“Ho sentito l'esigenza di raccontare - al di là del semplice lato estetico, di cui comprendo comunque l'importanza - le risorse e la forza che si sprigionano nelle persone che si trovano a dover affrontare momenti di fragilità.

Le Danze in cerchio si rivolgono a chiunque desideri percorrere un cammino di consapevolezza interiore e beneficiare dell’armonia di gruppo che si genera: i passi e i movimenti che disegnano forme geometriche nello spazio ci collegano al Cosmo, alle forze della Vita, all’Energia Divina che sostiene tutta la Creazione. Danzare in cerchio ci rigenera nel corpo e nell’animo, permettendo alla nostra mente e alle nostre emozioni di allinearsi e trovare un equilibrio.

Attraverso la Danza in Cerchio celebriamo tutti gli aspetti della nostra vita e siamo incoraggiati a realizzare un’atmosfera di fiducia reciproca e di creatività.

Io indago la luce nel cuore.”

Mori Andrea nasce a Sondrio nel 1977, vive a La Valascia (SO) e lavora nei boschi in cui cammina. Si diploma all’Accademia di Belle Arti di Brera, con una tesi dedicata al tema del camminare, e successivamente si specializza in Arteterapia con un elaborato finale sulla cultura popolare, le leggende e i sentieri della Valmalenco (SO).Negli anni ha sviluppato la propria ricerca artistica – incentrata sulla creazione di installazioni site-specific – affrontando tematiche quali il viaggio a piedi, l’osservazione e lo studio del territorio in tutte le sue forme. Fra gli ultimi cammini: 15 giorni a La Palma (Spagna), 7 giorni sulla costa della Sardegna, 10 giorni sui monti d'Abruzzo. Fra le mostre: “L’Albero della Memoria”, Festival del cammino lento, Feltre, 2019 – “Patriarchi Arborei”, Galleria Credito Valtellinese e MVSA, Sondrio, 2017 – “INN-EN”, Styleconception, Innsbruck, 2016.

https://terraestorie.it/

“Da qualche parte ho letto sorridi, confonde le persone!

Un sorriso può essere spontaneo o forzato. Può essere costruito con strati di esercizi.

Può essere un gesto di coraggio, un atto sovversivo quando nessuno si aspetta tu possa farlo.

Sorridere è l’espressione di una volontà: uno stare bene che può cambiarci e può cambiare la nostra percezione del mondo.

Non cambia la situazione, ma sparge una luce dorata su tutto.

Un sorriso è capace di avvicinare le persone anche se non si conoscono.

Il sorriso è contagioso.

Sorridi.”

Anna Giuntini nasce nel 1980 a Salutio, in provincia di Arezzo e ama definirsi, in poche parole, visual artist, mamma orgogliosa, musica-dipendente e collezionista di ricordi. Ha sempre coltivato un proprio modo di vedere le cose e l’interesse nella ricerca sui mezzi espressivi. Ha studiato prima “Arte della Moda e del Costume Teatrale” poi illustrazione e fotografia allo IED.

Da qui affronta la postproduzione fotografica; vive la transizione tra fotografia analogica e digitale collaborando con Giovanni Gastel. La sua produzione artistica assomma tutte queste esperienze in un mix di analogico e digitale, con l’intento di rendere unico, mediante un intervento artigianale, ciò che è nato replicabile in serie. Il linguaggio espressivo è fondamentalmente figurativo, ma con un forte carattere evocativo e suggestivo dato dai diversi materiali utilizzati. La fotografia, il collage, la carta e gli inchiostri sono i mezzi più ricorrenti del suo indagare ricordi, luoghi, tempi ed emozioni. L’oro, poi, ha da sempre una presenza rilevante nei suoi lavori.

https://www.annagiuntini.com/

“Il soggetto dell'opera è una foglia vera, fissata su carta, che si può osservare solo attraverso una sorta di oblò realizzato con giochi di trasparenze, per porre l’attenzione su un dettaglio della nervatura della foglia più che sulla forma intera che si è soliti notare maggiormente.

È una metafora della sequenza di eventi che plasmano tutti noi in ciò che siamo; quando, con le ultime forze, quelle più resistenti, ci mostriamo più fragili ma unici nella nostra soggettività e sveliamo tutta la nostra bellezza.”

