Die Skulptur Venus und Adonis wurde zwischen 1789 und 1794 von Antonio Canova im Auftrag des Marquis Francesco Berio geschaffen, der sie in einem kleinen Tempel aufstellte, der eigens im Garten seines Palastes in Neapel errichtet wurde. Nach dem Tod des Marquis wurde das Werk auf Anregung von Canova selbst von Oberst Guillaume Favre gekauft. Es befindet sich derzeit in Genf im Musée d’Art et d’Histoire. Wieder einmal wählt der Künstler ein Thema aus der griechischen Mythologie. Adonis, das Ergebnis der inzestuösen Vereinigung zwischen Myrrh und seinem Vater Cinira, wurde aus dem Strauch geboren, in den die Mutter verwandelt worden war, verurteilt zu ewigem Schmerz. Als er aufwuchs, erlangte der junge Mann eine so seltene Schönheit, dass sich sogar Venus in ihn verliebte. Die Leidenschaft des im Wald aufgewachsenen Jungen war schon immer die Jagd und trotz der ständigen Warnungen seiner Geliebten gab er sie nicht auf. Es wird gesagt, dass die Göttin auf jede Weise versuchte, ihn davon abzubringen, ihn vor Gefahren zu retten und ihn vor dem Angriff wilder Bestien zu schützen. Aber wie prophezeit, biss ihn ein Eber während eines Jagdausflugs und tötete ihn. Der vom Künstler gewählte Moment ist der des Abschieds, der sich als der vorhergesagte und letzte Abschied herausstellen wird, der Augenblick, bevor sich das grausame Schicksal erfüllt. Es ist nicht der Moment des maximalen Pathos der Geschichte, sondern derjenige, der sie vorwegnimmt und so nach den neoklassischen Kanons einen Zustand absoluter Strenge und Ausgeglichenheit schafft. Das Werk kann als sein Meisterwerk im Genre „Zart und Sanft“ bezeichnet werden, in dem Winckelmanns vom Künstler unterstützte Vorstellung von Anmut und idealer Schönheit in höchstem Maße zum Ausdruck kommt. Die vorherrschende Figur der Skulpturengruppe ist die männliche, größere, auf der die Venus wie auf einer Säule ruht. Der Pfeil, den der Protagonist mit seiner rechten Hand hält, wird er verwenden, um sich der Bestie zu stellen, auch wenn im Mythos nicht angegeben ist, welche Waffe es wirklich war. Sein Gesichtsausdruck wird von einer leichten Melancholie dominiert, aber auch von einem leisen Lächeln, als wolle er die Göttin beruhigen, indem er sie zärtlich umarmt. Venus ist ihres göttlichen Wesens völlig beraubt und wird als bloßes menschliches Wesen wahrgenommen. Sie ist eine Frau, die besorgt ist von der Vorahnung dessen, was passieren könnte, eingetaucht in ein Gefühl des Schutzes, das sich in einer sehr süßen und zarten Liebkosung auf dem Gesicht der Geliebten manifestiert. Der Hund zu ihren Füßen, mit einzigartiger naturalistischer Schärfe wiedergegeben, erinnert an die Jagd. Sein raues Fell bildet einen scharfen Kontrast zur glatten Haut der beiden Charaktere. Eine Szene außerhalb von Mythos und Ruhm, also der irdischen Liebe zugehörig.

