In den 1970er Jahren kehrte Nivola zur Staffeleimalerei zurück: eine Art, über den Raum nachzudenken, die über die Beziehung zwischen einer flachen Oberfläche und einem dreidimensionalen Bild nachdenkt. Die Serie der großen geometrischen Figuren ist geprägt von warmen und matten Tönen – in Mode in den 1970er Jahren – und von der Mehrdeutigkeit zwischen Figur und Hintergrund: Das Volumen der Figuren wird von Zeit zu Zeit durch den Auftrag der vorbeiziehenden Farbe verleugnet oder akzentuiert von einer Ebene zur anderen. Auch hier gilt das Interesse des Künstlers der Definition und Wahrnehmung von Raum.

In den frühen 1950er Jahren begann Nivola mit der Herstellung einer Reihe von Bogenfiguren, den Ancestors, mit einer Technik, die teilweise von der Skulptur seines Freundes Alexander Calder angeregt wurde. Das erste bekannte Exemplar, die hier ausgestellte große Frauengestalt, entstand 1952 während einer Reise auf Sardinien. In der Folge kam der Künstler mehrfach auf das Thema zurück und schuf ua 1957/58 eine Figurengruppe als Dekoration einer Abteilung Store, Kaufhaus Carr's in West Orange, New Jersey. An der Fassade des Gebäudes platziert, verbindet Nivola die Bleche mit dem Lärm und der Belebung des Handels und des modernen Lebens.

Mit der Dekoration des Olivetti-Showrooms, der 1954 im Zentrum von New York an der Fifth Avenue eröffnet wurde, begann Nivola seine Karriere als Bildhauer für Architektur. Der vom Mailänder Studio BBPR entworfene Showroom ist eine Umgebung voller phantasievoller Erfindungen mit surrealistischem Flair. Als perfektes Beispiel für die „Synthese der Künste“, bei der Architektur, Skulptur und Design harmonisch zum Gesamteffekt beitragen, hat das Projekt sein auffälligstes Element in Nivola's Arbeit. Das 23 Meter lange Relief wurde mit einer vom Künstler erfundenen Technik des Sandgusses (Gipsskulptur aus einer im Sand modellierten Matrix) hergestellt und stellt eine Reihe halbabstrakter Figuren dar, Gottheiten, die kleine menschliche Figuren in ihrem Schoß tragen und wen sie den Besucher mit großen Willkommensgesten begrüßen. Optisch durch eine Lichtlinie vom meergrünen Boden und der himmelblauen Decke abgesetzt, vermittelt die „Sandwand“ mit ihrer körnigen, an den Strand erinnernden Oberfläche einen Eindruck von Leichtigkeit und trägt dazu bei, das Bild mediterraner Natur zu evozieren. Der große Erfolg des Projekts macht Nivola auf internationaler Ebene zum idealen Partner für modernistische Architekten und bestätigt gleichzeitig die Anerkennung des italienischen Designs und der italienischen Kreativität im Ausland.

Die Raumforschung, die in Nivolas Kunst eine Konstante ist, führte ihn in den siebziger Jahren dazu, das Thema "Räume" in Zeichnungen, Gemälden und Skulpturen auszuarbeiten. Fertige Werke statt Modelle, die Räume überarbeiten gleichzeitig die Idee des physischen und symbolischen Raums des Gramsci-Denkmals, entfernen sie aus der Sphäre der öffentlichen Kunst, um sie in einem privaten und existentiellen Schlüssel neu zu interpretieren. Einfache geometrische Formen öffnen sich auf der Vorderseite, die Zimmer haben kleine Fenster, die das Licht hereinlassen und den Raum verändern.

Ab 1974 kehrte Nivola mit einer Reihe von Gemälden zur amerikanischen Stadtlandschaft zurück, insbesondere zu New York (die früheren Versionen des Themas stammten aus den frühen 1940er Jahren). Es sind Werke, die die magische Lebendigkeit und gleichzeitig die nervöse und chaotische Qualität der Stadt einfangen. „Ich bin entschlossen – schreibt er – alles, was ich über das Thema, die Kunst des Malens und die Disziplin des Sehens weiß und verstehe, in eine Reihe von Gemälden zu packen. Es wird harte Arbeit sein, keine freudvolle Arbeit, sondern eine traurige, objektive, ehrliche Herangehensweise an eine rücksichtslose, realistische Stadt“. Passanten, Autos, das alte New York aus Backsteingebäuden, Wolkenkratzern aus Glas und Stahl verschmelzen miteinander und werden durch ein dickes und regelmäßiges Schild wiedergegeben, das fast abstrakt wird.

