una delle rare testimonianze del suo delicato talento.

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Immagina San Paolo alla luce tremolante delle candele: ieratico, prende vita, diventa irreale. Il suo viso emerge, vivido e colorato, dal fondo oro, luce divina. In piedi, frontale, la sua figura appartiene al mondo celeste. La spada del suo martirio è anche il simbolo della sua carriera di soldato. In mano, le sue epistole, lettere indirizzate alle prime comunità cristiane.

Agli inizi del Rinascimento, il Trecento senese mescola influenze: dall'arte dei mosaici bizantini per la staticità dell'atteggiamento e dello sguardo, e dall'arte gotica per il suo formato ogivale o motivi lavorati a punzone. Il suolo evoca già la prospettiva e le ombre il modellamento del corpo.

Dipinto su tavola, l'opera più antica delle collezioni è un frammento della pala d'altare nella Chiesa di San Domenico a Siena.

Alla fine del XIV secolo la pittura da cavalletto non esisteva. La Chiesa è il principale committente artistico. Vasari nelle sue Vite giudica Bartolo di Fredi come "pittore mediocre ai suoi tempi", ma ebbe un certo successo e realizzò questa pala d'altare. Usa la tecnica del fondo oro: su un supporto incollato e poi rivestito con un preparato rosso, applica foglie d'oro, simboli del mondo sacro. Questo polittico, in cinque riquadri, presentava al centro la Vergine degli Evangelisti in cornice. San Paolo era alla sua sinistra. I pochi oggetti conosciuti sono sparsi nei musei e nelle collezioni di tutto il mondo.

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Gli amori degli dei non sono un lungo fiume tranquillo! A riprova, questo virtuosistico bozzetto sui toni del marrone presenta il rapimento voluttuoso di Proserpina, figura centrale. Nel dominarla suo zio Plutone, dio romano degli Inferi, viene colpito dalla freccia di Cupido. Il dio è riconoscibile grazie al suo bidente e dalla torcia portata dal cherubino. Sotto, la ninfa Cyané assiste al dramma. Le sue inesauribili lacrime vengono simboleggiate dal vaso rovesciato.

Questa scena infuocata trae il suo soggetto mitologico dalle Metamorfosi di Ovidio.

Il formato ovale è tipico dei soggetti popolari a medaglione. Senza un risultato identificabile, la presenza della firma e della data, rare per uno schizzo, lo renderebbero un'opera indipendente?

Boucher, un notevole artista del Rococò francese sotto Luigi XV, dimostra qui la sua maestria, un anno prima della sua morte.

L'opera di Boucher gode della libertà di tocco fornita dall'esercizio preparatorio. Uno schizzo lascia spazio al movimento impetuoso e non è carico di dettagli. Il pittore applica la tecnica del monocromo, che consiste nell'utilizzare gradienti di una sola tonalità.

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È una grande notte a Versailles... Le prospettive del parco del Petit Trianon si illuminano per una notte eccezionale. I fuochi delle fascine nei fossati e le lanterne appese agli alberi o nascoste nelle aiuole permettono di scorgere nell'oscurità tante piccole sagome. La folla si precipita a scoprire lo spettacolo della rotonda del Tempio dell'Amore, magistralmente illuminata. In questa rara rievocazione di questo giardino nell'arte settecentesca, il pittore gioca con i chiaroscuri e i riflessi nell'acqua. Nel giardino del Petit Trianon si organizzavano sontuose feste sotto l'egida di Maria Antonietta. Qui sarebbe stato rappresentato nientemeno che il ricevimento del 6 giugno 1782 in onore del Conte del Nord, figlio di Caterina II, futuro Paolo I di Russia.

Questo dipinto illustra l'inesauribile cronista degli eventi della vita parigina che fu Hubert Robert: feste, lavori urbanistici, incendi. Oggi questo artista, con una notevole carriera ufficiale, è noto soprattutto per le sue raffigurazioni di rovine con contenuto sentimentale.

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Una donna del suo tempo. L'elegante donna, seduta in casa, scrive ai suoi figli alla vigilia della Rivoluzione francese. La bella sconosciuta ci fissa, ancora assorta nel suo compito. Il suo abbigliamento rispecchia una nuova moda tendente alla semplicità: una redingote bianco perla, un velo trasparente sul collo e la charlotte sui capelli naturali incipriati. Lei incarna, in questa Età dell'Illuminismo, la donna moderna, liberata e colta, da salotto. Questo ritratto è realizzato da un'artista donna, Adélaïde Labille-Guiard. In questa opera dispiega una prodigiosa abilità nel rendere i materiali: i riflessi del raso e l'opacità del legno dello scrittoio rivestito di feltro verde contrastano con uno sfondo neutro.