Die Grazien sind das Meisterwerk der gesamten neoklassizistischen Bewegung sowie eines der berühmtesten Werke von Antonio Canova, vor allem wegen des Staunens, das beim Anblick von drei lebensgroßen und aus einer einzigen geschnitzten Frauenfiguren empfunden wird Block aus Marmor. Die Gruppe wurde von der Kaiserin Joséphine de Beauharnais, einer der Hauptmäzene von Canova, angefordert. In ihrer persönlichen Geschichte heiratete sie zum ersten Mal Alexandre Beauharnais, aber es war ihre zweite Ehe mit Napoleon, die sie berühmt machte. Tatsächlich starb er 1815, also war es sein Sohn Eugène, der sich an der bezaubernden Schönheit des Werks erfreute, das sich heute in der Eremitage in St. Petersburg befindet. Während Canova noch an der ersten Variante interessiert war, traf John Russel, 6. Herzog von Bedford, im Dezember 1814 in Rom ein. Das Gipsmodell beeindruckte ihn so sehr, dass er eine Nachbildung in Auftrag gab. Jetzt ist das Meisterwerk zum gemeinsamen Erbe des Victoria & Albert Museums in London und der National Galleries of Scotland in Edinburgh geworden. Die beiden Versionen unterscheiden sich nur in der Form der Säule. In der ihm sympathischen und bevorzugten Sprache des Nackten repräsentierte Canova diese drei Töchter des Zeus und der Göttin Oceanina Eurynome. Ihre Namen sind Aglaia, die Verkörperung der Pracht, Eufrosine der Freude und Fröhlichkeit und Talia, die Wohlstand darstellt. Aufgrund der antiken Ikonographie wurde das Motiv der drei nackten und umarmten weiblichen Figuren, das oft mit der Venus in Verbindung gebracht wird, von Canova mehrfach in seinen Werken aufgegriffen. Tatsächlich gibt es mehrere Zeichnungen und Tempera, ein Monochrom, ein Gemälde, aber vor allem ein Flachrelief aus Gips, das auf sein interpretatives Denken hinweist. Der innovative Wunsch, die drei Figuren anders als die bisherigen und klassischen Darstellungen darzustellen, wurde offensichtlich. Diese Gruppe übersetzt die Idee der „Gnade“ in die Skulptur, die weniger als eine Kategorie körperlicher Schönheit verstanden wird, als vielmehr als eine Qualität des Geistes und des Gefühls. Die drei Schwestern, umgeben von einem Tuch, entsprechen perfekt den Kanonen der idealen Schönheit, die von neoklassizistischen Künstlern angestrebt werden. Sie werden in einem anmutigen Tanz oder in einem Rundtanz verbunden und erreichen ein perfektes Maß an Balance. Sie sehen sich sowohl in ihrer Frisur als auch in ihren Gesichtszügen sehr ähnlich und sind in einer zärtlichen, geschlossenen Umarmung vereint, ineinander verschlungen, als wären sie eine Einheit. Sie folgen auch einem Muster intimer, liebevoller, gegenseitiger und zurückhaltender Blicke, die den Betrachter ausschließen. Es gibt ein subtiles Spiel von geschmeidigen und weichen Linien, von wechselseitigen Gesten, langsam und studiert, von fast geflüsterten Worten in einer harmonischen Komposition. Auf der linken Seite steht eine Stele, die von der linken Figur fast verdeckt wird, auf der drei Blumenkränze ruhen, die geschickt als Stützbasis für die drei Themen dient. Wir werden Zeuge dessen, was Quatremère de Quincy „die sichtbaren Veränderungen einer abstrakten Qualität“ nannte, durch „die geniale und neue Umarmung dreier weiblicher Figuren, die, von welcher Seite sie auch betrachtet werden, sich umdrehend, immer unterschiedliche, vielfältige Positionen, Formen zeigen , Umrisse, Ideen und Affekte raffiniert nuanciert ». Diese Skulptur drückt die tiefste Bedeutung und Essenz des in der neoklassischen Kultur ausgearbeiteten Gedankens aus und repräsentiert auf beispielhafte Weise die Idee der Schönheit, die in eine perfekte und eigenständige Form gebracht wurde.

