Die Mitteltafel des Triptychons ist eine Kopie mit kleinen Variationen eines heute in Berlin befindlichen Werks von Memling. Auch die Seitentüren, die auf andere Gemälde von ihm zurückgehen, scheinen auf den Stil des Meisters zu verweisen. Das Werk kann daher einem anonymen Meister aus Brügge aus dem ersten und zweiten Jahrzehnt des 16. Jahrhunderts zugeordnet werden: Tatsächlich ist es von einer gewissen Archaik geprägt, die sich in der geschlossenen und statischen Wiedergabe der Formen zeigt.

Das Salvator-Mundi-Thema, das im 15. und 16. Jahrhundert in der westlichen Ikonographie eine Konstante war, wird hier mit einer Anspielung auf die byzantinische Ableitung interpretiert, die El Greco mithilft, in den Westen zu bringen. Die Christusfigur stammt wahrscheinlich aus dem in Oviedo aufbewahrten Apostolado, einer Gemäldeserie, die ursprünglich die zwölf Apostel und den Erlöser umfasste und in der Oviedo-Serie fehlt. Der Christus der Erlöser, der nach lateinischer Geste mit erhobener rechter Hand segnet und die linke ruhend auf der Erdkugel hält, bezieht sich dank der frontalen Anordnung, des tiefen Blicks und der Rautenform auf die Tradition der byzantinischen Ikonen der leuchtende Heiligenschein, der den Kopf umgibt.

Das 1644 datierte Werk ist, wie auf der Pergamentrolle in der rechten Hand des Mathematikers zu lesen ist, auf Ribera zurückzuführen, da es mit anderen Werken des Malers assimiliert werden kann, die Halbfiguren von Philosophen, Heiligen und Bettlern in ähnlicher Darstellung zeigen frontal mit den relativen Attributen im Vordergrund. Charakteristisch für den Autor ist vielmehr die hohe Ausdrucksintensität, die durch den expliziten Realismus von Details wie Gesichtsfalten und die gekonnte Wiedergabe von Bart und Haar gegeben ist.

Luigi Parmeggiani, mit grauem Haar und Schnurrbart und einem gelassenen Gesichtsausdruck, sitzt in der Mitte eines Raumes, umgeben von den Gegenständen, die sein Antiquitätengeschäft geprägt haben. Zum Zeitpunkt des Gemäldes ist Parmeggiani jedoch 41 Jahre alt und dem Porträt weit entfernt. Das Gemälde und die Signatur sind jedoch authentisch, und dies erzeugt einen Widerspruch. Das Rätsel wird wohl durch die Zahlungsaufforderung eines Reggio-Malers gelüftet, der in den 1930er Jahren vielleicht den Auftrag erhielt, anstelle einer bereits existierenden Figur einen älteren Parmeggiani einzufügen. Bei sorgfältiger Betrachtung des Gemäldes sind tatsächlich rund um den sitzenden Mann Anzeichen von Abkratzungen des Bildmaterials und offensichtlich neue Farbschichten zu erkennen.

Der Begriff „Andrienne“, der sich ursprünglich auf eine Theateraufführung bezog, bezeichnet ein Kleid mit einer bequemen und weichen Linie, das ursprünglich im häuslichen Umfeld verwendet wurde. Später setzte sich dieses Modell auch bei offiziellen Anlässen durch und kam sehr in Mode. Auch dieses Modell zeichnet sich durch einen großen Rückeneinsatz aus, der durch eingenähte Falten auf Schulterhöhe gehalten wird. Der Stoff hat ein vertikales Design mit wellenförmigen elfenbeinfarbenen Trieben mit blauen, lila und rosa Rosen. Entlang der vorderen Öffnung befinden sich zwei Bänder aus demselben Stoff, die von einem Seidenband profiliert werden und sich um den Ausschnitt fortsetzen.

Der Anzug ist ein wichtiges Beispiel für die Männerkleidung des 17. Jahrhunderts. Es besteht aus einer eng anliegenden Jacke und einer Kniebundhose, ergänzt durch gestrickte Seidensocken, Lederschuhe, Handschuhe und eine Ledermütze. Das Kleid aus purpurrotem Seidensatin mit Lederapplikationen ist mit einem symmetrischen Rautendekor verziert, in das stilisierte Blumen, vielleicht Nelken, gestickt sind. Die kurze, sehr runde Form kennzeichnete eine Art von Kleidung, die seit den siebziger Jahren des 16. Jahrhunderts am Hof und im Bereich des spanischen Einflusses sehr verbreitet war.