A veces ciertos proyectos parecen brotar de los mismos lugares o edificios que convocan, con energías sutiles e imperceptibles, a personas proclives a realizarlos.

Y cuando las ideas se materializan en poco tiempo, de forma natural y fluida, con mayor razón parece que hay algo predestinado por el destino o elegido a priori por el propio lugar.

Blooming nació bajo una coyuntura astral favorable que permitió que todas las personas involucradas en la realización de la obra trabajaran con una armonía de propósitos que pertenece solo a las empresas más exitosas. […] Es ante todo una obra de arte, pero que también ofrece una mayor percepción sensorial, pudiendo formar parte de ella: definirlo como un patio de recreo es quedarse corto. Poder tocar, pisar o acostarse sobre extensiones enteras de color ofrece una experiencia directa, diferente y atractiva de interacción entre el arte y el individuo, pero no solo.

Editado por Francesca Canfora

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El proyecto de iluminación del artista del colectivo DMAV , que forma parte de la serie de obras creadas para espacios públicos (Doublin' en Trieste, Innumera en Aquileia, Living Bodies en Udine), es un acto de amor hacia el abigarrado mundo de las culturas subterráneas.

El contacto con las raíces, la sensación del peso de nuestros pasos sobre la tierra desnuda pero también la libertad absoluta y arriesgada en seguir nuestras inclinaciones, en busca de un sagrado que arraiga en este mundo. Y es la naturaleza del underground, en estos tiempos de aceleraciones y saltos de fronteras, acompañar la multiplicación de sonidos y señales como si fuera una posibilidad siempre actualizada. Provocar lo sagrado en la alternativa y en la resistencia estética es también una forma de redescubrir la polaridad esencial que subyace en la relación entre las civilizaciones y el fondo que las sustenta. Las pulsaciones de las luces de neón resaltan este vínculo : el otro lugar del subterráneo está siempre presente, como un espacio sagrado de reencantamiento , en el aquí y ahora. Redescubriendo la relación con las tradiciones clandestinas de las culturas alternativas, DMAV ha creado una pulsación de luz roja y sangrienta: las palabras bajo | sagrado | El suelo se alterna creando un mensaje de luz y vidrio que encaja en el paisaje.

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Toda la obra de Daniel González se centra en el rito de la celebración , entendido antropológicamente como práctica colectiva y conjunto de valores y dispositivos simbólicos que son el denominador común de todas las sociedades en los distintos períodos históricos.

[...]

La dimensión de la fiesta escapa al dominio de lo racional y constituye un léxico universal : las inhibiciones caen, las actitudes cambian considerablemente para dejar lugar a una sensación de ligereza y libertad . Durante la celebración prevalece el sentimiento de vida grupal y comunitaria, desquiciando jerarquías y condiciones sociales y dando lugar a una situación colectiva de igualdad democrática, en la que las relaciones entre las personas se rigen simplemente por el instinto y la espontaneidad.

Los ritos de celebración encuentran su máxima expresión en la era barroca en las históricas máquinas de fiesta de Bernini, que idealmente inspiran las arquitecturas efímeras escenificadas por González en las diversas instalaciones site-specific creadas a escala internacional.

Parade Curtains es un proyecto concebido y creado especialmente para el complejo Cavallerizza , para celebrar la reapertura de este espacio y su reapropiación por parte de la comunidad.

Editado por Francesca Canfora y Laura Tota

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El trabajo de Francesco Convertini (alias Ciulicchio ) tiene como objeto la artesanía y el proceso creativo es en sí mismo una parte integral del producto artístico. El espíritu del posmodernismo se realiza meticulosamente en sus manos. La mesa, un objeto ampliamente difundido en la vida cotidiana, se convierte en un medio para romper la percepción estrecha y estereotipada del arte y, a través de la intervención de Ciulicchio, se transforma de un artefacto construido para cumplir plenamente sus funciones, pero esencialmente en bruto y sin ninguna virtud, a un objeto "valiente" y "audaz", listo para convertirse en una obra de arte.

“La mesa es la “cosa” que he construido varias veces: se puede desmontar, transportar y sin tornillos para las Refa' wks con Archistart; mamut y modular para Piero Percoco y Tormaresca durante Ph.Est 2021; modulares y con marquesina para el evento teambuilding de Edilportale, así como muchas otras tipologías para otros tantos clientes.

La mesa es el comienzo de toda gran idea . Incluso las grandes corporaciones como Amazon y Google surgieron de una simple mesa en un garaje; y yo, que quiero mantener algo de mi pragmatismo, empiezo construyendo una mesa. Una mesa ordinaria se convierte en el símbolo de mi revolución interior , una forma que expresa la voluntad de romper con los esquemas mentales habituales que comprometen mi plena libertad de imaginación y control.

De una mesa completamente funcional pero esencialmente cruda, sin ninguna virtud, pasamos a una mesa "valiente" y "audaz", lista para la evolución final en la tercera etapa que escenifica el ímpetu inherente a mi crecimiento artístico.”

Francesco A. Convertini

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La exposición, nacida en los viñedos de Locorotondo, comisariada por Laura Tota , se moverá bajo los soportales de la Cavallerizza del 2 al 6 de noviembre de 2022. No solo una exposición, sino un recuerdo querido y vivo de nuestro colega y amigo Ciulicchio, para el que había concebido el proyecto expositivo. Gracias a Pensiericorrenti Festival ya todo su equipo por hacer posible el paso del testigo.