Die beiden Protagonisten traten bei den Nemei-Spielen an, das sind die Wettkämpfe, die alle zwei Jahre Sportler aus allen Städten Griechenlands in der Polis von Nemea zusammenbrachten: Creugante da Durazzo und Damosseno di Siracusa. Da sie kein Gewinner waren, wurde entschieden, dass jeder der beiden verbleibenden Antagonisten dem Gegner einen einzigen Schlag versetzen und so das zermürbende Duell beenden konnte. Ersterer schlug zu, während letzterer vorgab, seinem Rivalen einen Schlag auf den Kopf zu versetzen, ihn mit grausamer Wucht in die Seite schlug, ihm die Eingeweide herauszog und seinen Tod verursachte. Der heimtückische Schlag wurde von den entsetzten Richtern mit Verbannung bestraft, während im Tempel des Jupiter Liceo in Arkadien eine Gedenkstatue für die Besiegten errichtet wurde. Creugante steht breitbeinig fest, er hält den rechten Arm mit geschlossener Faust über den Kopf und wartet auf den Schlag des Gegners. Fast instinktiv bereitet sie sich auf die Antwort vor und steht ihm auf ihrer Seite. Damossenus schützt seine Brust mit seinem linken Arm, als wolle er sich davor schützen. Die rechte Hand ist offen und ausgestreckt wie eine Klinge, um den Todesstoß zu versetzen. Sein Auftreten ist besonders brutal und aggressiv. Der Blick vermittelt Unmenschlichkeit und Wildheit; ein gewalttätiger, rücksichtsloser Ausdruck und ein offenkundiger Hass zeichnen sich auf dem Gesicht ab. Die Statuen werden nach Muskelspannungen von beträchtlicher plastischer Andeutung hergestellt, die in der Pose eine entschlossene und bissige körperliche Energie und eine typische Erhabenheit von Athleten einschließen. Tatsächlich ist es ein freudiger Wunsch, eine perfekt erworbene anatomische Wissenschaft zu zeigen, das Ergebnis einer täglichen grafischen Übung auf halbem Weg zwischen privatem Vergnügen und strenger Disziplin. Die Pugilatori wurden in der gleichen Zeit konzipiert, in der der Bildhauer die Gruppe von Herkules und Lica konzipierte, und gehören in Canovas Schaffen zu der Phase maximaler Ausdrucksspannung, die zu beispiellosen Lösungen des Heldentums und einer titanischen Feier der Stärke gelangt. Er vermeidet jede schwebende Starrheit der Handlung, die typisch für die klassische Kunst ist, und versucht, die augenblickliche Handlung darzustellen, indem er eine konzeptionelle und gestische Komplexität in einem einzigen Bild zusammenfasst. Gipsabgüsse von Creugante wurden vom Künstler an die wichtigsten Akademien Europas geschickt, damit Kenner und Liebhaber der bildenden Kunst nach den Worten des Bildhauers eines seiner "Werke von stärkerem Charakter bewundern und bewerten konnten, da sie sie bisher noch nicht gesehen haben jeder ein süßer und zarter Stil ». Ohne Auftrag konzipiert, wurde es dann 1801 von Papst Pius VII. für die Vatikanischen Museen gekauft (daher die Inschrift am Sockel „CVRA PII VII“), um die Lücke zu kompensieren, die die antiken Meisterwerke hinterlassen hatten, die von den Armeen nach Frankreich gebracht wurden. Die Statue von Damossenus hingegen wurde von der päpstlichen Regierung nach dem Kauf seines Gefährten in Auftrag gegeben, um 1806 neben ihm aufgestellt zu werden.

