L’opera fa parte una di serie di quattordici ottagoni con storie tratte dalle Metaformosi di Ovidio dipinte da Jacopo Robusti detto Tintoretto (1518-1594) per il banchiere veneziano Vettore Pisani nel 1541, destinate a decorare il soffitto della sua camera da letto nel Palazzo Pisani di San Paterniano. Nel 1658 gli eredi Pisani vendettero la serie al duca Francesco I d’Este, che la fece inserire nel soffitto ligneo della seconda camera da parata del Palazzo Ducale di Modena. Gli ottagoni una delle prime grandi prove del giovane Robusti. Le restanti tavole rappresentano le storie di Giove ed Europa, Mercurio addormenta Argo, Priapo e Lotide, Semele incenerita da Giove, Deucalione e Pirra, La corsa di Ippomene, La strage dei figli di Niobe, Vulcano, Minerva e Amore, Apollo e Dafne, La dea Latona, Orfeo implora Plutone, Piramo e Tisbe, Il Giudizio di Mida.

Il ritratto fu commissionato da Francesco I d’Este in occasione di una visita di Stato in Spagna, intrapresa nell’estate del 1638, grazie alla quale sperava di stringere un’alleanza significativa con il re Filippo IV. Durante questo soggiorno il giovane duca decise di farsi effigiare da Diego Velázquez (1599-1660), pittore ufficiale di corte nonché uno degli artisti più acclamati del suo tempo. Il ritratto, oltre ad essere realizzato da un punto di vista ravvicinato, presenta un taglio a tre quarti, in modo tale da conferire una sensazione di immediatezza e prossimità, quasi intimità. L’accurato senso di introspezione del pittore riesce a catturare l’essenza del giovane Duca conferendo al ritratto una patina di informale regalità, non scevra da un accenno di ambizione e desiderio di prestigio.

Il busto che Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) realizza per Francesco I d’Este arriva dodici anni dopo il ritratto a olio di Velazquez. Se nel primo caso viene immortalata la transizione del giovane monarca verso la maturità, il busto-ritratto realizzato da Bernini è un tipico esempio di state portrait, atto a catturare ed eternizzare la magnificenza del sovrano. Francesco I d’Este non a caso si era impegnato a rendere le corti di Modena e Sassuolo, tramite un cospicuo programma di mecenatismo, due corti europee a pieno a titolo, che in termini di fasto, lusso e sofisticatezza sarebbero state in dialogo con le corti delle maggiori capitale europee del tempo.

Il busto fu realizzato da Prospero Sogari Spani detto il Clemente (Reggio Emilia, 1516-1584), su commissione del duca Ercole II d’Este (1508-1559) il quale, dietro suggerimento del fratello cardinale Ippolito, aveva scelto come proprio emblema la raffigurazione della Pazienza, cui aveva dedicato un “camerino” nel Castello Estense di Ferrara, ornato a sua volta da un dipinto di Camillo Filippi con la medesima allegoria e anche da questo busto. Degna di nota è la corazza istoriata che rappresenta appunto la Pazienza come una donna legata in attesa di liberarsi grazie alle gocce d’acqua che cadono da una brocca sulla catena cui è legata. Il profilo elegante e delicato dell’effigiato, così come l’abbondanza di dettagli e di preziosismi che ricoprono non solo il busto ma anche la base, sono un esempio di quel linguaggio sofisticato che caratterizza il manierismo emiliano, che vedeva esponenti di spicco in personalità quali Parmigianino (1503-1540), Girolamo Mazzola Bedoli (1500-1569), Lelio Orsi (1511-1587), Nicolò dell’Abate (1512-1571) e Francesco Primaticcio (1504-1570).

Questo violoncello fu realizzato per Francesco II d’Este (1660-1694) da Domenico Galli (1649 – 1697), intagliatore, decoratore, calligrafo e musicista, assieme a un liutaio anonimo. L’opera stessa è una testimonianza della cultura eclettica ed onnivora, barocca, che contraddistinse l’Europa del XVII secolo: fu realizzata infatti con un’ampia varietà di materiali, quali legno d’acero, abete, giuggiolo ed ebano finemente intagliati e intarsiati, ma vi sono anche inserti in tartaruga, vetro e ceramica. L’opera è una splendida sintesi di due tipologie differenti che nel corso dei secoli hanno contraddistinto la produzione artistica e l’alto artigianato in area padana, ovvero la liuteria la tarsia lignea. Al contempo è una preziosa testimonianza dell’importanza che riveste la musica all’interno della corte estense, anche dopo il trasferimento della sede ducale da Ferrara a Modena.

Lo Spinario della Galleria Estense è uno degli esempi più noti di una tipologia scultorea raffigurante un giovinetto seduto su di una roccia intento a togliersi una spina dalla pianta del piede sinistro. Derivato da modelli ellenistici, il soggetto godette di un’immensa fortuna nel corso del Rinascimento, soprattutto a partire dalla donazione dei bronzi lateranensi da parte di Sisto IV (141-1484) nel 1471, quando lo Spinario in bronzo attualmente conservato presso i Musei Capitolini divenne una delle opere più studiate e apprezzate della cultura antiquaria del tempo. L’opera entrò a far parte delle collezioni estensi tramite il cardinale Ippolito II d’Este (1509-1572). Alla morte del cardinale figura negli inventari del duca Alfonso II (1533-1597) e nel tardo Cinquecento si ricorda il restauro commissionato dal duca Cesare d’Este (1562-1628) allo scultore ferrarese Francesco Casella.

