L'œuvre du Palais Royal, issue de la collection Bourbon, représente une Vénus endormie avec à ses côtés un Amorino, également endormi, tandis qu'un satyre la regarde à travers un miroir, symbole de vanité et de luxure, qui figurent également, au premier sol, parmi les fleurs, le globe avec autour le serpent, l'arc et le carquois.

Dans le cadre de la production jordanienne, l'œuvre se situe dans les années soixante du XVIIe siècle, lorsque la référence du maître à la peinture vénitienne d'origine Titien est plus évidente, dans le chromatisme et la fluidité de la matière picturale et dans la composition elle-même.

Du tableau, au Palais Royal jusqu'en 1832 puis à partir de 1979, il existe une version très similaire, bien que de dimensions plus réduites, dans une collection privée et une variante du thème conservée au Musée Capodimonte.

L'œuvre, commandée directement par le roi en 1818-19 et placée dans le Second Antichambre de l'Appartement Royal, le représente après sa réinstallation sur le trône de Naples, à la fin de la décennie de la domination française (1805-1815) , lorsque, à l'occasion de la Restauration des Bourbons, Ferdinand changea son titre de Ferdinando IV roi de Naples en Ferdinand Ier des Deux-Siciles.

Le roi est représenté debout à côté du trône et pointe de la main droite la basilique de San Francesco di Paola, qu'il a fait construire, dans le Largo di Palazzo, comme ex votov au saint calabrais pour avoir regagné le royaume. Il porte l'habit de chevalier de l'Ordre de San Gennaro, fondé par Charles de Bourbon le 3 juillet 1738, à l'occasion de son mariage avec Maria Amalia de Saxe. Après un long règne, qui commença en 1759 à l'âge de huit ans, à sa mort en 1825, Ferdinand I fut enterré à Santa Chiara avec l'habit de l'Ordre de San Gennaro.

Maria Antonia di Baviera était l'épouse de Frederich Christian von Sachen, électeur de Saxe, fils d'Auguste III de Saxe, roi de Pologne de 1734 à 1763. La présence du portrait dans la salle du trône est motivée par les liens étroits de parenté avec la cour napolitaine de Maria Antonia, belle-sœur de la reine de Naples Maria Amalia de Saxe, fille d'Auguste III de Saxe et épouse du roi Charles de Bourbon.

Maria Antonia est représentée presque en pied, avec une très grande robe et sa main droite posée sur la couronne. L'élégante robe en taffetas est enveloppée d'une cape royale en velours bleu bordée d'hermine, symbole royal par excellence. Sur le corsage, l'Electrice porte les insignes de l'ordre de Sainte Catherine fondé par l'empereur Pierre Ier en 1714 en l'honneur de l'impératrice Catherine, son épouse.

Passionnée d'art et de musique dont elle fut une grande promotrice, Maria Antonia était elle-même musicienne, experte en clavecin ; il a composé plusieurs oeuvres dont "Talestri, Reine des Amazones", drame musical composé en 1763 et publié en 1765, dont l'air "Da te mi dividi" est proposé. L'œuvre pourrait être autobiographique car la protagoniste reconnaît qu'elle a la force et l'énergie pour sauver son peuple.

Le portrait a été réalisé à l'occasion de la signature d'un important accord diplomatique entre le Royaume de Naples et la Sublime Porta, l'ancien Empire ottoman : le "Traité de paix, de navigation et de commerce", signé le 7 avril 1740, avec lequel le Le roi de Naples a jeté les bases d'une reprise du commerce en Méditerranée, enrayant le phénomène de la piraterie. En vertu de cet accord, le sultan Mahmud I envoie à Naples l'ambassadeur Haji Hussein Effendi, qui arrive le 30 août 1741, est reçu à la cour le 18 septembre et séjourne un mois dans la ville, avec une suite très riche et colorée.

En mémoire de l'événement, le roi Charles a commandé le tableau à Giuseppe Bonito, peintre officiel de la cour. Bonito a placé la figure de l'ambassadeur au centre de la scène avec les représentants des principaux rangs de l'ambassade autour de lui. L'Effendi porte un dolimàno de velours avec des brocarts de soie travaillés de fleurs, sous la feràce, un long manteau ; les peich, ou staffieri, portent des robes de satin ou de damas aux formes légères et aux couleurs variées, enveloppées dans une ceinture de soie. Sur la tête des personnages se trouve le turban typique, enroulé autour d'un bonnet rouge, qui s'appelait une corne. Au musée du Prado à Madrid se trouve une réplique autographe du tableau, envoyée à la reine d'Espagne Elisabetta Farnèse, mère de Charles de Bourbon.