Antonio Canova - Theseus Sieger des Centaur

Theseus auf dem Minotaurus ist eine skulpturale Arbeit, die zwischen 1781 und 1783 von Antonio Canova geschaffen wurde, und die Marmorversion wird derzeit im Victoria and Albert Museum in London ausgestellt. Theseus sitzt triumphierend auf seinem Gegner: Er hält die Keule, mit der er das zweigestaltige Wesen niedergeschlagen hat. Der Minotaurus ist ausgestreckt und blutleer: Er liegt leblos in einer unnatürlichen Haltung. Dies gilt als das erste Werk, in dem Canova das Studium der Natur mit den in Rom gemachten Beobachtungen an klassischen Werken verbinden wollte; für die Kunstgeschichte ist es ein Wendepunkt. Der Stilwechsel besteht gerade in der Synthese der Schönheit der Natur mit der idealen Schönheit, dem Schlüssel zum Neoklassizismus. Der Vergleich dieses Werks mit dem letzten Werk der venezianischen Zeit „Dädalus und Ikarus“ macht die Veränderung wirkungsvoller: Vater und Sohn werden durch eine bemerkenswerte Aufmerksamkeit für ausdrucksstarke, reale und menschliche Daten dargestellt. Andererseits sticht bei Theseus und dem Minotaurus die Suche nach einer idealisierten und perfekten Schönheit hervor, die eines griechischen Helden würdig ist, die nur dank Canovas Studien über Proportionen und die menschliche Figur erreicht wird. Bei Theseus erkennen wir eine „ruhige Physiognomie, die eines Helden würdig ist, der sich edel am Gewinnen erfreut, was ihm keine große Bedeutung beimisst; der Charakter des Minotaurus steht im Gegensatz zu dem von Theseus und harmoniert mit dem gesamten Werk "DIE SUCHE FORTSETZEN: Theseus, Held von Attika und Sohn des athenischen Königs Ägäis, war berühmt für seine Sensibilität und seine Kraft . Sein Vater beschloss, ihn schon in jungen Jahren auf die Probe zu stellen, indem er seine Sandalen und sein Schwert unter einem massiven Felsen versteckte. Erst als der Junge den Steinblock hochheben und seine Habseligkeiten zurücknehmen konnte, konnte er nach Athen gehen und König der Stadt werden. Mit sechzehn brachte ihn seine Mutter an den vorgesehenen Ort und Theseus bestand die Prüfung mühelos und mit Stolz. Als er jedoch den Platz seines Vaters einnahm, erkannte er eine unangenehme Wahrheit: Jedes Jahr musste seine Stadt 14 junge Athener (7 Jungen und 7 Mädchen) an den Minotaurus liefern. Diese monströse Bestie war in einem sehr komplizierten Labyrinth eingeschlossen, das von Daedalus auf der Insel Kreta geschaffen wurde, und aß nur von den Körpern armer Menschen, die krank waren. Theseus wollte das unglaubliche Kunststück versuchen, sich dem Minotaurus zu stellen, um sein Heimatland von dem Albtraum zu befreien, der es unterdrückte. Also bereitete er die Expedition vor und trainierte mit den schwersten Waffen, aber nur dank der List der kretischen Prinzessin Ariadne konnte er erfolgreich sein. Tatsächlich brachte sie ihm bei, dass es ausreichte, unterwegs einen Fadenknäuel abzurollen, um den richtigen Rückweg nicht zu verlieren. Seinen Worten lauschend, vollendete Theseus das furchterregende Unterfangen und sein Volk war ihm für immer dankbar.