Adélaïde Labille-Guiard è una dei ritrattisti più famosi della fine del XVIII secolo. È anche una rinomata miniaturista e pastellista dopo un apprendistato con il grande maestro Quentin de La Tour. È stata ammessa all'Académie de Saint-Luc, un'accademia di pittura, quando aveva appena vent'anni. Entrò quindi all’Académie Royale de peinture et de sculpture contemporaneamente alla sua rivale Élisabeth Vigée Le Brun, a cui viene spesso paragonata. Acquisì la sua fama grazie ai ritratti che realizzò prima per le figlie di Luigi XV e poi, dopo la Rivoluzione, a quelli di quattordici deputati dell'Assemblea Nazionale, compreso quello di Robespierre. Inoltre, l'artista militava per migliorare lo status delle pittrici creando una propria scuola d'arte per ragazze.

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Stiamo esponendo una tela incompiuta? Questo paesaggio offre una vista panoramica sulla valle di Pierrefonds, nella regione dell'Oise. All'orizzonte si scorge il bosco di Compiègne. Le luminose rovine del castello medievale dominano la composizione. Corot mise il suo cavalletto a lato del sentiero per dipingere il paesaggio. L'andamento libero della pittura gli venne rimproverato. L'opera dà l'effetto di uno studio e non di un lavoro compiuto. Il primo piano è una costruzione a tinta unita e ignora la linea. La terra, l'erba e la figura vengono rapidamente spazzati via. I secondi piani sono più dettagliati: alberi, campi, architettura, nuvole. Ma il tutto si basa su un uso moderno del colore, con una tavolozza ristretta, a discapito del dettaglio. Corot è stato uno dei primi a studiare all'aperto, il che è sorprendente per l'epoca.

Il "pleinairismo" si riferisce all'atto di lavorare al di fuori dello studio. Ciò è stato reso possibile dall'invenzione industriale nel 1841 di tubi flessibili metallici colorati che hanno evitato la necessità di macinare e mescolare i pigmenti. Molto spesso l'artista realizza in loco disegni o gouache per fissare motivi e luci che poi utilizza nei quadri in studio. 

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Deposito dello Stato nel 1896, passaggio di proprietà dallo Stato al Comune di Quimper nel 2013

Presto, guarda la città di Ys immergersi all'orizzonte prima che scompaia! La rabbia divina si è espressa, proprio come quel cielo minaccioso. Inseguiti nella loro fuga da un'onda che si infrange, il re Gradlon e Saint Guénolé sembrano fuggire dal quadro, mentre la principessa Dahut lotta per la sua sopravvivenza. Con un susseguirsi di curve e colori caldi che suggeriscono azione, l'artista attira lo sguardo al centro della tela. Il cavallo del re si impenna sotto il peso dei peccati della bella Dahut, responsabile con la sua vita frivola della distruzione della bretone Atlantide. La condanna proviene dal monaco con l'aureola. Cosa invoca quel dito che indica il cielo? Sicuramente la voce di Dio che ordina al re di far annegare sua figlia.

Questa leggenda proviene dalla raccolta di canti popolari Le Barzaz-Breiz del folklorista La Villemarqué.

Nell'affrontare questa leggenda, Luminais è associato al movimento celtico della fine del XIX secolo. Il museo conserva anche il bozzetto preparatorio dell'opera, di dimensioni più modeste. Non ha la stessa forza evocativa di questo immenso dipinto, destinato al Salon. A Parigi, all'interno di una fitta esposizione, si distinguevano solo i grandi formati.

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Una delle donne più belle di Parigi è a Quimper! Marie-Thérèse de Cabarrus ha 23 anni. Ha appena sposato il conte Claude de Saint-Amand Matignon. Il colore bianco dell'abito (da ballo?) e della corona di fiori d'arancio simboleggiano la sua purezza e il bouquet di viole la sua modestia. La postura statica semiseduta contro il bracciolo del divano, la curva della spalla e la purezza del viso ricordano il disegno di Ingres (dal quale Chassériau si è formato). La sensualità dello sguardo e le labbra socchiuse testimoniano l'influenza di Delacroix. Nonostante la sua prematura scomparsa all'età di 37 anni, Chassériau è stato uno dei famosi ritrattisti del XIX secolo. Questo ritratto è stato lasciato in eredità al museo dalla stessa modella, come segno dell'attaccamento della coppia alla regione nella quale trascorrevano i momenti di villeggiatura.