Le plafond de la salle est décoré de fresques avec les « Histoires du Consalvo de Cordova », premier vice-roi de Naples, vainqueur de la guerre pour la possession du Royaume de Naples entre la France et l'Espagne (1502-1504).

Les grandes scènes des compartiments rectangulaires représentent "La Conquête de la Calabre", "Le Défi de Barletta", "Le Duel avec La Palisse à Ruvo di Puglia", "La rencontre du Consalvo di Cordova avec les ambassadeurs de Naples qui lui offrent les clés de la ville »et, sur le mur du balcon« L'entrée triomphale à Naples du Gran Capitano par la Porta Capuana ».

Les armoiries du vice-roi comte de Lemos, qui a régné de 1610 à 1616, sont peintes dans les segments anguleux de la voûte d'une autorité lointaine : le roi d'Espagne.

Les sources du XVIIe siècle mentionnaient déjà Battistello Caracciolo comme peintre actif au Palais Royal, mais l'attribution des fresques remonte au savant Roberto Longhi (1943). Dans ce cycle, Battistello peint avec une volonté strictement narrative, tout à fait proche du choix naturaliste du Caravage, dont le portrait apparaît parmi les badauds au centre de la scène des Ambassadeurs, représentant un hommage au grand Maître peut-être juste un an après sa mort. .

Le tableau rend hommage à la tradition napolitaine de la confiserie. À droite, sur un présentoir en étain, une riche offre de gourmandises est représentée, parmi lesquelles il est possible d'identifier des biscuits en forme d'éventail, recouverts de miel, des tranches de génoise et des biscuits longs à l'anis, appelés anesi . Sur la gauche, cependant, contrairement à l'élégant dosseret, un cuoppo (feuille en forme d'entonnoir) plus populaire de la tradition culinaire napolitaine est représenté, contenant des bonbons blancs, probablement des boulettes sucrées de pâte à sucre ou des morceaux de pâtes royales à grignoter avec des doigts. Leur forme évoque également un type de bonbon connu à l'époque sous le nom de franfellicchi, des bonbons fabriqués à partir d'un écheveau de sucre filandreux, qui étaient vendus dans la rue.

La Chapelle Palatine est dédiée à la Vierge de l'Assomption, donc la peinture centrale du plafond, réalisée par Domenico Morelli, l'un des plus grands peintres italiens du XIXe siècle, représente l'Assomption de la Vierge. L'œuvre a été commandée à l'artiste napolitain par l'intendant adjoint de la Maison royale d'Annibale Sacco en 1864. Le 2 mai de cette année-là, en effet, le peintre a reçu de la Maison royale 4 500 lires à titre d'avance sur les 20 000 lires convenues pour l'œuvre. .

La réalisation de la toile a pris beaucoup de temps principalement en raison de sa taille (9,80 x 5,56 m). On pense que l'artiste, après les études préparatoires et l'approbation de l'esquisse, a exécuté le tableau dans la Chapelle Royale elle-même, car il est problématique de placer la toile dans son atelier sans la plier.

Les travaux s'achèvent en juin 1870, suscitant des éloges unanimes dans la critique de l'époque.

« L'Assunta », grâce à une intervention préventive pour retirer la toile, qui fut descendue et mise en lieu sûr, fut sauvée du bombardement d'août 1943 qui détruisit la voûte de la chapelle. Une restauration récente avec consolidation du film pictural, nettoyage, vernissage et réintégration picturale (2006) a redonné à l'œuvre son aspect d'origine et a fait ressortir la signature et la date (Morelli 1870).

La table en bronze, avec un plateau en marbre à motif géométrique de kaléidoscope, a été offerte au roi Francesco I (Naples 1777-1830) par la reine Isabelle le 4 octobre 1827, pour son anniversaire.

Le long du bord supérieur, l'ouvrage est décoré de onze médaillons en marbre polychrome qui remplacent ceux documentés, avec des portraits de la famille royale ; tandis que sur le bord latéral, entre des motifs de coquillages et d'hippocampes, il y avait autant de médaillons aux 'Vues de Pompéi', décorations encore inscrites à l'inventaire de 1907, mais supprimées dès 1950. Les supports en bronze représentent des télamons sur des pattes de lion qui écrasent les tortues.