Annalisa Di Meo, nata a Brescia nel 1977, inizia la formazione artistica presso il Liceo Artistico “M. Olivieri” di Sarezzo (BS), dove si diploma nel 1995 a pieni voti. Successivamente si iscrive al Politecnico di Milano dove si laurea in Architettura nel 2003; durante gli studi universitari consegue inoltre la qualifica di Operatore grafico pubblicitario.

La sua ricerca si connota come un’indagine intorno alle potenzialità della materia, oggetto di assidua sperimentazione, nella definizione di raffinati equilibrismi formali e cromatici, in cui le forme della natura vengono recuperate in chiave metaforica, per suggerire la poesia insita nelle cose apparentemente più semplici e ordinarie.

Dal 2006 partecipa a mostre e concorsi in Italia e all'estero.

https://annalisadimeo.com/

“È impossibile capire quello che sta passando una persona colpita dal cancro: oltre ad accettare la trasformazione subita dal suo corpo, deve ricostruire fiducia in sé e autostima per cercare un nuovo inserimento nella società.

Ritorno alla normalità: facile a dirsi, ma molto complesso e faticoso quando si abbia subito un tale trauma.

Col mio lavoro, cerco di rappresentare il mio punto di vista, omaggiando tutte le persone che faticosamente stanno effettuando questo percorso e incoraggiandole a trovare un equilibrio nuovo: rigenerarsi dopo la malattia e rinascere come da un campo di battaglia.

Il colore a piccole macchie sul volto non è solo trucco: è un inizio, un passo verso la nuova vita.”

Armando Tinnirello si esprime con pittura, fotografia e multimedia. 

Nella fotografia si ispira alla Natura, al mito delle metamorfosi e allo sciamanesimo, creando maschere tribali. Nella pittura si ispira alla filosofia di Eraclito, al mito del fuoco primordiale. 

Ha partecipato a decine di mostre collettive da New York City a Art Basel Miami fino al Louvre, e realizzato numerose esposizioni personali.

https://armandotinnirello.wixsite.com/tinnirello

ICONA : sostantivo femminile; nel linguaggio dei semiologi, messaggio affidato all’immagine.

Quest'opera, come l’Icona, vuole riflettere sull’importanza della propria immagine.

Il contorno del viso è aperto, come aperta è l’identità di chi affronta un percorso di ricostruzione del proprio Sé.

L’oro del fondo da cui emergono i tratti del volto rappresenta la parte più sacra e spirituale dell’individuo, il ponte tra mente e corpo.

I colori freschi, quasi ingenui sono un omaggio alla giocosità del trucco. Riportano ad una dimensione ludica che, come nell’infanzia, apre alla sperimentazione in un campo condiviso ma profondamente personale, al di là di canoni imposti.

Francesca Veneri vive e lavora a Verona, dove è nata nel 1964. Dopo la formazione all’Istituto Marangoni di Milano, frequenta l’Accademia del Superfluo di Roma e l’Accademia di Belle Arti Cignaroli di Verona, dove segue i corsi liberi di anatomia artistica, disegno, affresco, pittura a olio e acquerello per oltre quindici anni portando avanti in parallelo la sua attività professionale nei vari ambiti artistici.

Il suo spirito creativo e curioso si esprime da anni attraverso varie forme artistiche: design di moda, decorazione d’interni, realizzazione di trompe l’oeil ed affreschi, pittura. Ha partecipato alla realizzazione delle scenografie e dei costumi di cortometraggi, ed è docente di pittura ed espressione artistica alla Libera Università della Valpolicella-Verona. Contemporaneamente, dal 2015 è stata nominata socia dell’ Accademia di belle arti G.B Cignaroli e assieme ad altri soci organizza e gestisce i corsi liberi.

https://francescaveneri.webflow.io/

“Una figura indefinita e fugace transita in uno spazio occupato da solidi e giganti sguardi: i volti di un uomo e una donna, davvero vecchi, pur separati nell’immagine, si sintonizzano nell’espressione. Dalle rughe che ne incidono la pelle del viso si sprigiona l’energia potente di un sorriso largo, gentile, che arriva dritto dritto a scuotere il desiderio ignorato e sepolto di speranza che coviamo nel cuore…”

Gigi Tramezzani è nato a Saronno nel 1956. Si dedica, oltre alla propria attività imprenditoriale, alla vita comunitaria cittadina collaborando con diverse associazioni in campo educativo.

