Die dargestellte Frau befindet sich im Zentrum der Leinwand, ihr Gesicht von durchdringender Intensität um drei Viertel verkürzt und mit selbstbewusstem Blick dem Betrachter zugewandt. Eine rote Rose an der Seite des Gesichts hebt den durchscheinenden Teint hervor. Die rechte Hand ruht auf dem von einem Triton gestützten Becken eines Barockbrunnens. Die zur Seite gesenkte linke Hand hält einen geschlossenen Fächer. Die prächtige Robe, die die Figur umhüllt, ist Teil eines komplexen Kleides im spanischen Stil, das Haar ist nach hinten gezogen und zu einem Chignon gerafft, der in eine Krone aus Diamanten und ein Bündel schwarzer Federn gehüllt ist. Die Frau ist Caterina Balbi Durazzo, gemalt von dem fünfundzwanzigjährigen Van Dyck, der in der Lage ist, die wesentlichen Eigenschaften der dargestellten Figur hervorzuheben und zu beweisen, dass sie die Lektion von Rubens, dessen Schüler er war, bereits in sich aufgenommen hat: die Lady behält, zusammen mit Elementen aristokratischer Vornehmheit, eine gewisse luftige und jugendliche Zärtlichkeit. Das Porträt gelangte 1689 in den Palast und hat seitdem die Residenz in der Via Balbi nie wieder verlassen.

Dieses Werk von tragischer Erhabenheit zeigt Christus am Kreuz vor einem fahlen Himmel und unterstreicht die trostlose Einsamkeit des Dramas seiner Hinrichtung und seines Todes. Ein kaltes Licht fällt auf den nackten Körper und den großen barocken Vorhang, der sich um seine Taille legt und sich windet, als würde er vom Wind geschüttelt. Er lebt noch, sein leidendes, blutverschmiertes Gesicht ist dem Himmel zugewandt. Blut fließt auch aus den Wunden der Handgelenke und Füße. Lichtblitze umgeben den dornenbekrönten Kopf. Am Himmel sieht man die von Lukas in seinem Evangelium beschriebene Sonnenfinsternis. Die felsige und kahle Landschaft, die das Kreuz umgibt und sich in der Dunkelheit des Hintergrunds verliert, drückt die dramatische Dimension aus, in der sich die schmerzhafte Emotionalität Christi bricht. Das Gemälde wurde 1821 von Carlo Felice erworben. Die Zuschreibung an den flämischen Künstler wurde nie diskutiert, im Gegenteil, einige Kritiker sind überzeugt, dass es das einzige erhaltene eigenhändige Kruzifix ist, das in den italienischen Jahren von Van Dick ausgeführt wurde.

San Lorenzo, einer der Genueser Schutzheiligen, wird mit großer Realitätskraft dargestellt, während er den Armen Almosen gibt, die Ursache seiner Verurteilung zum Tod auf dem Grill. Links ist Lorenzo, das junge Gesicht taucht kaum aus der Dunkelheit auf, die die Szene umgibt. Das Licht trifft ihn von hinten, hebt den breiten roten Satinärmel der Dalmatik hervor, die offene Hand, die auf dem Tisch ruht, den zarten Hals, das gerötete Ohr, den Heiligenschein. Vor dem Heiligen eine Gruppe von Bettlern: ein alter Mann mit weißem Bart, der die Kette eines Räuchergefäßes ergreift, eine Frau, die mit einem Stock steht, und daneben eine zweite Figur, die einen Kleiderbügel schwingt, ein kleines Mädchen mit gefaltetem Hände, die Lorenzo von unten betrachten. Alle tragen bescheidene Kleidung, aber sie haben Einstellungen und Eigenschaften menschlicher Gelassenheit und Würde. Auf dem Tisch im Vordergrund sind liturgische Gegenstände aufgestellt. Die Lichtquelle außerhalb des Gesichtsfeldes wird vom Künstler links vom Betrachter platziert: Sie trifft die Figuren heftig wie ein ins Dunkel gerichteter Scheinwerfer und erzeugt dabei metallische Blitze.

Die abgebildete junge Frau liest ein altes Buch und hebt sich vor einem neutralen, aber tiefen, atmosphärischen Hintergrund ab, ohne jegliches Settingdetail, wenn man am rechten Bildrand den Blick auf ein Fenster ausschließt, eine Anspielung auf das Licht Quelle, die daher außerhalb des Gesichtsfeldes bleibt. Der Band liegt auf einem Tisch, der mit einem grünen Tuch bedeckt ist, und die Frau hält ihre linke Hand mit einem versunkenen Ausdruck an ihrem Kinn, während sie ihren Ellbogen auf den Tisch stützt. Ein purpurfarbener Samtumhang mit blauer Manschette, der mit einer großen Brosche an der rechten Schulter befestigt ist, lässt die weiten Ärmel eines weißen Hemdes und eines orangefarbenen Gewandes unbedeckt. Ein improvisierter Turban bedeckt ihren Kopf. Die Frau, die die Eigenschaften der alten Zauberin, der Zigeunerin, der jungen einfachen Frau in sich vereint, ist die Sibylle Samia, wie die Inschrift auf dem Schnitt des Buches offenbart, die sie mit ihrer Hand an ihrer rechten Hüfte hält, eine der zwölf, die die westliche Kirche als Prophetinnen des Kommens Christi anerkennt, lebten um 700 v. auf der griechischen Insel Samos.