La table ornait à l'origine la chambre du roi du palais royal de Portici et s'inspire dans sa conformation des supports en marbre excavés qui supportent les sols en bois pétrifiés; en fait, il était une fois ses supports en bronze considérés comme des découvertes d'Herculanum.

Dans la collection privée, il y a une série de onze miniatures, émail sur porcelaine, avec des cadres représentant Maria Isabella di Borbone, épouse de François Ier, et les dix premiers de leurs enfants. La décoration a probablement été réalisée par Raffaele Giovine et il s'agit manifestement d'une commande royale en vue de l'ornement d'un meuble, tel que la table en question, dont pourraient constituer les médaillons manquants.

Ce plateau appartient au service de l'ancienne 'Vasella' du Palais Royal et était destiné au luxe de la table. En effet, aucune nourriture n'y était préparée mais des éléments décoratifs tels que des paniers de fleurs, des dragées et des candélabres étaient placés qui, se reflétant dans les miroirs, donnaient une plus grande luminosité à la table, avec un effet scénographique d'une splendeur considérable.

Le dessert-plateau, en cinq pièces modulables, est soutenu par des paires de pieds pattes de lion et, toujours sous la base, par des roues pivotantes invisibles pour un déplacement aisé sur la table. Une frise de lauriers qui court sur tout le pourtour est interrompue par des figures se faisant face de couples de bacchantes en train de déposer des grappes de raisin dans des coupes et par des couples d'éphèbes versant du vin dans des cruches.

De style Empire, il présente d'étroites analogies formelles avec un autre centre de table exposé au musée Marmottan à Paris, réalisé par Thomire et datable de 1810-1814, qui appartenait à Luciano Bonaparte.

L'œuvre, en plus d'être un meuble d'une valeur artistique précieuse, peut être considérée comme une œuvre technologique remarquable du XVIIIe siècle ; il s'agit d'un bureau avec un plateau extensible, équipé d'un pupitre avec un système rotatif d'étagères.

Le pupitre tournant, qui se réfère typologiquement à la tradition médiévale nordique, appartenait à la Bibliothèque de la reine Marie-Caroline d'Autriche et documente la présence à Naples d'artistes et d'artisans étrangers qui gravitaient autour de la Cour, important et diffusant des techniques artisanales et une variété de des modèles. La signature "Giovanni / Uldrich - Année 1792", apposée sur les plaques de bronze doré de la surface d'appui, indique une origine autrichienne ou allemande de l'artisan, qui est également actif comme facteur de pianos.

L'œuvre est influencée par le goût néoclassique qui donne aux éléments structuraux la forme des ordres architecturaux : les colonnes de support de la grande roue centrale adoptent des formes doriques et les chapiteaux des lignes classiques rigoureuses. D'un côté du plateau de table, également de formes classiques, une manivelle en métal permet le déplacement d'une sorte de 'moulin' à deux roues, auquel sont fixées huit étagères-pupitres avec des charnières en laiton réglables, qui permettent la lecture simultanée de plusieurs textes.

La montre est parmi les plus anciennes et les plus précieuses de la collection du Palais Royal, ayant été réalisée par Thuret, horloger à la cour de France et à l'Observatoire de Paris et collaborateur du physicien hollandais Christian Huygens, qui fut le premier à introduire l'horlogerie galiléenne. invention du pendule.

La représentation du mythe d'Atlas était souvent utilisée dans les montres statuaires. Atlas, frère de Prométhée et d'Épiméthée, a participé à la lutte entre les Géants et les Dieux. Vaincu, il fut condamné par Zeus à tenir la voûte céleste sur ses épaules. Le bronzier a représenté le moment où Atlas, ayant reçu le globe sur ses épaules, le pose, en cherchant un appui sur un rocher qui pourrait lui servir d'assise.

Le globe, à la hauteur de l'équateur, est traversé par une bande de porcelaine qui tourne de gauche à droite avec de grands chiffres romains. Le soleil de ses rayons marque les heures.

Le socle représente les symboles d'Hercule : la peau de lion, sur laquelle sont gravés la signature, la massue et le carquois. Le mythe d'Hercule est lié à celui d'Atlas, et révélateur de l'origine de l'horloge de la maison Farnèse, qui était ornée de symboles herculéens.

