Das Gemälde, das 1936 dank einer Schenkung in die städtischen Sammlungen gelangte, zeigt eine junge Frau in einem dunklen Kleid, deren Schultern von einem transparenten Schleier bedeckt sind, der von einer goldenen Brosche gehalten wird; Ohne Kulisse zeigt das Porträt einen direkten, intimen und vertrauten Ton, wobei die junge Frau dem Betrachter mit einem Hauch eines Lächelns in die Augen starrt. Das Gemälde von bemerkenswerter Qualität wurde mit der Produktion des großen Francesco Hayez verglichen: Die geschickte Orchestrierung von Farben und der intime und sentimentale Ton sind in der Produktion des Venezianers um 1825-35 gut platziert. Bei der porträtierten jungen Frau könnte es sich um Carolina Zucchi handeln, die Frau, mit der Hayez eine leidenschaftliche Liebesbeziehung einging und die der Maler zwischen 1825 und 1835 in zahlreichen Gemälden, auch als historische Figuren in Gemälden, darstellen konnte Künstler, darunter Der letzte Kuss, den Julia Romeo gab (1823).

Es handelt sich um eine traditionelle Stilllebenkomposition des 17. Jahrhunderts: Das Thema des Stilllebens, das damals sehr in Mode war, bietet sich für unendliche Variationen an, um die technischen Fähigkeiten des Künstlers in der mimetischen Wiedergabe der Realität zu verbessern. Auf dem Monza-Gemälde, das dank einer wichtigen Erbschaft aus dem Jahr 1923 ins Museum gelangte, fällt die Figur der strömenden Ente auf, neben einer Waldschnepfe und anderen Vögeln und Früchten, die auf einem Weidenkorb arrangiert sind. Das Werk wurde 1935 in der Pinacoteca als eine Produktion der Cremoneser Schule des 17. Jahrhunderts ausgestellt; Im Hinblick auf die Wiedereröffnung der Städtischen Museen im Jahr 2014 wurde es einer wichtigen Restaurierung unterzogen, die es ermöglicht hat, seine volle Lesbarkeit wiederzuerlangen.

Das Gemälde interpretiert die Evangeliumsgeschichte des Aufstiegs zum Kalvarienberg, wobei Jesus mit Dornen gekrönt und mit dem Kreuz beladen ist, von einer Gruppe von Schergen, die sich um ihn drängen und fast die gesamte Oberfläche des Gemäldes einnehmen. Federico Zeri schlug 1984 vor, das auf das Ende des 16. Jahrhunderts datierte Werk Giovanni Battista Cremonini, einem Maler aus Cento und Inhaber einer Schule, zuzuordnen. In der Malerei des 15. bis 16. Jahrhunderts ist es ein sehr verbreitetes Sujet mit rein andächtiger Intonation: Der Kreuztragende starrt den Betrachter aufmerksam an und bezieht ihn emotional mit ein, während die Soldaten, die sich um Jesus drängen, einen manieristischen Duktus offenbaren, der durch die Diagonalen und ein fast rotierender Rhythmus die dramatische Dimension der Episode.

Das Werk ist Teil der großen Gruppe von Gemälden von Mosè Bianchi, dem bedeutendsten monzesischen Maler des 19. Jahrhunderts, zum Thema betende Frauen in einer Kirche. Das Thema bietet dem Maler Gelegenheit, beide Genreaspekte zu erfassen - den Ministranten, der die Lampen ausschaltet, die Haltung und Kleidung der edlen Damen - und Anspielungen auf die Themen des Risorgimento, die dank der von pietistischen oder langweiligen Tönen befreit sind Solidität des Systems, die geschickte Modulation der Lichter und Farbakzente, die den Halbschatten des Innenraums beleben. Das Gemälde ist in einer Kirche angesiedelt, die in einigen Details an den Dom von Monza erinnert, jedoch keine originalgetreue Nachbildung ist, sondern die freie Nachbearbeitung eines Ortes voller Erinnerungen, den der Autor offensichtlich seit langem besucht.

Das Werk gelangte 1992 dank des bedeutenden Erbes der Familie in die städtischen Sammlungen von Monza: Guido Cinotti war ein bedeutender toskanischer Maler, der Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts tätig war und hauptsächlich Landschaften und Stillleben verfasste. Eine Zeit lang hielt er am Divisionismus fest, wie das Gemälde aus Monza zeigt: Das alpine Motiv – ein Pass, der mit einer zentralperspektivischen Ansicht der schneebedeckten Straße wiedergegeben wird – erlaubt Cinotti, die Technik der fadenförmigen Farbzeichnung mit kurzen, nebeneinander liegenden Pinselstrichen anzuwenden die Licht und Farben mit einer sehr hohen technischen Qualität verstärken. Das Thema wurde auch in den folgenden Jahren von Cinotti aufgegriffen, wie die Version zeigt, die in der Galerie Ricci Oddi in Piacenza aufbewahrt wird.

Das Werk gelangte 1992 dank des bedeutenden Erbes der Familie in die städtischen Sammlungen von Monza: Guido Cinotti war ein bedeutender toskanischer Maler, der Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts tätig war und hauptsächlich Landschaften und Stillleben verfasste. Eine Zeit lang hielt er am Divisionismus fest, wie das Gemälde aus Monza zeigt: Das alpine Motiv – ein Pass, der mit einer zentralperspektivischen Ansicht der schneebedeckten Straße wiedergegeben wird – erlaubt Cinotti, die Technik der fadenförmigen Farbzeichnung mit kurzen, nebeneinander liegenden Pinselstrichen anzuwenden die Licht und Farben mit einer sehr hohen technischen Qualität verstärken. Das Thema wurde auch in den folgenden Jahren von Cinotti aufgegriffen, wie die Version zeigt, die in der Galerie Ricci Oddi in Piacenza aufbewahrt wird.