Proserpina, Tochter von Zeus und Demeter, pflückt mit ihren Gefährtinnen Blumen auf einer Wiese in der Ebene von Nisa auf Sizilien. Der Sohn des Kronos, Pluto, taucht plötzlich auf: Eros verliebte sich mit seinen Pfeilen in ihn und drängte ihn, das Mädchen zu entführen und sie mit seinem Streitwagen ins Jenseits zu schleppen, wo er sie heiraten wollte. In der Bildmitte packt Pluto die junge Göttin an der Taille, die versucht, sich aus dem mächtigen Griff zu befreien, und ihren rechten Arm hebt. Der Entführer, in rot-weiße Tücher gehüllt, aus denen der muskulöse Oberkörper und das rechte Bein hervortreten, trägt eine Krone auf dem Kopf und einen dichten Bart. Das Mädchen ist stattdessen in ein blaues Tuch und ein leichtes Seidenhemd gehüllt, das ihre Brüste fast vollständig unbedeckt lässt. Beide werden von einem goldenen Streitwagen getragen, der von zwei Pferden gezogen wird, die im Bild ganz rechts in einem feurigen Abgrund zu versinken scheinen. Die Szene spielt auf einer Lichtung und vier Mädchen sind Zuschauer, zwei sitzen im Vordergrund und zwei links unter den Ästen eines Baumes.

Die große Leinwand stellt eine der entscheidenden Episoden des Mythos von Perseus dar, dem Sohn von Zeus und Danae, der im fünften Buch von Ovids Metamorphosen erzählt wird und in dem er Andromeda, seine Frau, rettet. Die Frau war jedoch Phineus versprochen, der, um ihre Weigerung zu rächen, mit einem Heer von Kriegern in das Hochzeitsmahl platzt. Perseus, hier rechts dargestellt, verteidigt sich gegen Angriffe, indem er den Kopf der Gorgo Medusa freilegt, die Feinde mit ihren Augen versteinert. Vor ihm steht Phineus, der versucht, sich mit dem Schild zu schützen. Zu seinen Füßen sind einige seiner gefallenen Anhänger und im Hintergrund die verängstigten Gäste, die ihre Augen bedecken, um dem Zauber zu entgehen. Die imposante Komposition von Luca Giordano, signiert auf der ersten Stufe unten links, ist voll von szenografischen Erfindungen und theatralischen Effekten, wie die zwei Säulen in der Mitte der Szene, die mit einem dunkelroten Tuch umwickelt sind, das nützlich ist, um die zu teilen Szene.

Das ungewöhnliche Thema des von Engeln weinenden Christus ist, obwohl es in biblischen Texten nicht vorkommt, Teil der Andachtstradition der Pietà. Meistens sind es zwei Engel, die den Leib Jesu stützen und ihn dem Betrachter darbieten, oder sie lassen ihn, wie in diesem Fall, im Zentrum der Komposition und weinen herzlich. Die Szene ist nachtaktiv, der Ort ist das Grab des Nazareners. Hier dominiert das Kerzenlicht die gesamte Komposition, trifft mit Nachdruck den Hals und die Brust des Engels rechts und fließt weicher auf den Bauch Jesu, wobei es gleichzeitig im Fond verblasst und wärmt, mit einer natürlichen Wiedergabe beider Anatomien Details und der Vorhang im Vordergrund. Das Gemälde zeigt unverkennbare Zeichen des Stils von Gerrit von Honthorst, der zu Beginn seiner Karriere Rom besuchte, wo er den Werken italienischer Meister und insbesondere denen von Caravaggio begegnete.

Der Beitrag von Giovanni Luca Durazzo war ausschlaggebend für den Kauf des Gebäudes in der Via Balbi im Jahr 1679 durch seinen Bruder Eugenio. Unter den verschiedenen Ämtern im Dienst der Republik bekleidete Giovanni Luca zum zweiten Mal in den zwei Jahren von 1669 bis 1670 den des genuesischen Botschafters am päpstlichen Hof. Während dieses Aufenthalts in Rom fiel höchstwahrscheinlich die Ausführung des außergewöhnlichen Gemäldes des flämischen Malers, eines der bedeutendsten Porträtmaler des römischen Adels in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Der genuesische Patrizier trägt eine venezianische Spitzenkrawatte, ein schwarzes Jackett mit eleganten Spitzenfransen und eine Perücke aus braunen Locken, ganz nach dem Diktat der späten Mode Ludwigs XIV. Die durchdringende Lebendigkeit des Ausdrucks, der zum Lächeln neigende Blick, die raffinierte Technik machen es zu einem der hochwertigsten Porträts in der Sammlung des genuesischen Museums.