Derrière l'ancien salon privé de Marie-Amélie de Saxe (salle XIV), épouse de Charles de Bourbon, s'ouvre l'alcôve de Marie-Amélie, à imaginer comme une grande niche ouverte sur la Chambre, où était placé le lit de la reine.

Lorsqu'au XIXe siècle les maisons des souverains sont déplacées au deuxième étage, le plafond de l'Alcove est recouvert d'un décor néoclassique de cadres, palmettes et volutes en papier mâché doré sur fond blanc, autour d'une rosace centrale.

La fresque mise au jour est une œuvre documentée de Nicola Maria Rossi (1690-1758), qui selon des documents a été payée en 1739 cinq cents ducats pour peindre la Reine en fresque dans l'Alcôve de SM la Reine "un souhait pour un très heureux progéniture".

Au centre on voit La Notte, avec le manteau sombre, qui protège le dormeur ; Minerve - avec la lance perçant les nuages - également souriante et penchée vers le bas, protectrice royale de la Fertilité et figure féminine qui accueille un nid avec deux colombes blanches dans son sein. A gauche le char d'Aurore, indiquant Le Jour et le dieu Harpocrate, représenté comme une sculpture, faisant allusion au silence

Cet extraordinaire chef-d'œuvre baroque napolitain a été construit entre 1672 et 1691 pour l'église de Santa Teresa degli Studi. L'autel a été déplacé au Palais Royal en 1808, suite à la suppression des corps ecclésiastiques - par le gouvernement français de Giuseppe Bonaparte - dont les biens religieux ont été confisqués par l'État.

L'autel est caractérisé par des ornements en cuivre doré recouverts de pierres précieuses semi-précieuses (agate, jaspe, lapis-lazuli, améthyste, onyx, malachite), mis en place pour créer des motifs en perspective. Dans le frontal (le panneau central) et dans les portes latérales, la disposition architecturale de l'ensemble crée l'image d'un temple avec des piliers, des niches et des balustrades. Au point de fuite de la perspective centrale scénographique, est représentée Sainte Thérèse, à qui l'autel est dédié.

Dans le ciboire se trouve un panneau de pierres semi-précieuses incrustées sur un fond noir belge, réalisé par l'Opificio delle Pietre Dure à Florence en 1772, un cadeau de Cosme III aux Pères Thérésiens.

L'autel a été sauvé des bombes du 14 août 1943 grâce à une protection d'urgence mise en place pendant la guerre. Une structure de planches de bois entièrement recouverte de sacs de sable a réussi à protéger l'ouvrage lorsqu'il a été heurté par l'effondrement de la voûte de la chapelle.

La crèche du Palais Royal se compose de 210 personnages, réalisés à la main entre la fin du XVIIIe et le début du XIXe siècle. Chaque personnage, dit "triplet", de 35 à 40 centimètres, est composé d'étoupe et de fil de fer, a des membres en bois peints, un visage et des mains en terre cuite et des yeux en cristal, le tout pour donner aux personnages un aspect très probable .

Dans l'imposante mise en scène on peut identifier les trois moments essentiels de la « représentation sacrée » : la Nativité, l'Annonce aux Bergers et la Taverne. La Nativité est placée en hauteur, parmi les ruines d'un temple antique, pour symboliser la victoire du christianisme sur le paganisme, mais aussi pour renouveler le goût pour les découvertes archéologiques d'Herculanum et de Pompéi ; au centre, un ange annonce aux bergers la naissance imminente du Sauveur ; enfin, à droite, une table dressée avec de riches convives sert d'avant-scène à la cave, pleine de toutes sortes d'aliments typiques de la cuisine napolitaine. De nombreux sculpteurs importants du XVIIIe siècle se sont essayés à l'art de la crèche, parmi lesquels Giuseppe Sammartino, l'auteur du Christ voilé, à qui est attribuée la femme dite Rinascante, ornée de boucles d'oreilles et de collier de corail, assise à la table de l'auberge, en robe de velours rouge et or avec jupe de soie verte.

La maquette, provenant du Palais Royal de Caserte, documente la conformation architecturale du Palais Royal au début du XIXe siècle, avant les restaurations massives commandées par Ferdinand II. Il est configuré comme un modèle pour les études de conception de la transformation et préparatoire, probablement, à la première ébauche du Grand Projet d'Antonio Niccolini auquel l'artefact, datable de 1811, se réfère.