Si avvicina molto presto al mondo dell'arte, esprimendosi soprattutto con la fotografia, per la quale ha ricevuto diversi riconoscimenti; ha esposto le sue opere a Milano, a Forlì e a Bari.

gigi@tramezzani.com

“L’opera Luci nel buio è nata per raccontare la possibile bellezza celata in situazioni di sofferenza e di disagio fisico ed emotivo. Piccole ellissi di luce affiorano dalle infrastrutture nere erette a difesa del proprio io e nelle notti tenebrose.”

Giulia Nelli è nata nel 1992 a Legnano, dove vive e lavora. Dopo gli studi all'Accademia di Brera, unisce formazione ed esperienze in settori quali il design, l'uso della tecnologia nell'allestimento espositivo, competenze curatoriali, corsi d'arte per bambini. Partecipa a numerosi premi artistici, con frequenti riconoscimenti, ed espone in frequenti mostre personali e collettive. 

Il suo percorso creativo e artistico è caratterizzato dalla ricerca delle potenzialità multisensoriali di colori e materiali, per intensificare la capacità comunicativa e l’esperienza d’uso degli oggetti.

https://nelligiulia.com/

“Le mie creazioni in ceramica hanno molte caratteristiche in comune con il seno materno: entrambi esprimono la vita, la forza e la rinascita.

La ceramica è un materiale forte e stabile, capace di resistere alle sollecitazioni del tempo, proprio come il seno materno, ma al tempo stesso fragile.

Il Kintsugi è un’antica arte giapponese che consiste nel restaurare con una pasta d’oro oggetti in ceramica fratturati: questo nobile gesto - spesso definito come l’arte della guarigione - non solo restituisce alla ceramica  il suo valore, ma la rende anzi unica e preziosa. 

Questa tecnica rappresenta una profonda metafora della vita: le ferite e le cicatrici che portiamo sono parte di noi e sono simboli di lotta, tenacia e vittoria. Il Kintsugi ci insegna ad andare oltre le apparenze e ad apprezzare il valore inestimabile dell’imperfezione.”

Nato nel ’76 a Milano, Johnny Pixel, all'anagrafe Johnny Papagni, inizia la sua ricerca artistica alla metà degli anni ’90.

Dopo una prima incursione nella pittura, sperimenta le potenzialità della materia scegliendo cere e leghe metalliche. Queste prime esperienze vengono sublimate nel disegno a china, dove un apparente caos cela, invece, tracce e indizi del suo vissuto e del suo futuro artistico.

Nel 2010, luci e ombre diventano la materia prima della sua ricerca: nascono così le “Trasposizioni Fotografiche”. 

Le incursioni nel quotidiano danno vita invece alla serie “Instants from The World”, dove l’artista cattura immagini appartenenti al mondo che lo circonda, e che in qualche modo lo hanno profondamente contaminato, per poi rappresentarle rielaborate tramite il suo personale punto di vista.

Attualmente sperimenta nuove forme espressive attraverso la modellazione della ceramica in oggetti ispirati alla natura e pensati per molteplici usi.

https://www.tuttetettedesign.it/

“Superare il proprio record e andare avanti verso l'obiettivo: questo è nella mente dell'atleta che prepara la sua gara. Coraggio, bellezza di donna, forza d'animo sono le armi nella battaglia per affrontare a testa alta le sfide che ha davanti a sé. Un giorno questa donna si volterà con un sorriso e gli occhi brillanti, pensando al suo passato.”

Nato nel 1970 in Giappone, dopo la laurea presso la Musashino Art University di Tokyo, Kazuto Takegami svolge il lavoro di professore d’arte per alcuni anni. Decide in quel periodo di dedicare la sua vita alla pittura. Arriva in Italia nel 1998 con una borsa di studio presso l’Accademia di Belle Arti di Brera di Milano, città dove attualmente vive e lavora. Alle pitture ad olio affianca le inconfondibili chine su carta, in un discorso poetico tra l’uomo e gli elementi della natura. Dal 2020 è socio della Permanente di Milano.

http://www.kazutotakegami.com/

“Il mare è per me l’esemplificazione della forza e della quiete, della serenità e della tensione. Al di là delle dicotomie, stare davanti al mare mi dà la sensazione di avere di fronte tutte le possibilità della mia vita.”

Luca Conca nasce a Gravedona (CO) nel 1974. Frequenta l’Accademia di Belle Arti di Brera dove si diploma in Pittura nel 1998. Vive e lavora a Morbegno (SO). 