En exhibición 5 autores: Pasquale Fanelli, Luca Marianaccio, Maria Mavropoulou, Franziska Ostermann, Luke Saxon .

“¿Cómo ha cambiado nuestra relación con el medio ambiente y cambia con el tiempo?

¿Puede haber una concepción y definición diferente del mismo a partir de nuestra relación más o menos mediatizada con lo que se define como externo al ser humano? ¿Y cómo cambia la consideración de nosotros mismos a partir de esta percepción? En una sociedad líquida donde prevalece el desempeño, el individualismo y la autoafirmación en detrimento del crecimiento comunitario, el compartir y la mayor duración de los bienes, el Medio Ambiente entendido como ecosistema se transforma en una mera tierra de explotación encaminada a la mera consecución de ganancias y productividad. objetivos. Más familiar que el entorno natural, se convierte en el virtual, un espacio intangible pero fuertemente caracterizado por un punto de vista identitario en el que cada individuo pasa la mayor parte de su tiempo y cultiva sus propias aptitudes y deseos. Un no-lugar (no tanto en el sentido de Marc Augé como más en su intangibilidad e inconsistencia impermanente) que es una proyección de su propia deseabilidad y una expresión de su propia tensión hacia el devenir.

El entorno real y el virtual representan los dos polos opuestos de un campo de juego, el de la conciencia, en el que se decide el destino de la permanencia terrenal del hombre. Ground Control, título inspirado en Major Tom de Space Oddity, pretende ser una investigación sobre la relación entre el Hombre, el Medio Ambiente y la Tecnología a través de la fotografía: el sentido actual de omnipotencia y control del Hombre sobre el Medio Ambiente derivado del progreso tecnológico y de su predominio y control sobre el tiempo, debe encender reflexiones sobre la contemporaneidad y el futuro de esta relación tan delicada que de un monólogo estéril debe volver a ser un diálogo.

Esta exposición está dedicada a Francesco Convertini, cuyo futuro terminó demasiado pronto. Ciulicchio, como todos lo llamamos, diseñó los escenarios de esta exposición y los hizo con nuestras manos. Su futuro hubiera sido brillante y brillante, y nos hubiera hecho a todos nosotros también a través de su inagotable genio y voluntad de vivir. En su cabeza no había pensamiento que no pudiera realizarse y siempre será así.

Hola Francesco, tus sueños están a salvo con nosotros.”

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Benedetto puede ser considerado uno de los escultores más versátiles y polifacéticos del mundo contemporáneo: la experimentación con materiales (piedras preciosas, bronce, cemento, resinas y siliconas), la combinación de técnicas plásticas y la mezcla de lenguaje realista y visionario nos permiten Abordan temas sociales espinosos y complejos, mostrando las contradicciones de la vida cotidiana con una mirada crítica intimista y original. Sus obras sugieren preguntas insolubles pero necesarias al observador, sondeando temas como la relación entre el hombre y el fetiche, el diálogo entre la edad adulta y la niñez, la alienación de la época actual y la represión sentimental de un momento histórico en el que, cada vez más peligrosamente, el objeto tiende a reemplazar al sujeto.

En la instalación site-specific creada para el Complesso della Cavallerizza, un hombre sube a la ventana del estudio del artista, siempre en equilibrio pero firmemente anclado.

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Pies en el suelo, cabeza Entre las nubes es un diálogo entre el arte y la arquitectura que, gracias a su carácter inmersivo, hace que las personas se detengan y miren hacia arriba , suscitando una sensación de desorientación y novedad, a través de la mirada de Francesco. El estudio de la simetría y la valorización del espacio se aplican a los huecos de escalera caracterizando la singularidad del proyecto.

"Cuando entras en una habitación, esperas ver una obra de arte en las paredes o en el suelo, miras a tu alrededor y nunca levantas la cabeza. Quiero ver las expresiones de las personas cuando miran hacia arriba". Ciulicchio

Una producción de Paratissima y Archistart Studio

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Instrucciones para el uso del tiempo presente es una obra de Chaos, nacido Dario Pruonto, comisariada por Stefania Dubla y creada colectivamente por el artista del tercer ciclo de Paratissima Factory, el Non Collective, por el personal de Paratissima y personas cercanas a Francesco Convertini. , más conocido como Ciulicchio. De hecho, la frase escrita en anamórfico en las paredes del tercer piso de la Artillería está dedicada a él, arquigio, artista y miembro del personal de Paratissima, fallecido prematuramente en junio de 2022. La obra, que se desarrolla a lo largo del pasillo, de más de 30 metros de largo , presidida por los talleres de los diez artistas residentes, es una escritura anamórfica que cita una canción de Mario Venuti, "Las obras maestras de Beethoven".

De hecho, al cruzar el pasillo, las letras se expanden en larguísimas tiras negras, cortando y al mismo tiempo conectando las puertas de los estudios del artista.

El trabajo te permite materialmente atravesar la oscuridad, perderte en ella, confundirte y luego detenerte a mirar de lejos. Desde ese punto lejano, y desde ese preciso punto de vista, las letras se recomponen en su totalidad y la frase adquiere legibilidad. Un efecto visual, que combinado con el sentido de las palabras, nos recuerda que el dolor, por más oscurecedor que sea, si se mira desde cierta perspectiva, nos reconecta con la belleza del presente. “En la oscuridad hay una sensación de luz” .

Editado por Stefania Dubla

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