Le bloc d'origine de l'ancien et du nouveau palais est contrasté par la masse du "Braccio Nuovo" du XVIIIe siècle qui, dans l'alignement de la cour d'honneur, ferme la façade sud : ici se trouvait l'appartement de Carolina Murat avec accès par un nouvel escalier à quatre tronçons, dont on entrevoit le compartiment, et reliés à la terrasse dont l'extension n'est pas reproduite sur la maquette. À l'intérieur est représenté le Queen's Theatre, transformé plus tard par Gaetano Genovese en une salle de bal, dans laquelle sont visibles des reproductions de décors peints, effectivement interprétés par Niccolini. Le jardin suspendu relie les bâtiments inégaux de la façade sud, parmi lesquels se détache le pavillon du Belvédère du XVIIe siècle. Le passage entre la cour du Belvédère et celle des calèches s'effectue par une petite loggia sur piliers, tandis que les liaisons perspectives originales du projet fontanien se réduisent désormais à de petites ouvertures entre les cours.

La décoration de la voûte pavillonnaire de la première antichambre fait partie du cycle décoratif des appartements royaux exécuté entre 1737 et 1738 pour le mariage de Charles et Maria Amalia de Bourbon.

La composition insère la grande scène centrale au-dessus d'un système architectural peint illusionniste, qui élargit la spatialité de l'environnement car il est vertigineusement encadré par le bas, créé par Vincenzo Re, scénographe de la Cour et du Théâtre San Carlo, spécialisé dans des interventions décoratives similaires. dans les principales résidences royales, comme au Palais Royal de Portici.ì

La scène au centre de la voûte d'ogives a été peinte avec une technique d'huile sur plâtre, qui sèche plus vite que la fresque, compte tenu des courts délais de livraison de l'œuvre. De Mura a conçu une composition qui se développe de manière illusionniste sur la quadrature, dans laquelle les armoiries des Bourbons et de la Saxe détenues par les Génies Royaux et positionnées sous la couronne sont représentées au centre, faisant allusion au mariage royal. A gauche, les Allégories des Vertus de Charles (Fortitude, Justice, Clémence ou Paix, Magnanimité) et à droite les Allégories aux Vertus de Maria Amalia (Fidélité, Grandeur ou Valor, Prudence, Beauté) ; ci-dessous, Hymenaeus chassant Fury et Malice.

La tapisserie fait partie d'une série dédiée aux quatre éléments (l'Allégorie de l'Air, positionnée sur le mur opposé et les Allégories de la Terre et de l'Eau, exposées dans la Salle des Ambassadeurs), réalisée dans les manufactures royales françaises des Gobelins et des célébrations du Roi Soleil (Saint-Germain-en-Laye, 5 septembre 1638 - Versailles, 1er septembre 1715). Il a été donné au nonce apostolique à la cour napolitaine en 1719.

Au premier plan à gauche dans la Tapisserie au feu, tissu à hautes lisses (cadre vertical), Vulcain et le Cyclope, devant une grotte, s'acharnent à forger des armes et des outils sur l'enclume, tandis qu'au fond l'Etna est en éruption . Jupiter, avec Vénus et Cupidon, domine les nuages et porte un écu aux figures du roi Louis XIV. Magis ipso fulmine terret (terrifie plus que la foudre elle-même) est la devise sur le bouclier. Dans le cadre, des armes, des outils, des vases en métal, en haut les armoiries du Roi Soleil, et en bas une inscription le louant.

L'œuvre met en scène, très jeune, Maria Carolina, fille de Francesco di Borbone et de Maria Clementina d'Autriche, née au Palais Royal de Caserte en 1798 et mariée en 1816 à Carlo Ferdinando Duc de Berry, deuxième fils du futur Charles X de France, avec une cérémonie qui s'est déroulée dans la Chapelle Palatine du Palais Royal de Naples.

Le socle de la sculpture, en porcelaine bleu de roi, à décors dorés, porte le monogramme de la princesse napolitaine : « MC » entrelacé et soumis à une couronne ducale ; tandis que sous le bras gauche le « D. DENUELLE / A PARIS".

D'une facture élégante sont la robe et la coiffure élaborée, particulièrement perceptible dans le sens du travail, où une longue tresse tourne plusieurs fois en serpentine sur le dessus de la tête, se croisant avec une bande ornée de pierres précieuses et de perles.

La porcelaine peut être datée entre 1824 et 1828, années où la princesse, faute d'enfants du roi Louis XVIII, mort en 24, incarna l'espoir d'un héritier légitime des derniers Bourbons de France, ayant donné naissance en 1820 Henri, comte de Chambord.