L’ovale fu realizzato da Annibale Carracci (1560-1609) per una serie a cui lavorarono anche il fratello Agostino (1557-1602) e il cugino Ludovico (1555-1619) per la biblioteca privata di Cesare d’Este presso il Palazzo dei Diamanti a Ferrara. Gli ovali raffigurano una serie di divinità della mitologia classica secondo lo stile naturalista che i Carracci stavano sviluppando in quegli anni, fondendo le norme compositive l’importanza del disegno derivate dalla maniera fiorentina con il colorismo tipico dei veneziani. La serie è considerabile una prova importante per i Carracci di un ciclo pittorico ispirato all’antichità classica, in vista della Galleria Farnese di Roma, i cui lavori sarebbero iniziati nel 1597, nonché uno degli ultimi importanti cantieri estensi a Ferrara prima della devoluzione della città allo Stato Pontificio, che sarebbe avvenuta nel 1598.

La cosiddetta Arpa Estense è un prezioso manufatto unico nel suo genere: non solo si tratta di un raro esempio di strumento musicale del XVI giunto fino ai nostri giorni, ma la sua storia singolare è significativa per comprendere quanto la musica fosse importante nella vita di corte nell’Italia delle signorie del tempo. Fu realizzata a Roma nel 1581, in una bottega della cerchia di Giovanni Battista Giacometti. La decorazione dell’arpa, attuata tra il 1587 e il 1589, fu affidata al pittore ferrarese Giulio Marescotti, tuttavia il disegno dei fregi superiori fu eseguito da Giuseppe Mazzuoli detto il Bastarolo. L’esecuzione del fregio fu poi realizzata da Orazio Lamberti, mentre la doratura degli stessi fu attuata da Giovan Battista Rosselli. L’arpa, commissionata dal duca Alfonso II d’Este, destinata alla mantovana Laura Peperara, che con Livia d’Arco e Anna Guarini creò un concerto di musica secreta, noto anche come “concerto delle dame principalissime”, che fece di Ferrara un raffinato centro di cultura musicale.

L’opera fu commissionata a Guercino (1591-1666) da Francesco I d’Este per le sue collezioni personali. Per la sua composizione è considerabile una delle più peculiari della produzione del maestro di Cento e in generale della pittura di fabulae (a soggetto mitologico) del Seicento emiliano. La raffigurazione di Venere, Marte e Amore, dio della Guerra, rappresentati in una composizione essenziale e ravvicinata è un topos consolidato sin dal Rinascimento maturo. A rendere più peculiare la rappresentazione e la frontalità dei personaggi, soprattutto di Amore, che tende l’arco esattamente in concomitanza dello spettatore ideale, in origine il committente Francesco I, oggi il visitatore che si appresta a fruire dell’opera nello spazio e nel contesto del museo.

Questa scultura in terracotta è un esempio del realismo che Guido Mazzoni (1450 – 1518) riesce ad imprimere alle sue creazioni, in sintonia con gli esiti più alti della cultura artistica padana della seconda metà del XV secolo, sulla scia delle lezioni di Donatello e Mantegna. Anche se la policromia non è quella originaria, essa dà comunque l’idea di come la scultura dovesse apparire al momento della sua realizzazione. Proveniente dalla collezione dei conti Calori Cesi di Modena, ma in origine nella collezione di Pietro Vitali a Busseto, la testa è entrata alla Galleria Estense nel 1909. È possibile che sia quanto rimane del perduto Compianto già nella chiesa di San Lorenzo a Cremona, di cui abbiamo notizia grazie alle note manoscritte stese nel primo Cinquecento dal patrizio veneziano Marcantonio Michiel (1484–1552).

Antonio Raggi (1624-1686) fu uno degli allievi di Gian Lorenzo Bernini più validi e apprezzati dai contemporanei. L’opera proviene dalle acquisizioni di Francesco II d’Este ed è indicativa dell’abilità con cui Raggi interpretò quel linguaggio barocco di cui il suo maestro era stato uno dei principali codificatori. In questo piccolo gruppo scultoreo, memore dei primi saggi dello stesso Bernini, vi è infatti una rilettura in chiave scherzosa di un tema caro alle arti figurative della prima Età Moderna qual è il contrasto tra l’Amor Sacro e l’Amor Profano. L’antitesi tra Eros e Anteros viene rappresentata in maniera dilettevole, raffigurandoli come due puttini impegnati in una simulazione di lotta, il tutto reso al contempo estremamente verosimile grazie all’esecuzione minuziosa dei dettagli.

Il vaso, realizzato intorno al 1480, è uno dei capolavori di Pier Jacopo Alari Bonacolsi detto Antico (1460-1528 ca.) per la sua capacità di lavorare il bronzo rifacendosi a modelli classici. In origine esso faceva parte delle collezioni dei Gonzaga a Mantova, da cui il nome, mentre è registrato per la prima volta in un inventario di oggetti trasportati dal Palazzo Ducale al Liceo di Modena risalente al 24 aprile 1797. L’opera fu presumibilmente realizzata per celebrare le nozze di Gianfrancesco Gonzaga (1446-1496), conte di Rodigo e Bozzolo, e Antonia del Balzo (1461-1538), avvenute nel 1479, come suggerisce il tema principale, ovvero il corteo di Tritoni e Naiadi che celebra le nozze di Nettuno e Anfitrite. La scelta del tema iconografico, così come le ricche decorazioni con festoni, insegne, tavolette con emblemi e motti, sono una testimonianza preziosa della diffusione del gusto antiquario in area padana nel corso del XV secolo grazie alla presenza di Andrea Mantegna (1431-1506).