Le "Riposo" est un chef-d'œuvre d'une beauté extraordinaire et d'une immédiateté communicative exceptionnelle du jeune Caravage, datable de 1597. La composition est divisée de manière absolument originale par la figure du bel ange de dos aux grandes ailes d'hirondelle noire, jouant du violon . A droite, entourée d'une végétation luxuriante, la Madone endormie avec l'Enfant dans ses bras. Tous deux sont dépeints de manière idéalisée et la beauté de leurs traits contraste avec le rendu naturaliste de saint Joseph qui, bien que submergé par la fatigue, est kidnappé par l'apparition de l'ange et se prête à soutenir la partition. Les notes de la partition font suite à un motet écrit en 1519 par le compositeur flamand Noel Bauldwijn sur un texte tiré du Cantique des Cantiques et dédié à la Vierge.

La magnifique œuvre remonte au début du XVIIe siècle et le thème est l'un des plus reproduits par le Caravage. Le jeune saint est représenté embrassant fraternellement un bélier, représentant peut-être le sacrifice du Christ, assis sur une tunique rouge et une peau de chameau, symboles du Sauveur et du Baptiste lui-même. Au pied de la figure est représenté l'if imberbe, dont les vertus médicinales sont connues depuis l'Antiquité. Enfin, la parenté de l'œuvre avec les nus de Michel-Ange de la Chapelle Sixtine, dont Caravage était un admirateur, est soulignée depuis un certain temps.

Représentée dans un décor sans fioritures et assise sur une chaise basse, comme écrasée par le tir d'en haut, avec un seul rayon de lumière qui traverse la toile, une fille au teint pâle et aux longs cheveux auburn, ses mains doucement posées sur elle genoux et le visage baissé, elle pleure de douleur et une seule larme claire coule de son œil droit à moitié fermé. Le tableau remonte à la première activité romaine du Caravage (1597) et représente la pécheresse qui vient de renoncer à sa vie mondaine passée, abandonnant un collier de perles et de bijoux sur le sol avec le pot d'onguent, son attribut caractéristique.

Dans ce premier chef-d'œuvre de Titien, daté de 1515, la scène est teintée de lyrismes raffinés et sensuels et représente Salomé accompagnée de la servante qui soutient le plateau sur lequel repose la tête du Baptiste, dans lequel un autoportrait de l'auteur a été reconnu . .

C'est la pièce la plus importante de la collection et de loin le chef-d'œuvre de l'art du portrait au XVIIe siècle. Il dépeint Giovanni Battista Pamphilj, pape de 1644 à 1655, avec réalisme et sans cacher la rudesse de ses traits. Velázquez, peintre de la cour d'Espagne, l'a probablement peint entre fin 1649 et janvier 1650 et le tableau a plu à Innocent X et à ses contemporains, comme en témoignent de nombreuses copies anciennes du chef-d'œuvre, dont la remarquable puissance expressive a impressionné les artistes de toutes les époques. .

Il s'agit de la "Casta Susanna avec les deux vieillards" sur un panneau d'Annibale Carracci, peint en 1604 et décrit par Bellori (1672). La haute qualité de la peinture de Carracci, exécutée sur une surface lisse, et l'iconographie raffinée ont influencé les contemporains.

La scène, avec le travail de l'or fin et l'accentuation des valeurs linéaires du dessin et du contour élégant, montre le moment précis où la Vierge rencontre l'Ange Gabriel. L'Ange a une main sur sa poitrine en signe de salutation, tandis que dans le ciel on peut voir les mains de Dieu qui font descendre la colombe, symbole du Saint-Esprit. Le panneau, dans d'excellentes conditions de conservation, est certainement un autographe du maître florentin réalisé entre 1445 et 1450.

Le portrait papal a été peint par le maître peu avant le grand Jubilé de 1650. Malgré le ton vaguement héroïque avec lequel la physionomie du pontife est capturée, Bernini ne renonce pas à la vivacité et à l'expressivité, même dans l'idéalisation du personnage représenté. La maîtrise de la technique du grand sculpteur se manifeste dans le pli de la mozzetta et dans le mouvement des boutons, qui allègent l'immobilité du buste.

L'épisode sacré est relégué au second plan, comme dans de nombreuses œuvres flamandes et hollandaises de l'époque, avec les minuscules figurines d'Adam et Eve dépeintes au moment de la tentation, tandis que l'encyclopédie animalière d'Eden domine la scène, admirablement représentée. L'exécution, signée et datée 1612, est très fine et a certainement été réalisée à l'aide de loupes : les détails infinis sont en effet parfaitement décrits, poussant à l'extrême les possibilités offertes par la surface lisse du cuivre.

Le panneau porte la signature, le nom du sujet du portrait et la date de 1529. D'excellente qualité exécutive, c'est l'une des œuvres les plus connues du grand artiste hollandais, qui fut parmi les premiers à voyager en Italie. De retour à Utrecht, il vit avec la jeune femme au sourire à peine esquissé. C'est un exemple rare de portrait réel d'une femme artiste et pour cette raison il a eu un large écho dans la littérature spécialisée.

Memling était un superbe portraitiste, protagoniste absolu de la Renaissance flamande, et ce très beau "Compianto" appartient à sa maturité. A droite est agenouillé le donateur, personnage non identifié à ce jour, qui devait commander le tableau. Diversement datée de la VIIIe/IXe décennie du XVe siècle, l'œuvre sur bois de chêne est très bien conservée.

Peint à Rome entre 1604 et 1613 pour le cardinal Pietro Aldobrandini, c'est l'élément principal de la soi-disant "Lunette Aldobrandini", grâce à laquelle le genre du paysage en peinture s'est établi. En fait, c'était une nouveauté que des thèmes sacrés aient été placés sur des fonds naturels pour décorer une chapelle et pour cette raison, l'œuvre a été un exemple et une inspiration pour des générations de peintres.

Le superbe tableau, qui date de 1604, a été acheté à Paris par Camillo Pamphilj en 1654. Il dépeint avec des couleurs vives et la description méticuleuse des nombreux détails et micro scènes de la Vierge assise dans un paysage, plein de fleurs et d'animaux, et sur ses genoux l'Enfant qui tient des fleurs dans ses mains; plus loin en arrière Saint-Joseph au bâton et scènes bucoliques.

Le panneau, datable du début du XVIIe siècle, représente un village flamand en hiver enveloppé d'une atmosphère brumeuse et jaunâtre. La vue se perd au loin vers un village lointain, à peine visible, enveloppé de brume. Il y est décrit un aperçu de la vie quotidienne avec les habitants représentés au centre alors qu'ils s'amusent à patiner sur la rivière gelée. A droite, au milieu d'une clairière, un piège à oiseaux est installé, peut-être dans un but moralisateur.

Ce célèbre buste représente la belle-sœur déterminée et ambitieuse du pape Innocent X Pamphilj et a certainement été achevé vers 1650. Le portrait est l'un des plus hauts exemples de la sculpture romaine du milieu du XVIIe siècle. D'un rendu physionomique extraordinaire, le visage montre les pommettes imposantes et le menton résolu de la puissante noble, tandis que le sommet de la virtuosité formelle est atteint dans le rendu du fin voile de veuve qui se gonfle d'air derrière la tête.