Principali mostre personali: 2004 Personaggi e paesaggi - a cura di Alessandro Riva, Galleria Antonia Jannone, Milano; 2005 Luca Conca - a cura di Michele Tavola, con un testo di Andrea Vitali, Villa Sirtori, Olginate (LC); 2007 Doppio sguardo - a cura di Rino Bertini, con testi di Marco Vallora e Armando Massarenti, Galleria Credito Valtellinese, Palazzo Sertoli, Sondrio; 2010 L’ombra bianca della montagna - a cura di Fernando Gianesini, con un testo di Elisabetta Sem, TECA, Chiesa Valmalenco (SO); 2016 Il velo dipinto, a cura di Elisabetta Sem, Galleria Manifiesto Blanco, Milano; 2018 Il lungo addio - a cura di Marcello Abbiati, Galleria Manifiesto Blanco , Milano. Nel corso degli anni partecipa a numerose mostre collettive.

https://www.lucaconca.com/

“Quest’opera, accompagnata dal testo Istruzioni per un altro giorno, vuole raccontare il percorso catartico di un’anima in continuo movimento che gioca con l’energia dei colori alla ricerca di un domani migliore. L’esplosione vibrante che sembra voler fuoriuscire dalla tela rappresenta la volontà di indossare un nuovo sorriso e sentirsi belle, nonostante le difficoltà della vita, e di compiere un passo avanti, fluttuando con leggerezza tra le onde di un mare amico.

Il quadro è dedicato a tutte le donne che, come me, hanno affrontato o stanno affrontando un momento difficile senza mai perdere la fiducia in se stesse e la voglia di vivere un domani pieno di colori.”

Manuela Manes è nata in provincia di Pordenone e vive a Milano. Laureata in Giurisprudenza, lavora nel settore della comunicazione, ma espande la propria prospettiva in un percorso che la porta a studiare e a dipingere, in un cammino interiore che indaga ed esplora la sua anima a colori. Dipinge soprattutto soggetti astratti e concettuali, utilizzando olio, acrilico, sabbie, carte e smalti.

Affascinata dai colori e dalla materia, ha come riferimento i grandi maestri, da Pollock a Burri, ma soprattutto ripropone con la sua arte i luoghi che ha vissuto e i colori che ha incontrato, in un divenire perpetuo.

https://www.manuelamanes.com/

“Una ragazza tiene tra le splendide mani aggraziate un vaso di bucaneve: questa piantina rappresenta la vita e la speranza; delicati e fragili, questi fiori non si fanno abbattere dal freddo e dalla neve, ma fioriscono proprio nel cuore dell'inverno. 

Le donne-bucaneve: delicate, spesso molto fragili, ma capaci di trovare in se stesse le risorse per affrontare l'inverno della loro vita e tornare a fiorire.”

Maurizio Cariati nasce a Cosenza nel 1983. Compie gli studi presso l’Istituto d’arte di Castrovillari, con specializzazione nel settore metalli. Successivamente decide di frequentare l’Accademia di Belle Arti di Catanzaro indirizzo Pittura. Consegue il diploma di II livello in Arte Visive, presso l’Accademia di Brera.

All’età di 22 anni, vince il Premio Celeste nella categoria studenti. Ha inizio la sua carriera artistica: moltissime le esposizioni personali e collettive, in Italia e all’estero, e le collaborazioni. Nel 2011 viene invitato alla 54^ esposizione internazionale d’Arte della Biennale di Venezia nella regione Calabria, nella prestigiosa cornice di Villa Genoese Zerbi di Reggio Calabria. Le sue opere sono presenti in numerose collezioni private e sono state pubblicate in riviste di settore e arredamento. Attualmente Maurizio Cariati vive e lavora tra Sartano (CS) e Milano.

https://www.instagram.com/mauriziocariati/?hl=it

“Eventi estranei alla nostra volontà arrivano all'improvviso: sono tutti eventi naturali, anche quelli di natura maligna.

È in questi frangenti che ci ricordiamo di far parte della natura, e che – come l'albero – possiamo trovare la forza di non crollare.

Si ingaggia una disputa tra il proprio sé e i mutamenti del corpo: ricerchiamo nelle nostre radici originarie la conferma che si può - nonostante tutto - rimanere fedeli al proprio originale.”

Mercedes Cuman vive a lavora a Milano. Si diploma in Scenografia presso l'Accademia di Belle Arti di Brera. Dal 2013 è docente di Arte e Immagine.