1953 veröffentlichte Nivola in Interiors eine Reihe von Zeichnungen, die das Projekt der „Dorf-Pergola“ veranschaulichen, das er für seine Geburtsstadt Orani konzipiert hatte. Der Künstler stellt sich vor, alle Häuser durch Pergolen zu verbinden und die Straßen in intime Räume zu verwandeln, die von den Bewohnern gemeinsam bewohnt werden können; die pergola ist ein zeichen, das die soziale bindung zwischen den menschen unterstreicht und damit stärkt. Heute fällt die Modernität der Idee auf, die über Skulptur, Malerei und Architektur hinaus auf das Terrain des Alltags vordringt.

Die von Nivola erfundene Sandgusstechnik ermöglichte die Herstellung von Reliefplatten, die montiert werden konnten, um auch sehr große Wandflächen zu bedecken, wie die Fassade der 1958 in Hartford, Connecticut, erbauten Mutual of Hartford Insurance Company, die das Museum bewahrt die Skizze. Die Skulpturen wurden mit demselben Material hergestellt, das für den Bau moderner Gebäude verwendet wird, Beton, und mit derselben Zimmerei; in den zu ihrer Herstellung verwendeten Schalungen transportiert wurden, konnten sie mit den auf der Baustelle üblichen Transportmitteln und ohne besondere Versicherungsbedingungen reisen. Nivola strebte eine „Normalisierung“ der Skulptur an, die ihr die Aura des Außergewöhnlichen nehmen und sie dem Alltag näher bringen würde. Das Kunstwerk, das Teil des gemeinsamen Daseins geworden ist, sollte dazu beitragen, die Gesellschaft zu verbessern, indem es eine harmonischere und angenehmere Umgebung schafft.

In seinem Projekt, Orani in eine „Dorf-Pergola“ umzuwandeln, sieht Nivola in der Mitte des Hauptplatzes ein Denkmal vor, das dem für das Dorf typischen Beruf des Maurers gewidmet ist, einem Beruf, der seinem Vater gehörte und zu dem er gehörte er selbst war erzogen worden. Mit dem nie fertiggestellten Projekt für das Denkmal für den Maurer von Orani wird die Serie der Building Blocks (Bauklötze) eingeweiht. Inspiriert von den Prinzipien der kubistischen Collage sind dies Figuren, die aus ineinandergreifenden, überlappenden Betonblöcken bestehen. Nivola hatte die Building Blocks als gigantische Strukturen konzipiert, „so hoch wie Gebäude“, mit denen er die Verschmelzung von Skulptur und Architektur voll erreichen konnte. Obwohl sie nicht in der erwarteten Größe hergestellt werden können, erstellt der Künstler mehrere Modelle für die Serie.

Zu Beginn der 1960er Jahre begann Nivola, Terrakotta zu verwenden, um kleinformatige Werke zu schaffen, die als völlig freie Ausdrucksform angesehen wurden, als Alternative zur Strenge, die öffentliche Arbeiten erfordern, abhängig vom Willen der Kunden und den Bedürfnissen der Architektur . Nivola skizziert mit wenigen Gesten Meereslandschaften, in denen sich kleine Figuren am Strand ausruhen oder dem Horizont entgegenschwimmen. In den siebziger Jahren kreiert Nivola, desillusioniert und angewidert von der zeitgenössischen Gesellschaft, neue Betten und Strände, humorvoll und sarkastisch, oft mit einem offenen sexuellen Inhalt, und kreiert die Serie der Piscine, Orte der städtischen Freizeit, an denen Körper massiert werden und jede Beziehung mit dem Die Natur wird geleugnet oder verzerrt.

Das Foto der Betonversion der Skulptur wird 1958 als Bild in der Werbeserie „Great Ideas of Western Man“ der Container Corporation of America verwendet, begleitet von dem Seneca-Zitat „The most Powered is he who haveself aus eigener Kraft“. Im Laufe der 1960er Jahre fertigte Nivola mehrere Versionen dieser kraftvollen und geometrischen Figur an.