Esposta al Salon del 1848, ecco la descrizione data dal letterato Théophile Gautier, amico del pittore: "La fanciulla vestita di un abito di seta bianco ghiaccio dai riflessi cangianti, il mantello ripiegato sul braccio, è in piedi appoggiata a un divanetto a ranuncolo trapuntato con bottoni; una mano fa dondolare un mazzo di violette di Parma, l'altra pende con nonchalance lungo il fianco […]; tra il viola della sua bocca dai denti di perla un sorriso esplode come un fulmine. "

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Ecco una donna in odore di santità. Immobile e silenziosa, Santa Elisabetta d'Ungheria, canonizzata nel XIII secolo, si staglia, pallida, su uno sfondo più scuro composto da linee sottili. Il bagliore dell'oro rosa la illumina. Intervento divino! I fiori sostituiscono i pani che distribuiva ai poveri contro il consiglio del marito.

Dopo aver studiato in Accademia, prima a Vienna e poi a Parigi, List fece amicizia con Gustave Klimt. Nel 1905 fondarono la Seconda Secessione viennese, che insorse contro un'arte sclerotica. La sua pittura si caratterizza poi per le sue figure femminili, ispirate alla poesia nordica, alla storia medievale e alla mitologia. Nel 1907 partecipò alla mostra del gruppo, per la quale dipinse un trittico dedicato a Santa Elisabetta da cui è tratto questo pannello.

Esposto a Vienna, il trittico venne subito disperso. Il museo conserva i due pannelli laterali. L'elemento centrale, orizzontale, è conservato in un'altra collezione.

List è stato ispirato dai pittori del primo Rinascimento con la sua scelta della tempera, una pittura legata all'uovo, una tecnica utilizzata nella creazione di icone e affreschi. A questo avvicinamento contribuisce anche l'uso dell'oro, come nelle opere dei senesi Bartolo di Fredi e Sano Di Pietro.

Espressione plastica della letteratura simbolista, questo dipinto vuole essere contrario alla realtà visibile e al naturalismo. Coltiva il gusto per il bizzarro e il mistero, facendo appello all'immaginazione. Gli artisti di questa corrente illustrano un ideale perduto, traendo ispirazione dal passato, mitologie, racconti e leggende.

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Non berrò mai la tua acqua. Questa piccola scultura a forma di bisaccia, modellata da Paul Gauguin nel 1887, non sembra avere una vocazione funzionale ma decorativa. L'artista aveva appena trascorso il suo primo soggiorno bretone a Pont-Aven nel 1886. Al suo ritorno a Parigi, mentre cercava di rinnovarsi e di sfruttare le sue creazioni, conobbe Ernest Chaplet, uno dei ceramisti più creativi del suo tempo. Viene iniziato alla sua tecnica. Gauguin vi proietta la sua eredità peruviana. Il pezzo presentato è una ceramica parzialmente smaltata con una decorazione a motivi di giovani bretoni in costumi tradizionali. Ci sono anche le oche, motivo ricorrente in Gauguin. L'ispirazione viene dai taccuini realizzati in Bretagna.

Più che la linea dell'oggetto, l'interesse dell'artista è nella materia e nella sua modellazione. All'arenaria marrone, Gauguin associa una vernice marrone rame parziale che ricorda le bisacce di cuoio dei pellegrini a Compostela. Si ritiene che abbia prodotto un centinaio di queste ceramiche, di cui pochissime sono pervenute a noi. Non c'è stato successo. Gauguin ha scritto a sua moglie: "Faccio sculture in ceramica, Schuffenecker dice che sono capolavori e che lo è anche il creatore, ma probabilmente sono troppo artistiche per essere vendute". Paul Gauguin è noto per i suoi dipinti, ma è anche scultore, incisore e ha saputo moltiplicare le proprie esperienze artistiche.

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Il fuoco scoppietta, il fumo si alza, macchie di colori complementari sono in movimento. Al centro di una veduta panoramica, un peschereccio è arenato con la bassa marea. Alcuni uomini fondono il catrame per rafforzare l'impermeabilità dello scafo. La cala si estende fino all'ingresso di Pont-Aven, dove a sinistra si vedono un mulino sul fiume e il campanile del paese. Il pittore, infatti, dilata la scena modificando la realtà. Per sviluppare un'area pianeggiante di vegetazione la collina diventa una massa a strapiombo. Maufra si unisce così alla scuola Pont-Aven attraverso l'estrema semplificazione delle forme e l'uso dell'anello scuro che le separa. Ma la sua arte è ibrida e originale: dell'Impressionismo conserva il tocco e l'interesse per i riflessi sull'acqua.

Nel 1888 Pont Aven fu teatro di importanti novità plastiche. Semplificazione radicale delle forme, uso di colori puri disposti su superfici pianeggianti, estranee alla percezione ordinaria, abbandono dell'inquadratura classica e della prospettiva, in maniera simile alle stampe giapponesi: tutto questo caratterizza la rivoluzione formale che è avvenuta in seguito e di cui ogni artista si è appropriato a suo modo. Il termine "sintetismo" definisce questo nuovo approccio che sostituisce all'osservazione la sua ricreazione da parte dell'immaginario. Questa liberazione dalla presa accademica, questo "diritto di osare qualsiasi cosa" sostenuto da Gauguin, portano la pittura in altri territori, in altri esperimenti.