Die Skulpturengruppe repräsentiert die kontrastreiche und leidenschaftliche Liebesgeschichte zwischen dem Gott Eros und der schönen, aber irdischen Psyche. Die beiden Versionen von Amor und Psyche wurden von dem schottischen Oberst John Campbell an Antonio Canova in Auftrag gegeben, der gerade dreißig Jahre alt war. Das erste, das an Gioacchino Murat verkauft wurde, der es in das Schloss von Compiègne überführte, befindet sich heute im Louvre-Museum. Das zweite, vom Kunden an Josephine de Beauharnais, die Frau von Napoleon, verkauft, wurde schließlich von Zar Alexander I. von Russland gekauft, der es in die Eremitage in St. Petersburg brachte. Die Arbeit bezieht sich auf die Geschichte, die in Apuleius' Asinus aureus enthalten ist. Die Fabel stellt die Allegorie der Seele dar, die, begierig darauf, herauszufinden, was ihr absichtlich verborgen bleibt, das Verbot der Götter missachtet, die sie zwingen, eine schwere Strafe zu erleiden und für die Schuld zu büßen. Die Geschichte bot zahlreiche Interpretationen und Inspirationsideen für Künstler aller Epochen, insbesondere während der neoklassizistischen Zeit. Obwohl die Arbeit auf der Darstellung zweier unterschiedlicher Subjekte basiert, sind diese physisch und technisch als ein einziger Körper komponiert, nahe bei sich und vereint durch eine Haltung, die Komplizenschaft und tiefe Intimität vermittelt. Das Teenager-Pärchen steht in aufrechter Haltung mit gesenktem Kopf, während die Haltung der Beine suggeriert, dass sie sich näher kommen. Junge Menschen haben ein sehr ähnliches Gesicht, wenig ausgeprägt und der Ausdruck beider ist gelassen und entspannt. Das Mädchen ist perfekt frontal und vage nur von einem Rock bedeckt; Die Künstlerin fand für sie die Möglichkeit, die bereits einstudierte und glücklich gefundene Pose wiederzuverwenden. Er nimmt eine Haltung sanfter Unschuld ein und hält die Hand der Liebe, auf der ein Schmetterling zart ruht, und hält ihn mit seinen Fingern an den Flügeln. Das kleine Wesen verdeutlicht Canovas Sensibilität im Umgang mit Marmor und ist ein Sinnbild für die Seele, die das Mädchen ihrer Geliebten schenkt, aber auch ein Sinnbild für die Zerbrechlichkeit und Kürze des Lebens. Das ausdrucksstarke Zentrum der gesamten Komposition ist in der Tat das exquisite fragile Spiel der Hände, die es streicheln und schützen. Amore ist nackt, lässt seinen Arm um den Hals des Mädchens gleiten und legt seine Wange zärtlich auf ihre Schulter. Amor, als Kind oder Amorino, taucht viele Male in Canovas Produktion auf. Es gibt keinen Hinweis darauf, wo sich die Motive befinden, sie umarmen sich an einem zeitlosen Ort. Die Reinheit der Modellierung, die die formale Idealität antiker Skulpturen suggeriert, macht das Werk tatsächlich absolut modern in Konzeption und Ikonographie. Die Schönheit der Gruppe strahlt eine fast unkörperliche Bedeutung aus, so dass diese Umarmung zwischen dem Mädchen und dem Gott bewundert wird, der der üblichen Flügel beraubt ist, die von der Venus geschnitten wurden, "der Betrachter ist nicht von ihrer körperlichen Perfektion bewegt, sondern von dem spirituellen Gefühl, das der Autor hat hat innen geblasen ".

Antonio Canova - Theseus auf dem Minotaurus

Antonio Canova - Tänzer mit den Händen auf den Hüften

Antonio Canova - Tänzerin mit ihrem Finger an ihrem Kinn

Antonio Canova - Die Grazien und die Venus tanzen vor dem Mars

Antonio Canova - Paolina Borghese Bonaparte als siegreiche Venus

Aus einem einzigen Block aus reinem Carrara-Marmor gemeißelt, taucht die Statue von Paolina Bonaparte als siegreiche Venus in der Mitte von Saal 1 der Galleria Borghese in Rom auf. Bereits 1804 hatte Antonio Canova im Auftrag von Prinz Camillo Borghese begonnen, sich mit dem Werk zu befassen. Zunächst stellte ihr Mann sie im Palazzo Chablais in Turin unter und wählte für sie ein rein privates Ziel aus. Es war das Jahr der Kaiserkrönung ihres Bruders Napoleon Bonaparte. Die Skulptur der Schwester sollte zu einem der Hauptsymbole des politischen Aufstiegs der Napoleoniden in Europa werden. Einige Vorzeichnungen zeugen von einer langen Beschäftigung des Künstlers mit dem Sujet und seinen möglichen Kompositionen. Vier davon werden im Museum der Archivbibliothek von Bassano del Grappa aufbewahrt. Die Frau wurde auf ihren persönlichen Wunsch in der Haltung und Haltung dargestellt, die normalerweise Venus, der griechischen Göttin der Schönheit, gewidmet ist. Wie der berühmte Mythos erzählt, wählte Paris durch eine Art Wettbewerb die schönste der Göttinnen aus, indem sie sie mit einem goldenen Apfel belohnte, dem gleichen, den Paolina in ihrer linken Hand hält. Darüber hinaus spiegeln der Körper und seine Haltung einige antike Kompositionsmodelle wider, insbesondere aus der augusteischen Zeit. Tatsächlich liegt die Frau träge auf einer Agrippina, einem länglichen Sessel mit einer einzigen Armlehne, auf der sie ihren rechten Arm abstützt. Die Büste ist aufrecht und völlig nackt, während der untere Teil halb von einem leichten Kleid bedeckt ist, das die Frau gleichzeitig bescheiden und sinnlich erscheinen lässt und die Statue mit einer starken Erotik auflädt. In der Tat ist die skandalöse Atmosphäre, die die hypothetische nackte Pose im Atelier des Künstlers damals auslöste, merkwürdig. Das Gesicht ist idealisiert, perfekt in seiner Konkretisierung und scheint den Betrachter, der es bewundert, direkt anzuschauen. Die göttlichen Züge heben es aus jeder irdischen Realität heraus: Es wird nur dank des Armbands am rechten Handgelenk, der Schleife am Haar und einer speziellen rosa Patina, die Canova auf die epidermalen Teile aufträgt, um es zu imitieren, in die menschliche Dimension zurückgebracht die Farbe des Teints und verleihen ihm einen Hauch von Leben. Die detailreichen Kissen und das Sofa erhalten insgesamt eine realistische und einladende Weichheit, während die gesamte Struktur über einen Mechanismus verfügt, der es ihr ermöglicht, sich zu drehen. Das Gipsmodell wurde aufgrund der Bombenangriffe des Krieges, die einen großen Teil der Sammlung betrafen, enthauptet, der rechten Hand, die auf der Wange ruhte, der Finger der linken Hand und einem Teil des linken Fußes beraubt. Im Herbst 2003 war es dank der Anwendung neuer Technologien möglich, mit einem computergestützten Scan des römischen Marmors die fehlenden Teile zu rekonstruieren und dann mit ihrer Reintegration fortzufahren.

