Risulta difficile ricondurre il dipinto pesarese ad uno specifico prototipo baroccesco nonostante esso presenti evidenti analogie con due ritratti di giovane donna eseguiti da Barocci stesso. Il dipinto raffigurerebbe Maddalena Giron, duchessa di Ossuno e donna amata dal duca Francesco Maria II della Rovere durante la sua permanenza alla corte spagnola e prima del suo matrimonio con Lucrezia d´Este. Secondo tale ipotesi la tela dunque potrebbe essere stata commissionata dal duca stesso durante gli anni spagnoli o subito dopo il suo rientro in patria nel 1568.

Dalla collezione Mazza proviene un piccolo capolavoro di arte plastica di Alessandro Algardi, celebre scultore barocco di origine bolognese e di formazione romana. La poetica dell’artista si riconosce nei caratteristici panneggi, con le ampie superfici ondulate, che creano effetti di luminosità e morbidezza. Altra cifra stilistica è la torsione del busto allungato e agile, segno di un forte senso dei volumi e dello spazio. Alcuni dettagli, come la testa di leone nell’impugnatura della spada o la testa di medusa nella lorica, sono modellati con accuratezza; altri, come la cintura, sono appena accennati. La terracotta, infatti, non nasce come opera a sé, ma come modello preparatorio per la riproduzione di Attila nell’altare marmoreo della basilica di San Pietro, raffigurante l’Incontro di papa Leone I e Attila (1646-1653).

Nel diciannovesimo secolo il dipinto era considerato opera di Andrea Mantegna e nel 1894 Berenson lo attribuì provvisoriamente a Giovanni Bellini. L’attribuzione al giovane Vivarini è stata suggerita in modo indipendente ed è innegabile che il dipinto sia fortemente influenzato da Giovanni Bellini, le cui opere erano ancora segnate all’epoca dallo stile di Andrea Mantegna, suo cognato. Tuttavia, le forme più angolari, la tendenza dei volumi a contorcersi come verde legno nel fuoco, le pose e anche le espressioni dei visi delle figure sono comparabili ai primi dipinti di Alvise come ad esempio il polittico della Galleria Nazionale delle Marche, realizzato nel 1476.

Si ipotizza che l’opera si trovasse nella collezione Olivieri in pendant con la tela di identico formato e dimensioni del Berentz. Non è improbabile che nelle intenzioni di chi li acquistò lo scopo era proprio quello di esporre a riscontro le prove dei due pittori di grido nel genere. La realizzazione di quest'opera è stata verosimilmente collocata a ridosso della fine del soggiorno romano di Tamm, attorno al 1695. Alla lucidità ottica nell'illustrare le specie floreali il pittore associa l'inconfondibile maestria, da vero virtuoso del colore, negli accostamenti e nei passaggi cromatici. Il maestoso trofeo floreale ben esemplifica il fasto decorativo della stagione tardobarocca romana e conferma la fama di fiorante del Tamm che, assieme al conterraneo Berentz, può essere considerato l'erede della tradizione iconografica delle monumentali nature morte en plein air, inaugurata da Abraham Brueghel.

La natura morta è uno dei generi pittorici fra i più eseguiti e apprezzati soprattutto nel corso del Seicento e tra i più presenti nelle raccolte private. L'opera di Berentz, esponente della scuola romana di fine Seicento, segue la tipologia della natura morta barocca. Fiori, frutta e ortaggi, oggetti d'arredo - in questo caso alcuni raffinatissimi cristalli e vassoi metallici - ed elementi architettonici classicheggianti, creano una composizione estremamente ricca ed elegante. Sono evidenti la ricerca della molteplicità dei colori, la combinazione delle forme e delle linee, lo studio di elaborati giochi luminosi sulle superfici, che dimostrano la sua grande attenzione alla purezza estetica e alla perfezione decorativa.

Il dipinto appartiene alla produzione estrema della vita di Elisabetta Sirani, morta ventisettenne il 29 agosto 1665. Reca infatti sul bordo della scollatura della veste della Vergine la dicitura "Elisa Sirani 1664". Preceduta da un disegno oggi al Louvre, privo della figura del San Giovannino e con qualche altra variante, l´opera accoglie quel tenue rinnovamento che contrassegnò gli ultimi anni di lavoro della Sirani, rinvigorendo i contrasti chiaroscurali e segnando così in senso barocco il suo soave equilibrio di discendenza paterna e reniana. Una copia è conservata alla Pinacoteca Civica di Rimini.

