La peinture fait partie de la période au cours de laquelle l'artiste entreprend un changement décisif dans sa carrière, lorsque, s'éloignant de la peinture figurative, il commence à expérimenter un style géométrique abstrait qui conduit à la naissance d'un vocabulaire personnel de formes, telles que le peigne ou la fourchette irrégulier typique.

« Il peut sembler contradictoire, pour moi, d'accepter de superposer un thème donné à l'ordre de recherche (apparemment isolé) que je poursuivais depuis un an : le thème « travail ». La contradiction n'était qu'extérieure, et le thème, au contraire, tombait opportun pour mon intuition fondamentale. Pas le mythe, mais l'essence même de l'œuvre. Cependant, je dois souligner que toute traduction verbale est par nature impropre et générique. Et j'aurais presque refusé de le faire, s'il ne m'avait été nécessaire de le déclarer : ce n'aura pas été l'un des profits les moins significatifs de nos années troublées que nous soyons venus, lentement, mais adéquatement, resserrer ce noyau dans le sentiment graphique le plus féroce et ineffable qui était destiné et peut-être promis à nos processus de conception ". (C.Capogrossi, 1950)

Textes : Lorenza Montanari, Martina Neri - Unité des Musées de la Municipalité de Forlì

De Chirico aborde ici un sujet de mythologie classique. Vulcain, dieu du feu, est représenté dans sa forge avec ses aides, déterminé à forger des armes pour les dieux et les héros. La nudité plastique des corps violemment clairs-obscurs est saisissante.

« Dans ma peinture, j'ai essayé de m'en tenir aux systèmes classiques de composition et de clair-obscur. Je me suis principalement inspiré de Rubens et Velasquez, essayant de concentrer la plus grande lumière au centre du tableau et d'équilibrer les mouvements des personnages et les lignes de la composition afin de former un ensemble harmonieux et monumental à la fois. J'ai aussi recherché la préciosité du matériau ; c'est-à-dire, en plus de la qualité intrinsèque due au type de substances oléo-résineuses utilisées, également ces caractéristiques particulières de transparence, de luminosité interne, d'unités de mélange, qui ont toujours été l'apanage des grands peintres anciens et dont aujourd'hui même la mémoire a été perdue. Ce n'est qu'ainsi que la peinture pourra être ramenée au niveau de « l'art véritable » ». (G. de Chirico, 1949)

Textes : Lorenza Montanari, Martina Neri - Unité des Musées de la Municipalité de Forlì

L'artiste représente deux maçons engagés dans la construction d'une maison, témoignant de l'importance du travail comme moyen de reconstruction après la période tragique de la Seconde Guerre mondiale.

« En commençant mon travail, j'ai tout de suite senti que pour créer le sujet tel que je le décrivais, je devais m'appuyer davantage sur l'imagination que sur le modèle. Selon mon intention, les deux figures devaient donner au mouvement général de la composition ce dynamisme des masses que me suggérait le contenu même du sujet ; c'est-à-dire la représentation, l'action et l'attitude. Quant au côté constructif, il m'a tout de suite semblé nécessaire de placer les deux figures sur la diagonale, qui est l'angle qui pourrait le mieux exprimer la gravitation des corps sans perdre la clarté naturelle, car je pense que cela a aussi de la valeur dans le travail de art. Tout cela, bien sûr, doit être compris comme visant à atteindre "l'humanité du sujet". (C. Carrà, 1949)

Textes : Lorenza Montanari, Martina Neri - Unité muséale de la Municipalité de Forlì

Guttuso à travers la représentation d'hommes et de femmes protagonistes de la réalité quotidienne, lance son cri personnel de dénonciation envers les grands enjeux sociaux, comme dans ce travail avec Sicilian Labourer.

"Le tableau de la collection Verzocchi appartient à une série de peintures que j'ai réalisées en 1948 et 1949, dans lesquelles j'ai essayé de connaître et d'exprimer certains aspects de la vie et des luttes des travailleurs du sud. De cette réalité j'essaie d'exprimer tout le mouvement, les énergies, le développement. C'est dans ce sens que s'effectue mon travail actuel. Au-delà (si possible) des discours séparés du contenu et de la forme, du contenu et du sujet, du sujet et du langage. Des discours qui m'apparaissent de plus en plus comme dépourvus de bon sens ». (R. Guttuso, 1949)

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À l'intérieur du Palazzo Romagnoli se trouve une précieuse collection donnée par Ada et Arturo Righini dédiée à l'œuvre de Giorgio Morandi, composée de trois peintures et de six gravures. "Pot de fleur. Il Papavero "représente l'un des chapitres les plus élevés du" dernier Morandi ", avec des points de synthèse incroyables en termes de volume et de luminosité. Ici la peinture de Morandi est désormais élancée et le signe est fin, presque graphique. La toile apparaît rayée et les gammes de couleurs sont réduites.

