L'immense toile a été commandée à l'artiste en 1844 par la municipalité d'Ancône, à la demande du marquis Carlo Bourbon del Monte, gonfalonier de la ville, ami et protecteur du peintre.

C'est un épisode inspiré de la résistance héroïque de la ville lors du siège de 1173 par Cristiano di Magonza, chancelier de Federico Barbarossa.

Après quelques semaines de siège, les impériaux envoyèrent une ambassade dans la ville demandant la reddition, la reconnaissance du pouvoir impérial et la remise du consul de l'Empire byzantin. Les Anconitains refusèrent l'offre et envoyèrent au contraire des émissaires qui, passant dans les rangs ennemis, allèrent demander du secours dans les villes amies de Romagne et d'Emilie.

L'artiste immortalise le moment où le vieux sénateur Bonifacio Faziolo, aveugle et soutenu par deux jeunes hommes, exhorte les conseillers, les soldats et les habitants d'Ancône à jurer de résister au siège jusqu'à la mort.

L'œuvre, théâtralement construite, exalte les vertus civiques de courage et d'unité et actualise les concepts de résistance et d'engagement patriotique dans la période d'occupation autrichienne que traversait le peuple d'Ancône lorsqu'en 1856 il arriva dans la ville.

Signée OPUS CAROLI CRIVELLI VENETI sur le parapet de pierre en marbre rose, l'œuvre a été créée par Carlo Crivelli, peintre vénitien parmi les artistes les plus importants du XVe siècle.

Un petit bijou d'art aux détails extraordinaires, rendu avec une habileté miniature des différents éléments et plein d'un symbolisme marial et christologique particulier de références liées à la Passion du Christ. Les pommes du feston font allusion au péché originel, le concombre à la résurrection de Jésus, la coquille ouverte avec un mollusque dans la main droite, est une allégorie de l'incarnation du Christ dans le sein de Marie, le chardonneret attaché au fil est un symbole de la Passion.

La robe de la Vierge est somptueuse, composée d'un manteau en damas doré, réalisé par Crivelli avec de véritables feuilles d'or et décoré de fleurs d'acanthe, dont les épines rappellent la douleur de la passion du fils. Enfin, le Livre de la Sagesse, placé sur le parapet, ouvert et abandonné au souffle du vent, connote la Vierge comme Mater Sapientiae.

L'extrême élégance du dessin de la scène se révèle dans le visage de la Vierge, caractérisé par une expression affectueuse mais en même temps mélancolique ; raffinée est la manière dont il saisit le pied de son enfant du bout des doigts ; comme prévu est leur échange de regards.

Le Retable est la première œuvre de Titien datée de 1520. Du cartouche placé à la base de l'œuvre : « ALOYXIUS GOTIUS RAGOSINUS / FECIT FIERI / MDXX / TITIANUS CADORINUS PINSIT » nous apprend qu'il a été commandé par le noble marchand dalmate Luigi Gozzi, actif dans Ancône , pour le maître-autel de l'église de San Francesco ad Alto.

La représentation voit l'apparition de la Vierge à l'Enfant entourée d'anges, tandis que dans la partie inférieure se trouvent, outre les Gozzi représentés à droite agenouillés les mains jointes, les saints François, propriétaire de l'église homonyme et San Biagio, protecteur de Dubrovnik, qui par l'index de sa main droite, il dirige l'attention de tous vers la vision céleste.

L'événement se déroule dans la plus chaude lumière crépusculaire dans un lieu indéfini mais non loin de Venise, la ville reconnaissable en arrière-plan, témoignant également des relations intenses entre Ancône, la Dalmatie et la Sérénissime. La représentation du figuier élancé est porteuse d'une forte valeur symbolique, de rédemption et de salut.

Le dos du tableau présente quelques esquisses préparatoires au fusain, dont une esquisse pour l'Enfant, de la main de Titien lui-même. Une peinture magistrale qui représente une étape fondamentale dans son évolution stylistique.

L'œuvre est du peintre d'Ancône Giovanni Andrea Lilli, un artiste formé dans le milieu romain autour de Sixte V dont le style est influencé à la fois par la peinture baroccie et par le maniérisme romain tardif et toscan.

La Vue d'Ancône est l'un des quatre fragments conservés du grand retable La Vierge couronnant Saint-Nicolas de Tolentino, situé à l'origine dans l'abside de l'église de Sant'Agostino (transformée en caserne après 1860). Bien que l'ensemble de la disposition iconographique du retable ne soit pas connu, ce fragment était certainement situé dans la partie inférieure, puisque l'inscription avec la signature de l'artiste et la datation de l'œuvre apparaît en bas à droite, dans laquelle la dernière figure est abrasée.

La vue d'Ancône est particulièrement suggestive car sa condition de fragment lui confère une fixité archaïque, d'une ville du XIVe siècle. Cette impression, à laquelle contribuent la coloration rose et lilas contre nature et la simplification géométrique des volumes des maisons, des portes et des tours de la ville. L'œuvre est une pièce de grand intérêt vue dans le but de reconstruire la forma urbis du XVIe siècle de la ville dorique.

Dans le grand retable commandé pour l'église de S. Agostino à Ancône, la signature du vénitien Lorenzo Lotto se distingue sur la première marche. Le plan monumental montre la Vierge à l'Enfant sur un haut trône, au pied duquel se trouvent les saints Étienne, Jean l'Évangéliste, Simone Giuda et Lorenzo, tous reconnaissables à la présence de leurs attributs respectifs.

Le plus rare Simone Giuda, éponyme du client Simone di Giovannino de 'Pizoni, porte une hallebarde inhabituelle sur laquelle il s'appuie fortement, se tournant d'un air résolu et éloquent vers l'observateur. Le tableau fut commandé à Lotto en août 1538, année où la tyrannie exercée par le cardinal légat Benedetto Accolti et les lansquenets allemands armés de hallebardes prit fin dans la ville. L'arme, renversée et brisée, symboliserait la défaite de l'usurpateur et la fin de la tyrannie. Comme dans d'autres œuvres de Lotto, la symétrie de la composition est brisée par la variété des attitudes, des regards et la figure agitée de l'Enfant vers qui convergent les lignes de force. L'atmosphère raréfiée et la lumière d'une fin d'après-midi sont le résultat de l'utilisation de couleurs plus sourdes et des contrastes entre les zones éclairées et ombragées.

Peintre, sculpteur, scénographe, costumier, artiste complet et éclectique du second après-guerre, l'art de Corrado Cagli est connu dans toute l'Europe. Une personnalité artistique, caractérisée par une polyvalence de styles et une maîtrise dans les domaines les plus divers de l'expression artistique, ont fait de Cagli l'objet d'étude et d'analyse critique par des historiens, des universitaires, des poètes et des essayistes de renom.

L'œuvre Buglione de 1971 rappelle le concept de figuration abstraite, auquel l'artiste s'est consacré après la guerre, constituée de répétitions modulaires et mathématiques, de corpuscules qui défient la bidimensionnalité du tableau. Les structures géométriques se prolongent dans l'espace dans un jeu continu de concaves et convexes, donnant l'illusion d'une figure tridimensionnelle. Les cercles qui composent la figure rappellent à l'esprit de l'observateur l'armure légendaire d'un Moyen Âge chevaleresque et renvoient au haubert, la structure ferme d'un treillis métallique, typique des guerriers médiévaux.

Le titre même de l'ouvrage évoque en effet la figure légendaire de Godefroy de Bouillon, personnage fondamental de la première croisade, la réduisant à un masque déformé.