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È un giorno di festa a Perros-Guirec! Maurice Denis osserva il trambusto del porto. Le barche sono fuori per le regate. I bambini giocano alla corsa delle anatre e scappano dalla tela, sulla destra. In primo piano, tre donne in costume: l'artista ha utilizzato superfici in nero per dar loro forma. Davanti a loro, l'albero maestro, trattato come un tronco d'albero, che attraversa la tela nella sua altezza. La sua decorazione sinuosa risponde agli arabeschi sulla superficie dell'acqua. Questi diversi elementi testimoniano l'influenza dell'arte delle stampe giapponesi nell'opera del pittore.

Denis fa parte del movimento artistico Nabi. Questa corrente vuole liberare la pittura dal realismo e trovare in essa un carattere spirituale e sacro.

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Nel cuore di un fitto bosco viene ritratta una scena strana: cosa ci fanno queste tre donne con gli sguardi impassibili? Sono impegnate in una curiosa cerimonia. Inginocchiato al centro, una di loro sembra fare un'offerta davanti a una fiamma ardente su una roccia. Potrebbe trattarsi di un altare di forme soprannaturali? Possiamo scorgere un animale addormentato serenamente. Il colore verde ocra gli permette di mimetizzarsi con il resto del sottobosco. Paul Sérusier applica qui i principi pittorici del sintetismo, ereditati dalla Scuola Pont-Aven e da Paul Gauguin. I tronchi ordinati non mostrano i loro rami, il che conferisce a questa foresta un aspetto sproporzionato. La prospettiva fu bandita, come nell'arte delle stampe giapponesi, la quale influenzò gli artisti occidentali.

Il movimento nabi, erede dei principi della Scuola Pont-Aven, si allontana dalla realtà semplificando le forme e riducendo la tavolozza dei colori. Per questi artisti "ogni opera d'arte è una trasposizione, una caricatura, l'equivalente appassionato di una sensazione ricevuta". Traendo ispirazione dalla foresta di Huelgoat, una regione selvaggia, anche l'arte di Sérusier fa parte del movimento simbolista: lì trova materiale per creare un'opera mistica e senza tempo.

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Conflagrazione crepuscolare... Cinque pini marittimi occupano l'intera altezza della tela. Sono il soggetto della composizione. Il resto è poco dettagliato, il terreno in primo piano è immerso nell'oscurità. Come nell'arte delle stampe giapponesi, le forme sono sintetiche, c'è l'essenziale. Nel suo Diario nel 1916, Vallotton si esprimeva così, volendo evocare l'emozione che il paesaggio gli dà attraverso "pochi tratti evocativi, uno o due particolari, scelti, senza superstizione di esattezza di tempi o di illuminazione".

Il rosso dei bauli si libera dal realismo come auspicato dall'estetica del gruppo Nabi di cui fa parte. Nato in Svizzera, è soprannominato “The Foreign Nabi”. Pittore, incisore, illustratore di riviste, è un artista completo.

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"Lasciate ogni speranza o voi che entrate". Questo è l'avvertimento datoci da questo calco in gesso di Rodin. I tre uomini sono, a guardarli, tutti nella stessa posizione abbattuta: schiena curva, a testa bassa, un braccio in avanti e una gamba piegata. Come mai? Con il braccio proteso verso il suolo, le ombre bianche sembrano risucchiate da una forza oscura sotterranea. E per una buona ragione, si uniscono ai dannati della Porta dell'Inferno. 

Parte di un lavoro molto più ambizioso, le sagome dominano la composizione.

La scultura è ispirata alla Divina Commedia di Dante. Dopo un lavoro di modellamento dell'argilla viene colato un gesso, i primi passi nella modellatura della scultura prima della fusione del bronzo.

Lo stato ha commissionato a Rodin La Porta dell'Inferno nel 1880 per accogliere i visitatori del Musée des Arts Décoratifs di Parigi, che il governo aveva intenzione di creare. Doveva riunire le sue sculture più famose come Il Pensatore o Il Bacio. L'opera non venne mai ultimata, tuttavia l'artista ne espose una versione in gesso in una mostra personale nel 1900.

Le Ombre sono entrate nella collezione del museo nel 1914, quando Rodin era ancora in vita. Dimenticate nelle riserve dei depositi dello Stato per molti anni, si sono deteriorate. L'inventario nazionale ha permesso di riscoprire il pezzo. Nel 2006 è stato intrapreso un restauro per l'opera: sono stati rifatte le braccia sinistre di due figure e il tutto è stato stabilizzato su un supporto ligneo.

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