Die große Wandzeichnung, die der englische Künstler David Tremlett Ende 2018 in einem Rückansichtsraum in der noblen Etage des Palazzo Butera ausgeführt hat. Ab den 1980er Jahren werden Tremletts pastellfarbene Wandzeichnungen zum wichtigsten Ausdrucksmittel des Künstlers: groß geometrisch Designs auf architektonischen Oberflächen. In seinen Werken mit ökologischen Ausmaßen wird das Pigment direkt mit den Händen auf die Wände aufgetragen. Im Palazzo Butera konfrontiert sich Tremlett mit den Fresken aus dem 18. Jahrhundert von Fumagalli und Martorana und interpretiert das Thema der Quadratur und des perspektivischen Durchbruchs in einer zeitgenössischen Tonart neu.

Berühmt ist Antonio Corradini (1668-1752) vor allem für seine verschleierten Skulpturen, wie den toten Christus in der Kapelle San Severo in Neapel, der von Giuseppe Sammartino nach einer Skizze von Corradini geschaffen wurde. Der venezianische Bildhauer hat eine vollwertige europäische Karriere hinter sich: Seine Werke sind über Korfu, Lissabon und Wien verstreut. Die Spiegel aus der Valsecchi-Sammlung wurden von 2016 bis 2018 im Fitzwilliam Museum ausgestellt und sind nun im ersten Stock des Palazzo Butera ausgestellt. Der Kopf und die Figuren mit Trompeten erinnern an eine goldonische Karnevalsatmosphäre, während Verweise auf die Welt der Chinoiserie wie die Pagode von klassischen Motiven wie Pilastern oder Rokoko flankiert werden.

Ein bronzenes Auge, das sich auf seinen eigenen Riss stützt: Von der Mitte der Pupille sinkt die Flüssigkeit auf den Boden, wo sie eine Stützbasis bildet. Im Wurzelraum des Palazzo Butera scheint diese Arbeit fast den mit Majolika verkleideten Kanal auszustrahlen, in den die Jacaranda-Wurzel eingeführt wurde. Während ihrer künstlerischen Karriere haben Anne und Patrick Poirier eine Poetik entwickelt, die auf der Zerbrechlichkeit des menschlichen Gedächtnisses basiert. Gefeiert durch die jüngsten Retrospektiven (Paris, Maison Européenne de la Photographie, 2017; Rom, Villa Medici, 2018), kreuzte der Poirier-Pfad Archäologie und Renaissancegärten. Die mögliche Zerstörung von Zivilisationen durch Kriege ist zu einem Fixpunkt ihres Blicks geworden. Und das weinende Auge ist der Ort, an dem sich die Zeit einprägt und zur Erinnerung wird.

Im November 1850 war Augustus Pugin (1812-1852) voll mit den Entwürfen für das neue englische Parlament in Westminster beschäftigt. Seit mindestens sechs Jahren gibt es Gerüchte darüber, wer die wahre Seele des Projekts zwischen den beiden Architekten ist, ob der berühmte Charles Barry (1795-1860) oder sein junger Assistent Pugin, der bereits 1845 das Bedürfnis verspürte öffentlich seine Unterordnung unter Mr. Barry zu erklären. Pugins Zeichnung für diese Stühle, die im Victoria & Albert Museum (E.1501-1912) aufbewahrt wird, wird von zahlreichen Hinweisen auf den Schreiner John Gregory Crace begleitet, der das Projekt aller Wahrscheinlichkeit nach gewissenhaft durchgeführt hat. Die Stühle sind für das House of Commons konzipiert, wie Pugin im Text erklärt: „Mr. Barry will einen Pattern Chair für die Commons-Lobbys. Seine Idee ist ein leichter, aber stark abgeschrägter Stuhl wie die obige Skizze, der mit grünem Leder bezogen ist. Der Tod von Pugin im Alter von vierzig Jahren wird dafür sorgen, dass die Vorsitzenden des House of Commons zu seinen letzten Werken gehören. Sein allumfassender Designansatz, der von gotischen Designs und Prinzipien inspiriert ist, wird ein zentraler Ausgangspunkt für das englische Design und die Moderne des 19. Jahrhunderts sein.

Diese beiden Girandolen wurden von einem großen Goldschmied nach einem Entwurf von Giocondo Albertolli gefertigt, einem Tessiner Architekten, der im klassizistischen Mailand beispiellosen Erfolg hatte. Der Entwurf für diese Girandolen wurde 1787 in dem Band Some Decorations of Nobili Sale and other Ornaments veröffentlicht und bezeugt, dass sie für die Seitenrahmen eines Spiegels im Karyatidensaal des Palazzo Reale in Mailand bestimmt waren, der während des Zweiten Weltkriegs schwer beschädigt wurde . Einige Jahre zuvor hatte Albertolli mit Luigi Valadier zusammengearbeitet, um die Bronzen im Palazzo Greppi herzustellen, und die Möglichkeit, dass der Schöpfer dieser Einrichtungsgegenstände ausgerechnet der römische Goldschmied ist, kann nicht ausgeschlossen werden.