Dopo un periodo di stallo, intorno al 1540, la maiolica pesarese torna agli antichi splendori. Il trasferimento della corte dei Della Rovere da Urbino a Pesaro, nel 1538, contribuisce ad alimentare un rinnovamento urbanistico e artistico e così la rappresentazione di ‘storie’ approda a Pesaro, dove viene eseguita soprattutto nelle botteghe di Girolamo e Giacomo Lanfranco Dalle Gabicce. Datata al 1541, la coppa è uno dei primi esempi di istoriato pesarese. La scena, dipinta con acceso cromatismo, denota una mano quasi infantile. I personaggi sono definiti in modo essenziale e animati da un intenso dinamismo. Nella coppa compaiono anche gli elementi che diventeranno costanti nell’istoriato pesarese, come gli edifici approssimativi in lontananza, e soprattutto l’inserimento dell’evento mitologico in un paesaggio naturalistico, che viene dunque preferito all’ambientazione di tipo architettonico.

La maestosa pala eseguita intorno al 1475 è uno dei capolavori indiscussi del Rinascimento. Dipinta per la chiesa pesarese di San Francesco, viene realizzata a Venezia e, sin dal suo arrivo a Pesaro, diviene subito oggetto di devozione da parte dei fedeli. La tavola raffigura la Vergine in trono, mentre viene incoronata da Gesù assistito dai santi Pietro e Paolo a sinistra, Gerolamo e Francesco a destra; alle spalle una finestra lascia intravedere una realistica immagine di paesaggio, con una rocca, un vero e proprio quadro nel quadro. Incorniciata da pilastrini con due file di santi, la scena centrale suggerisce una immobilità eterna, mentre il racconto diventa dinamico e quasi teatrale della predella in basso, con le vivacissime storie agiografiche. L’opera viene portata a Parigi dalle truppe napoleoniche nel 1797 come bottino di guerra e poi restituita al governo pontificio grazie alla mediazione di Antonio Canova. Smembrata e rimandata a Pesaro via mare, viene privata del pannello in alto raffigurante l’imbalsamazione di Cristo, trattenuto per la collezione della neo-istituita Pinacoteca Vaticana.

Grande dipinto del 1637, in cui la compostezza figurativa tipica dell’artista lascia il posto ad una composizione dai movimenti vigorosi e dai tratti violenti, destinata a rievocare il mitico scontro fra i giganti figli della terra e le divinità dell’Olimpo. Colpiti dall’ira di Zeus, i giganti cadono travolti da massi enormi. La scena è impostata secondo una prospettiva ardita che fa pensare alla decorazione di un soffitto, probabilmente in una residenza privata. L’opera è giunta a Pesaro con la collezione bolognese degli Hercolani acquisita dai musei grazie all’eredità di Gioachino Rossini Più degli altri grandi pittori bolognesi del seicento, Guido Reni rappresenta un modello fondamentale per la cultura figurativa pesarese di quel periodo. Un’influenza determinante per gli artisti locali, tra cui il giovane Simone Cantarini.

La scultura raffigurante un putto alato giacente è un raffinato esemplare che richiama analoghi modelli dell´Algardi; proviene dalla collezione della marchesa Vittoria Toschi Mosca di Pesaro. Relativamente all´acquisizione del pezzo da parte dei Musei Civici di Pesaro si è scelto di indicare genericamente come terminus post quem l´anno di morte della marchesa (1885), anche se si segnala che fin dal 1877 l´illustre cittadina stilò un testamento in cui lasciava alla città il Palazzo Mazzolari da lei acquistato per collocarvi la propria collezione artistica con l´obbligo espresso di stabilirvi subito un pubblico museo rivolto alla studiosa gioventù.

Realizzata per l’altare della Chiesa della Santissima Trinità dell’Ospedale nel 1759, l’opera è pensata per i fedeli sofferenti e presenta un’elaborata impostazione devozionale in cui, oltre alla Trinità, trovano spazio il tema della deposizione e quello della cacciata di Adamo ed Eva. L’abate Lazzarini è uno dei più interessanti esponenti della cultura pesarese nel settecento: pittore, architetto, teorico dell’arte, critico, poeta e teologo, incarna in maniera esemplare la figura dell’erudito. Era amico e collaboratore degli studiosi Giovan Battista Passeri e Annibale degli Abbati Olivieri, e con essi esponente del classicismo accademico che caratterizza la produzione culturale del periodo.

