Le panneau central du triptyque est une copie avec de petites variations d'une œuvre de Memling aujourd'hui à Berlin. Les portes latérales, qui remontent à d'autres peintures de lui, semblent également faire référence au style du maître. L'œuvre peut donc être attribuée à un maître anonyme probablement brugeois de la première et de la deuxième décennie du XVIe siècle : en effet, elle se caractérise par un certain archaïsme qui se manifeste dans le rendu fermé et statique des formes.

Le thème Salvator Mundi, constant dans l'iconographie occidentale aux XVe et XVIe siècles, est interprété ici avec une allusion à la dérivation byzantine qu'El Greco contribue à apporter à l'Occident. La figure du Christ provient probablement de l'Apostolado conservé à Oviedo, une série de peintures qui comprenait à l'origine les douze apôtres et le Rédempteur, absents de la série d'Oviedo. Le Christ Sauveur qui de la main droite levée bénit, selon le geste latin, et tient la gauche appuyée sur le globe, se réfère à la tradition des icônes byzantines, grâce à la disposition frontale, le regard profond et la forme rhomboïdale de le halo lumineux qui entoure la tête.

L'œuvre datée de 1644, comme on peut le lire sur le rouleau de parchemin tenu dans la main droite du mathématicien, remonte à Ribera car elle peut être assimilée à d'autres œuvres du peintre, représentant des demi-figures de philosophes, de saints et de mendiants, représentés de manière similaire frontalement avec les attributs relatifs au premier plan. La caractéristique de l'auteur est en effet la grande intensité expressive, donnée par le réalisme explicite de détails tels que les rides du visage et le rendu habile de la barbe et des cheveux.

Luigi Parmeggiani, cheveux et moustache gris et expression sereine, est représenté assis au centre d'une pièce, entouré des objets qui ont caractérisé son activité d'antiquaire. A la date du tableau cependant, Parmeggiani a 41 ans, et est loin de ressembler au portrait. Cependant, la peinture et la signature sont authentiques, ce qui génère une contradiction. Le mystère est probablement révélé par la demande de paiement d'un peintre de Reggio, qui dans les années 1930 a peut-être reçu la tâche d'insérer un Parmeggiani âgé à la place d'une figure préexistante. En observant attentivement la peinture, en effet, autour de l'homme assis, il y a des signes de grattage de la matière picturale et de nouvelles couches de couleur évidentes.

Le terme "andrienne", désignant à l'origine une représentation théâtrale, désigne une robe à la ligne confortable et douce, initialement utilisée dans les environnements domestiques. Plus tard, ce modèle s'est également imposé lors d'occasions officielles, devenant très à la mode. Aussi ce modèle se caractérise par un large panneau dans le dos retenu à hauteur d'épaule par des plis cousus. Le tissu a un dessin vertical avec des pousses ivoire ondulantes avec des roses bleues, violettes et roses. Le long de l'ouverture sur le devant se trouvent deux bandes du même tissu profilées par un ruban de soie qui se prolongent autour de l'encolure.

Le costume figure comme un exemple important de vêtements pour hommes du XVIIe siècle. Il se compose d'une veste moulante et d'une culotte remboursée à mi-cuisse, complétée par des chaussettes en soie tricotée, des chaussures en cuir, des gants et un chapeau en cuir. La robe, en satin de soie cramoisi avec des applications de cuir, présente une décoration symétrique en losanges dans laquelle des fleurs stylisées, peut-être des œillets, sont brodées. La forme courte et très arrondie caractérise un type de robe très courant à la cour et dans la zone d'influence espagnole, depuis les années soixante-dix du XVIe siècle.