Ab 1974 kehrte Nivola mit einer Reihe von Gemälden zur amerikanischen Stadtlandschaft zurück, insbesondere zu New York (die früheren Versionen des Themas stammten aus den frühen 1940er Jahren). Es sind Werke, die die magische Lebendigkeit und gleichzeitig die nervöse und chaotische Qualität der Stadt einfangen. „Ich bin entschlossen – schreibt er – alles, was ich über das Thema, die Kunst des Malens und die Disziplin des Sehens weiß und verstehe, in eine Reihe von Gemälden zu packen. Es wird harte Arbeit sein, keine freudvolle Arbeit, sondern eine traurige, sachliche, ehrliche Annäherung an eine rücksichtslose, realistische Stadt“. Passanten, Autos, das alte New York aus Backsteingebäuden, Wolkenkratzern aus Glas und Stahl verschmelzen miteinander und werden durch ein dickes und regelmäßiges Schild wiedergegeben, das fast abstrakt wird.

Zu Beginn der 1960er Jahre begann Nivola, Terrakotta zu verwenden, um kleinformatige Werke zu schaffen, die als völlig freie Ausdrucksform angesehen wurden, als Alternative zur Strenge, die öffentliche Arbeiten erfordern, abhängig vom Willen der Kunden und den Bedürfnissen der Architektur . Mit wenigen Gesten skizziert Nivola Meereslandschaften, in denen sich kleine Figuren am Strand ausruhen oder dem Horizont entgegenschwimmen. In den siebziger Jahren kreiert Nivola, desillusioniert und angewidert von der zeitgenössischen Gesellschaft, neue Betten und Strände, humorvoll und sarkastisch, oft mit einem offenen sexuellen Inhalt, und kreiert die Serie der Piscine, Orte der städtischen Freizeit, an denen Körper massiert werden und jede Beziehung mit dem Die Natur wird geleugnet oder verzerrt.

Zu Beginn der 1960er Jahre begann Nivola, Terrakotta zu verwenden, um kleinformatige Werke zu schaffen, die als völlig freie Ausdrucksform angesehen wurden, als Alternative zur Strenge, die öffentliche Arbeiten erfordern, abhängig vom Willen der Kunden und den Bedürfnissen der Architektur . Die Betten, inspiriert von etruskischen Sarkophagen, symbolisieren im weiteren Sinne die Gesamtheit der menschlichen Existenz: das Leben eines Paares in all seinen Variationen, Momente der Einsamkeit, des Glücks und der Verzweiflung. Nivola stellt sie auf weißen Sockeln aus, die mit Weizensprossen bedeckt sind, einem Symbol der Wiedergeburt, das traditionell in Sardinien bei den Riten der Karwoche verwendet wird. Vom Mikrokosmos der Betten gehen wir mit den Stränden zum Makrokosmos der Natur über: Nivola skizziert mit wenigen Gesten Meereslandschaften, in denen kleine Figuren am Strand ruhen oder dem Horizont entgegenschwimmen.

Bereits Anfang der siebziger Jahre entwickelte Nivola das, was er „einen Appetit auf Marmor und Bronze“ nannte: den Wunsch, sich mit den edlen Materialien der Bildhauerei der „reinen“ Kunst zu nähern, unabhängig von der Architektur. „Seit einiger Zeit zeichnet sich in meiner Skulptur immer mehr eine einfache, wesentliche Kraft ab. Hier arbeiten Geist und Sinne zusammen, um dem Material Form und Bedeutung zu geben. Als Ergebnis gibt es eine weibliche Form, aber nicht unbedingt als Ausgangspunkt. Die bauchige Wand des rustikalen Hauses verbarg in meiner magischen Kindheit immer einen Schatz: das flache und dünne Brot, das in der Hitze des Ofens aufquillt, ein Versprechen, den gewöhnlichen Hunger zu stillen. Ebenso verbirgt die Schwangere das Geheimnis eines wundervollen Kindes in ihrem Bauch.“ So erklärt Nivola die Bedeutung der großen Mütter – Ikonen seiner späten Reife.

Das Thema der Witwen stammte wiederum von dem der Argia ab, war aber auch allgemeiner mit der Idee der sardischen Frau verbunden, die in Jahrzehnten liebevoller Reflexion über das Thema gereift war. "Alle sardischen Frauen sind Witwen", sagte Nivola, "auch diejenigen, die nie heiraten."