Nel 1978 viene pubblicato dall’editore Mazzotta “Ci vediamo il mercoledì, gli altri giorni ci immaginiamo”, libro che raccoglie foto e scritti dei lavori del gruppo di artiste femministe, di cui era attiva protagonista.

Negli anni ’80, inizia la sua attività come illustratrice collaborando con lo studio Alchimia. L’illustrazione rimarrà per tutti gli anni ‘90 la sua principale attività.

Dal 2004, inizia l’attività artistica su tematiche sociali, in particolare sui recenti tragici eventi, come guerre e migrazioni, esponendo in rassegne dedicate ai libri d'artista e alla fotografia italiana, in mostre personali e collettive.

https://mercedescuman.jimdofree.com/

“Io dipingo, fisso sulla tela un'emozione; poi distruggo: è attraverso questo processo di trasformazione che accade qualcosa, un atto di autoguarigione, un vero esercizio per allenare la mente attraverso un'azione fisica dove il nostro sguardo accompagna le dita delle mani, un'azione che non permette più di tornare indietro.

Questa elaborazione nasce dalla necessità di raggiungere uno stato di leggerezza che consenta di vedere oltre ciò che ci appare, di superare, di immaginare. Ci vuole coraggio per iniziare, come ci vuole coraggio nell'atto stesso di strappare.

Lo strappo è un silenzioso atto di protesta; ha un significato metaforico: dare un taglio con un movimento  deciso, veloce, preciso, dettato non solo dall'istinto, ma anche dalla volontà di non avere rimpianti verso il passato.

Dopo il primo gesto di rottura, si innesca un processo meditativo che si ripete come un rituale, come   un mandala tibetano, che ci ricorda l'impermanenza delle cose: non esiste una fine senza un inizio, e non esiste un inizio senza una fine.”

Di origine bielorussa, Mila Frueh si è avvicinata alla pittura da adolescente frequentando l'Accademia di Belle Arti. Con una formazione successiva nel campo della moda, ha lavorato come stilista per diversi anni nel suo paese natale, aprendo anche un suo Atelier. Di adozione svizzera da più di vent'anni, si è dedicata ad una personale ricerca, unendo alla capacità artigianale un intenso lavoro di disegno e pittura.Il suo un approccio interdiscipalre si rivela nel processo di creazione stesso dell'opera e nel suo pensiero poetico, nel modo quasi scientifico con cui scompone e ricompone le sue tele: ogni strappo è concepito con logica rigorosa e acquista un significato preciso.

https://www.instagram.com/yudmilafrueh

“Questo è uno specchio, è una lampada, è uno scrigno dove custodire un'immagine cara; è un'amica che ti dice che sei splendente: mentre ti guardi allo specchio (piccolo e intimo, che lascia spazio solo per te), scegli la tonalità di luce che più ti dona cambiando il vetrino... e, se ne hai bisogno, apri lo scrigno e guarda l'immagine che vi è racchiusa... un luogo, una persona o anche un tuo ritratto.” 

Ugo Ambroggio nasce a Como il 6 marzo del 1963. Nel 1988 abbandona gli studi universitari e comincia a lavorare come fotografo concentrando la sua ricerca personale nella fotografia d’architettura. Nel 1990 dà vita allo Studio fotografico Aleph in Como nel quale opera tuttora. In questo campo collabora ad una serie di progetti artistici sul territorio lombardo e pubblica le sue foto in diversi libri e riviste.

Nella sua attività di designer, Ugo Ambroggio collabora da anni con Baxter creando complementi di arredo e pezzi unici di lampade che sono sempre stati esposti con questo marchio al Salone del Mobile di Milano.

La maggior parte dei pezzi creati da Ambroggio sono il frutto di trasformazioni e reinvenzioni di oggetti e strumenti che sono serviti al lavoro industriale e artigiano, o ancora utensili e attrezzi quotidianamente utilizzati nel passato, cui viene data una nuova forma e una “seconda possibilità”, senza cancellarne la memoria d’origine. E così, bottiglie, tubi in fibra di vetro una volta usati nelle industrie tessili, ingranaggi meccanici, pedali di biciclette, tastiere, macchine da scrivere sono ingredienti base che si fondono nell’alchimia di Ugo Ambroggio, dando vita alle sue creazioni.

https://www.instagram.com/ugo.ambroggio