Dans la mythologie romaine, d'origine grecque, Proserpine fille de Cérès est kidnappée par Pluton alors qu'elle ramassait des fleurs dans un pré, sur les pentes de l'Etna, et emmenée aux Enfers. Dans la scène centrale de la tapisserie on voit la jeune fille saisie par Pluton et traînée sur un char doré vers le cœur de la Terre, qui s'ouvre dans les flammes sous les pattes d'un cheval blanc.

Dans la riche bordure ci-dessus, le Phénix, un oiseau magique qui renaît de ses cendres, et la Salamandre, qui résiste aux flammes et qui est aussi un symbole de la Justice, sont représentés.

La tapisserie est destinée à représenter l'allégorie du Feu : en effet elle fut commandée en 1762 pour compléter un vêtement sur le thème des Quatre Eléments - Air Eau Terre Feu - commencé dès 1739 par la Reale Arazzeria di S. Carlo alle Mortelle , sous la direction de Domenico Del Rosso.

L'Enlèvement de Proserpine a été réalisé avec les conseils de Luigi Vanvitelli, qui a choisi comme auteur du dessin animé Gerolamo Starace Franchis, un peintre solimenesque qui avait peint la voûte de l'Escalier du Palais Royal de Caserte.

D'un point de vue technique et stylistique, cette œuvre représente un tournant dans l'activité de la Manufacture, pour l'utilisation de la technique des hautes lisses, avec des métiers verticaux, introduite par Pietro Duranti, et pour le rôle dévolu aux aspects figuratifs, pour lesquels, plutôt que de récupérer des images d'estampes ou de répertoires, des cartons à l'huile ont été commandés aux meilleurs artistes de l'époque.

Le seul portrait officiel du prince de Naples, futur roi Vittorio Emanuele III, exposé en permanence dans l'allée du Palais Royal.

L'héritier du trône de la Maison de Savoie, fils de Margherita et Umberto I, est représenté à l'âge de cinq ans sur une terrasse qui s'ouvre sur une vue typique de la ville napolitaine avec le Vésuve fumant en arrière-plan. Cette représentation traditionnelle de l'imago urbis napolitaine devient une constante dans l'iconographie du prince, afin de souligner son lien politique et affectif fort avec la ville où il est né en 1869.

Le garçon, avec ses cheveux peignés "à la Umberto", c'est-à-dire avec une coupe courte inspirée de celle de son père, et avec une expression renfrognée, porte une robe de soirée en velours bleu foncé, avec d'élégantes broderies aux poignets, au cou et aux genoux. À la mode de la renaissance, ils semblent également rappeler les chaussettes noires et les chaussures avec des décorations sur les orteils. Sur la table, recouverte d'une nappe à écusson savoyard, sont placés un globe et une carte de l'Italie unie, indiquant les études du prince.

Ce sera Vittorio Emanuele III qui vendra le Palais Royal de Naples aux Domaines en 1919.

Le tableau, provenant de la collection Farnèse, faisait auparavant partie des biens de la famille Sanseverino de Parme qui, en 1612, fut condamnée à mort et à la confiscation de ses biens pour complot contre Ranuccio I Farnèse, duc de Parme et Plaisance.

Lors des soulèvements révolutionnaires napolitains de 1799, le panneau figure dans la liste des ouvrages saisis par les Français. Récupéré par les troupes bourboniennes, il fut transféré au Palais Royal de Francavilla à Chiaia (actuel palais Cellammare). En 1874, il fut inventorié au Palais Royal.

Le tableau du Palais Royal est l'une des nombreuses déclinaisons du sujet des « avares » réalisées par l'artiste. Parmi les plus célèbres figurent celles du Prado (1538), de Munich, de Varsovie, et celle du musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg.

Plus qu'un portrait, le tableau peut être défini comme une sorte de scène à contenu moral, dans laquelle deux collecteurs d'impôts, ou plutôt, un trésorier et son employé, le collecteur d'impôts, sont dépeints, montrant une attitude opposée envers l'argent qu'ils administrent. : l'un sérieux et objectif, l'autre rapace dans la physionomie et le geste. L'auteur, comme on peut le voir dans l'ouvrage, était un amateur de détails curieux et bizarres, et a été le créateur d'une série de portraits de personnages au travail, représentés à la limite de la caricature.