Il trittico raffigura la Madonna con il Bambino in trono tra due angeli e il Redentore benedicente, tra i Santi Michele Arcangelo e Francesco e nella predella, San Girolamo, Sant´Antonio da Padova, San Giovanni Battista, la Flagellazione di Cristo, San Giovanni Evangelista, San Ludovico da Tolosa e Santa Chiara. Si è tentato di identificare il santo francescano della predella con il Beato Sante da Mombaroccio, sembra però preferibile la tradizionale identificazione con Sant´Antonio da Padova, come indicano la fiamma ardente e l´iscrizione riportata sul libro aperto. Il dipinto era conservato ab antiquo in San Giovanni Battista degli Zoccolanti a Pesaro. La presenza di San Francesco e di tre santi francescani nella predella indica però che la sua originaria collocazione doveva essere una chiesa dei frati minori. L´opera è un manifesto della situazione artistica fiorentina contemporanea e la tendenza neogiottesca traspare nel rigore arcaizzante. D´altra parte numerosi elementi mostrano che Mariotto non ha dimenticato lo sperimentalismo tardogotico e nelle figure monumentali, avvolte in ampi panneggi, la linea di contorno si arrovella in serpentine sempre più involute, come nel manto della Madonna o in quello di San Michele.

I grandi piatti "da pompa", cioè d´uso esclusivamente ornamentale da appendersi alle pareti o da mostrare nelle credenze, sono una delle espressioni più ricercate della maiolica italiana e rappresentano indubbiamente uno dei segni evidenti della cultura rinascimentale. Il soggetto raffigurato, una bella donna si ispira alla pittura umbra dell´epoca e in particolare a quella del Pinturicchio, che esercitò un indubbio influsso sulla ceramica derutese. L´aggettivo "bella donna" che accompagna il nome della persona cui è indirizzata l´offerta ricorre frequentemente nelle maioliche a soggetto amoroso sia derutesi che degli altri centri dove questo genere si diffuse, talvolta con l´espressione di altre qualità che corrispondono all´ideale femminile rinascimentale.

Il bacile reca al centro lo stemma della famiglia Veterani di Urbino, sorretto da due putti alati; la restante superficie è occupata da una fitta decorazione "a raffaellesche" con figure e animali fantastici, cammei e mascheroni. Questa tipologia decorativa deriva dalle pitture parietali dei palazzi dell´antica Roma, soprattutto della Domus Aurea, i cui ambienti ipogei sembravano grotte ai visitatori rinascimentali e motivarono il termine "grottesche" per definire questo campionario decorativo. Gli esiti più fortunati furono conseguiti da Raffaello e la sua cerchia nelle dimore farnesiane e nelle Logge Vaticane, da cui il termine "raffaellesche" per designare le "grottesche" su fondo bianco. A partire dal 1560 le "raffaellesche" conquistarono anche il vasellame in maiolica, soprattutto di ambito urbinate, dove primeggiò la bottega di Orazio Fontana con la produzione di superbi servizi, tappezzati da un ricco e raffinato universo di creature bizzarre e riferimenti all´antico.

Non certo poche sono le ceramiche realizzate da Ferruccio Mengaroni, ma è sicuramente la Medusa quella più celebre e affascinante. La grande maiolica, il cui diametro supera abbondantemente i due metri, oggi trova posto lungo la scalinata che conduce ai Musei Civici di Pesaro. Se ne sta lì, di profilo, come per un’imboscata, quasi di proposito volesse mandarci il cuore a sbattere contro il gozzo. E insomma, sarà per la maestria adoperata da Ferruccio Mengaroni che pare rendere la Medusa cosa viva, per il soggetto rappresentato in sé, o forse per la storia incredibile dell’opera: fatto sta che basta uno sguardo per sentire una serie di brividi sulla schiena, per avere la sensazione che un piccolo insetto abbia scambiato la nostra spina dorsale per il suo parco giochi e si stia divertendo un mondo a percorrerla, prima avanti e poi indietro. A ripetizione.