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Dans le travail de Depero, la dureté, l'énergie et une abstraction métallique sont capturées. Dans les années où il a réalisé cette œuvre, le style de Depero semble être entouré d'une aura magique, à la frontière entre le futurisme et le réalisme magique, caractérisé par une grande attention au design et à la vivacité et à la brillance des couleurs.

« Deux symboles du travail : le lourd, à l'intérieur des feux de cheminée, entre les bombes et les perspectives métalliques la première ; la seconde est aérienne, presque magique (femme attentive au métier à tisser, sous une lumière émeraude). En plus d'illustrer deux signes contrastés, j'ai voulu souligner les intentions privilégiées : "style" et "caractère". Intention qui devrait essentiellement intéresser l'artiste. Le design, la couleur, la forme sont des éléments techniques ; après eux "style" et "caractère". La réalité est matière, abstraction. C'est-à-dire : thème ou sujet, compris, interprété, stylisé et exprimé avec intelligence et génie ; avec cerveau et humeur, comme l'a justement précisé Verzocchi ». (F.Depero, 1949)

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Le tableau a été offert par l'auteur au "Cenacolo Artistico Forlivese", une association fondée en 1920 par le peintre Giovanni Marchini. La décomposition des figures, l'interprétation des volumes, la diffraction des sources lumineuses et plus encore le sentiment d'agitation et d'excitation dénoncent la pure matrice futuriste de ce splendide portrait de groupe de Giacomo Balla.

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L'art d'Emilio Vedova est abstrait et apparemment éloigné du « signifiant réel. » En ce sens, l'œuvre Interno di Fabbrica est significative, où le schématisme et l'enchevêtrement des pleins et des vides, des masses noires et blanches renvoient moins au lieu physique , mais au lieu mental, à la confusion sociale qui tourne autour du système industriel (D'Amico, 2011).

« Comment trouver des mots compréhensibles pour tous, pour expliquer cet état préliminaire, qui se rapproche presque de la clairvoyance, dans lequel naît le premier avertissement d'une image ? Commenter un tableau, c'est pour le critique ; un artiste s'exprime le mieux dans la forme et la couleur, et c'est à travers les formes et les couleurs qu'il voit la vie intérieure des choses. Il y a une sensibilité géométrique aussi bien qu'une sensibilité organique. Donc on peut vibrer autant devant un nu que devant une machine. Chaque objet peut être un motif de découverte et une source d'émotion. Certaines peintures constructivistes doivent être comprises non pas comme une simple illustration mécaniste, mais plutôt comme la réaction intense et émotionnelle devant une machine, vécue par l'artiste avec un sens spécifique de la forme géométrique ». (E. Vedova, 1949-1950)

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L'œuvre a été donnée à la ville de Forlì par Raniero Paulucci di Calboli en 1931, avec six autres sculptures du même auteur. Le Masque de la douleur est la première œuvre créée par Wildt après la grave crise existentielle qui le frappe en 1906 et qui ne prend fin que trois ans plus tard. Les trois croix gravées sur la plaque inférieure font allusion à ces trois années de douleur. Le visage profondément enfoncé, aux orbites vides et à la bouche entrouverte, exprime le pur désespoir.

Textes : Lorenza Montanari, Martina Neri - Unité muséale de la Municipalité de Forlì

L'œuvre de Sironi fut l'une des plus appréciées par Verzocchi et les critiques. L'artiste a exprimé sa poétique de manière magistrale, créant une composition à trois compartiments aux poids équilibrés et jouée sur une gamme chromatique terreuse qui fait symboliquement référence à l'argile de la brique que travaille l'homme en haut à gauche (Marullo, 2003 ) .

« On me demande un commentaire à… moi-même. Dans ma peinture, tout me semble assez clair même si une certaine logique de cette représentation n'est pas habituelle. Traduire ma peinture en termes critiques ? C'est un mal tout italien. Le critique fait semblant de prendre un tableau, de le mettre dans un alambic, de le chauffer, de le manipuler, et d'en faire un composé souvent vert pourri ou violet livide. L'ensemble, placé dans la bouteille, en enfilade avec d'autres sur une étagère, c'est le tableau. Il suffit de boire à la bouteille et la peinture est vue et appréciée. Cela sera utile à beaucoup, mais cela ne plaît pas à certains peintres qui ne peuvent pas apprécier les produits synthétiques et tiennent lieu de chair et d'os dont ils sont faits ». (M. Sironi, 1949-1950)

Textes : Lorenza Montanari, Martina Neri - Unité des Musées de la Municipalité de Forlì