L'horloge d'orgue de Charles Clay, datée de 1730, est l'élément le plus important et le plus ancien de la collection d'horloges du palais royal de Naples.

La machine Palazzo Reale a un boîtier en forme de sanctuaire, en argent perforé, avec une porte vitrée, surmontée d'une urne avec huit pommes de pin sur les côtés. Le cadran porte les heures marquées de chiffres romains, les minutes, toutes les cinq, de chiffres arabes et les demi-heures de petits lis stylisés. Les deux trous de chargement sont également évidents. La face avant du boîtier est en cuivre peint à l'huile avec l'application de bas-reliefs et de hauts-reliefs en argent qui dessinent la scénographie d'un temple, au sommet duquel est représenté un concert de musiciens célestes aux membres en mouvement.

L'horloge est une pendule, tandis qu'à l'intérieur du boîtier les parties de l'orgue mécanique, composées de 51 tuyaux, sont soutenues par un bâti. Georg Friedrich Händel était un collaborateur régulier de Clay et il était responsable de la musique programmée sur le cylindre de l'orgue. Il se compose de cinq adaptations de passages tirés d'œuvres de Haendel exécutées à Londres entre 1727 et 1729 (Lothair, Siroe roi de Perse et Richard Ier roi d'Angleterre) et de cinq pièces, non encore identifiées, probablement composées spécialement pour Clay.

Le tableau représente le retour à Naples de Ferdinand Ier de Bourbon qui eut lieu le 17 juin 1815 après une dizaine d'années d'exil à Palerme, en raison de la domination des Napoléonides.

La façade du Palais Royal domine la scène avec le drapeau Bourbon flottant sur l'horloge, tandis que la cour festive regarde depuis les balcons le défilé militaire qui accompagne l'entrée du roi dans le Largo di Palazzo. Au rez-de-chaussée de l'édifice monumental on note l'absence des statues qui l'ornent actuellement. En fait, ceux-ci n'ont été placés qu'à l'époque savoyarde, en 1889, à l'intérieur des niches créées par Luigi Vanvitelli au milieu du XVIIIe siècle lorsque, pour des raisons statiques, l'architecte a muré alternativement les arcs de ce qui était à l'origine un portique continu.

Le premier étage est dominé par la foule venue assister à l'événement, alignée derrière la garde du roi, les officiers portant des branches de myrte à la baïonnette.

En arrière-plan de l'œuvre, vous pouvez admirer l'erigenda Foresteria Borbonica (siège de la préfecture depuis 1861), tandis qu'à gauche, vous pouvez voir les formes d'une structure scénographique éphémère monumentale agrémentée d'une fontaine et de la statue de Ferdinand I comme un ancien romain, d'Antonio Canova, actuellement au Musée Archéologique National de Naples.

La cheminée en marbre blanc, de style néoclassique, présente une frise richement sculptée, soutenue par deux paires de colonnes cannelées, surmontées de chapiteaux composites. L'embouchure de la cheminée est encadrée par un cadre à grappes végétales.

La frise présente un décor en bas-relief avec des trophées militaires sur les côtés conformément au thème décoratif de la voûte du XVIIIe siècle et, au centre, une reproduction de la mosaïque représentant la "Bataille d'Issus", trouvée à Pompéi et aujourd'hui exposé au Musée Archéologique National de Naples. .

La renaissance de la trouvaille archéologique témoigne de l'intérêt des Bourbons pour les antiquités d'Herculanum et de Pompéi, dont les fouilles ont été commencées par le roi Charles. La mosaïque, de grandes proportions (582x313 cm), datant d'environ 100 av. J.-C., a été retrouvée le 24 octobre 1831 dans la maison du Faune, dans le dallage de l'exèdre qui sépare les deux péristyles de la domus. Les travaux de modernisation du Palais Royal, commencés en 1838, s'inspirent donc des découvertes des fouilles contemporaines.

La mosaïque représente la célèbre bataille d'Alexandre le Grand contre Darius III de Perse, qui a eu lieu à Issus (Turquie) en 333 avant JC, qui s'est terminée par la défaite de l'armée perse. Comme dans la mosaïque, la frise du Palais Royal montre le chef macédonien (aujourd'hui sans tête) à cheval, en train de chasser l'empereur perse sur le char, mais face à l'ennemi avec sa lance pointée. Entre les deux protagonistes, un enchevêtrement de lances, de soldats et de chevaux, encadrés par des ailes arboricoles.