Imago ist ein Werk in sieben Teilen. Die Matrix – eine dünne und leichte Sperrholzplatte – wird graviert, um eine Mischung aus Vinavil und Vaseline aufzunehmen, die dann sechsmal auf die anderen weißen Quadrate gedruckt wird. In einem kritischen Text von 1997 schrieb Ferretti über Imago: „Die Ausarbeitung ist vielleicht der einzige Fall in Bezug auf den Raum, in dem sich die sieben Werke befinden würden. Einzigartigkeit der Botschaft (oder des Referenten) und Komplexität der Lösungen in der kontinuierlichen Variation des Identischen. Das Wort, das zum Bild wird und in der Reflexion auf das Davor, auf den Gedanken des Betrachters zurückführt». Imago wurde erstmals 1997 in der Galerie Massimo Valsecchi in Mailand ausgestellt. Die Matrix wurde in der Rückwand freigelegt und die sechs Leinwände wurden von den am besten lesbaren zu denen angeordnet, wo das Wort sein materielles Relief verliert. Seit April 2019 wird Imago an einer einzigen Wand in einer großen Galerie im Erdgeschoss des Palazzo Butera ausgestellt.

Die Zusammenarbeit zwischen Viviano Codazzi aus Bergamo, einem Spezialisten für Ruinen, der wahrscheinlich 1634 in Neapel ankam, und dem Figurenmaler Domenico Gargiulo hatte einen gewissen Erfolg, so dass sie in der anerkanntesten Quelle der neapolitanischen Malerei des 17. Jahrhunderts erwähnt wurde , wie das Leben von Bernardo De Dominici. Das Valsecchi-Gemälde stellt einen Gladiatorenkampf dar. Die Zuschauer sind in zwei Arkaden angeordnet, inspiriert von der Architektur des antiken Roms, interpretiert nach bereits barocken Hinweisen. Das Hinterhaus hingegen erinnert an das Pantheon, aber der interessanteste Aspekt des Gemäldes ist die Hintergrundlandschaft, fast ein Gemälde im Gemälde, das mit Poussins römischer Malerei verbunden ist.

Nella Cavallerizza di Palazzo Butera, esposto un dipinto di Tom Phillips, "Berlin Wall with German Grass and Skyes, II", del 1973. Si tratta di un quadro politico: il Muro di Berlino esisteva da dodici anni, ma all'epoca non circolavano immagini della barricata che divideva la città. Le cartoline tedesche di allora, sia ad Est che ad Ovest, mostravano invece prati e cieli azzurri. „Am Tag nach meiner Heirat bauten die Ostdeutschen eine Mauer durch Berlin, mit vorgefertigten Betonplatten, die die Seitenwände von Arbeiterwohnungen hätten werden sollen. Ich habe die Mauer 1971, zehn Jahre später, zum ersten Mal gesehen und bin extra noch einmal hingegangen letzten Dezember zu sehen, bevor ich mit der Arbeit an den Bildern beginne. Es gibt keine allgemein zugänglichen Bilder von der ostdeutschen Seite, und mein Bild zeigt daher nur Fragmente der Struktur, die von Westen gesehen werden (wie es schließlich angemessen ist): die andere Seite ist nicht drin jedenfalls „Die Berliner Mauer“, sondern „die antifaschistische Wehrmauer“ (jetzt wärmer bezeichnet als „Staatsgrenze der DDR in Berlin“) Gras und Himmel hingegen kommen frei auf Postkarten vor, die sowohl in West- als auch in Ostdeutschland hergestellt wurden. Manche Stellen haben Assoziationen: z.B. zeigt einer der Abschnitte Gras aus Goethes Garten, das meine Frau in Postkartenform aus der DDR mitgebracht hat).[..]. Abgesehen von offensichtlichen Ironien bin ich mir nicht ganz sicher, wie sich das Bild jetzt zu dem verhält Wand, seine Quelle.Sie stellt sicherlich das wa dar y Ich sehe und verstehe dieses Phänomen.“ Tom Phillips. Werktexte bis 1974.

Während der Restaurierungsarbeiten am Gebäude wurde die Wurzel der großen Jacaranda im Innenhof entdeckt, die in einem Abflusskanal für Regenwasser gewachsen war und mit Majolika aus dem 18. und 19. Jahrhundert bedeckt war. Im Laufe der Jahre hat sich die Wurzel auf der Suche nach Wasser in den Kanal verzweigt. Sein Wachstum ist ein Beweis für Pflanzenintelligenz: Die Wurzel wird dünner, wo sie kein Wasser findet und wächst in Richtung Brunnen.

Das Werk von Frans Floris gehört zu den rätselhaftesten in der Valsecchi-Sammlung. Die Tafel ist beidseitig bemalt: Auf der sichtbaren Seite porträtierte sich der flämische Maler zusammen mit William Key, einem Studienkollegen der Académie Lombard in Lüttich, und drei römischen Kaisern: Titus, Caio und Vitellius. Die fünf Männer sind aber auch „Kenner“ der Antike: Sie öffnen eine Kiste mit Fragmenten römischer Skulpturen wie der Medici-Venus oder dem Pferdekopf. Ein im Rahmen noch vorhandener Mechanismus ermöglichte es, den Tisch umzudrehen und die Rückseite zu sehen: Hier scheint ein Kampf der älteren Menschen von den Drucken inspiriert zu sein, die den Fresken von Rosso Fiorentino in Fontainebleau entnommen wurden. Floris war 1535 in Rom und in Lüttich unter der Führung von Lambert Lombard der vielversprechendste der flämischen „jungen Rebellen“, die an eine Erneuerung der Malerei auf der Grundlage des Austauschs mit der Antike glaubten. Dieser entfernte Dialog mit der römischen Welt, in dem sich Antike und Gegenwart glücklich überschneiden, wird jetzt in der Bibliothek des Palazzo Butera in einer von Giovanni Cappelletti entworfenen Installation ausgestellt, die es Ihnen ermöglicht, beide Seiten des Werks zu sehen.