Thomas Lawrence - Porträt von Antonio Canova

Es war Canova selbst, der in einem Briefwechsel mit seinem Freund Quatremère de Quincy die Tatsache bekannt gab, dass der Künstler Ende Oktober 1816 mit der Herstellung des Tonmodells beschäftigt war, „so groß wie das Original oder etwas what more “ von der Skulpturengruppe Mars und Venus. Die Arbeit wurde im Jahr zuvor vom englischen Prinzregenten George IV in Auftrag gegeben, der den doppelten Betrag zahlte, der erforderlich war, um die Exklusivität der Darstellung der Untertanen zu gewährleisten. Von der Tonform wurden zwei Gipsabgüsse erhalten, während der 1822 fertiggestellte Marmor an die englischen königlichen Sammlungen geliefert wurde. Es wird immer noch im Buckingham Palace in London aufbewahrt. Die Wahl des Themas wurde von Canova selbst getroffen und beinhaltete ein Novum. Die beiden Figuren bieten sich an, um allegorisch den in ganz Europa wiederhergestellten Frieden mit dem Ende des napoleonischen Epos und dem Tag nach dem Wiener Kongress zu feiern. Die Göttin Venus, die seit jeher mit Glück, Wohlbefinden, Harmonie und Frieden in Verbindung gebracht wird, ist hier eine sanft gestellte Figur mit weichem Fleisch und in dünne Falten gehüllten Beinen. Die Göttin der Liebe wird in die Arme ihres Partners gegossen, fast darauf bedacht, ihn abzulenken und ihn mit Schmeicheleien zu überhäufen. Der Kriegsgott Mars ist stehend dargestellt, männlich, fest in der Haltung, mit sorgfältig gezogenen Muskeln und mit dem rechten Arm den Speer haltend. Der Schild und das Schwert werden zu ihren Füßen neben einem Füllhorn mit Früchten platziert, um die Rückkehr von Wohlstand und Überfluss zu symbolisieren, die durch das Ende des Kriegskonflikts garantiert werden. Die Erfindung der beiden nackten und zärtlich umarmten Figuren greift nach zwanzig Jahren die formale Lösung der Jugendgruppe von Adonis und Venus auf. Schließlich ist es interessant festzustellen, wie sich die beiden gegensätzlichen und mächtigen Kräfte gegenüberstehen, aber zusammenkommen, um einen Zustand des Gleichgewichts zu schaffen.