Anselmo Bucci ist einer der wichtigsten in den Sammlungen des Museums vertretenen Maler: Der gebürtige Fossombrone verbrachte den größten Teil seines Lebens in Monza, wo er seine ersten Schritte als Maler unternahm und 1955 starb. Der Maler spielte eine Schlüsselrolle Rolle in der Erfahrung von Novecento Italiano, das er zusammen mit Dudreville, Funi, Sironi, Oppi, Malerba und Marusssig gründete, das er aber 1929 verließ, um seine Forschungen unabhängig fortzusetzen. Das Gemälde stellt einen reifen Anselmo Bucci dar, der sich der Rolle, die er heute im Panorama der italienischen Kunst dieser Jahre einnimmt, voll bewusst ist: Er zeigt sich in einem Dreivierteloval als Künstler mit einem entschlossenen und selbstbewussten Blick. Im Hintergrund, unbestimmt, aber links durch ein Fenster beleuchtet, ist eine weibliche Figur zu erkennen.

1881 unternahm Pompeo Mariani eine Reise nach Ägypten, bei der er von den Farben und Traditionen der nordafrikanischen Kultur fasziniert war, wie dieser Blick auf die Landschaft am Rande von Kairo entlang des Nillaufs zeigt: die unbefestigte Straße der sich voraussichtlich in der Tiefe windet, wird von einigen Frauen überquert, die Amphoren für Wasser tragen, während Sie auf dem Fluss die traditionellen Boote mit weißen Segeln sehen können. Wie in zahlreichen anderen Fällen im Zusammenhang mit der Afrikareise entstand auch dieses Gemälde nach der Rückkehr nach Italien, wobei die vor Ort gezeichneten Skizzen und Andeutungen persönlicher Erinnerungen überarbeitet wurden. Das Gemälde zeigt die Kenntnis von De Nittis' Werken und kompositorischen Schnitten, die sich auf das Motiv der perspektivischen Straße und die Elemente konzentrieren, die den Vordergrund und die Landschaft im Hintergrund gekonnt verbinden, vereint durch den sicheren Einsatz von Licht und Farben.

Die große Leinwand stellt eines der anspruchsvollsten Werke von Emilio Borsa dar, einem aufmerksamen Beobachter der ländlichen Realität, die noch Ende des 19. Jahrhunderts am Rande des historischen Stadtzentrums gegenwärtig war. In diesem Fall fängt die Borsa einen Moment des täglichen Lebens in den Mühlen ein, die damals entlang des Lambro im Bereich des Klosters der Grazie Vecchie existierten, einem Gebiet, das nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs von den Siedlungen völlig zerstört wurde. Das Werk genießt, auch dank einer kürzlich durchgeführten Restaurierung, eine sehr hohe chromatische Qualität, die durch den klugen Einsatz von Licht und Reflexionen auf dem Wasser verstärkt wird, während die Untersuchung weiblicher Figuren, die bei der Ausführung ruhiger täglicher Aktivitäten gefangen sind, in die Richtung des Naturalismus gestellt wird 19. Jahrhundert in der damaligen künstlerischen Produktion von Monza gut vertreten.

Das große Gemälde ist eines der Meisterwerke des Malers aus Monza Eugenio Spreafico: Entlang eines Feldwegs in der Landschaft, gezeichnet von den Furchen der Wagenräder, nähert sich eine Gruppe junger Frauen dem Betrachter, der das Werk beendet hat , kehren bei Sonnenuntergang in ihre Häuser zurück . Das Gemälde, das oft als eine Art weiblicher „vierter Stand“ angesehen wird, erinnert an die Monza-Realität des späten neunzehnten Jahrhunderts, eingetaucht in das Klima der Aufmerksamkeit für die realen Daten und die soziale Dynamik der Zeit, ohne jedoch wie immer polemische oder denunzierende Implikationen im Produktion dello Spreafico, ein aufmerksamer Beobachter mit teilnehmendem Blick. Das Werk wurde erstmals 1895 in Genua ausgestellt, wo es für 3000 Lire zum Verkauf angeboten wurde; Nach damaligen Kommentaren handelt es sich um ein Thema, das Spreafico – aber nicht nur – bereits in ähnlichen Kompositionen aus den 1880er Jahren behandelte und später als Beleg für den ikonografischen Erfolg des Modells singend voranschreitender Arbeiterinnen aufgriff.

Das Fresko, zerrissen und wieder auf die Leinwand gebracht, stellt den Moment dar, in dem Maria den leblosen Körper ihres vom Kreuz abgenommenen Sohnes in ihren Armen hält, während die Magdalena weint und die Beine Jesu hält und Joseph von Arimathäa die Hand bringt ins Gesicht gestorben. Neben der Gruppe der Trauernden erscheint die laut Evangelienbericht unpassende Figur des Hl. Johannes des Täufers, erkennbar am Gewand aus Kamelhaar. Am Fuß der Gruppe sind insbesondere ein Nagel und die Dornenkrone zu sehen, die zusammen mit der Anwesenheit des Täufers auf den Ort des Gemäldes in Monza verweisen: Der Täufer ist tatsächlich der Schutzpatron der Stadt, während der Instrumente der Passion spielen auf die in der Kathedrale verehrten Reliquien an, insbesondere auf das in der Eisernen Krone aufbewahrte Santo Chiodo. Das Fresko stammt aus der Casa degli Umiliati – heute Sitz des Museums – von wo es 1932 abgerissen wurde, als das Gebäude als Sitz des königlichen Amtsgerichts genutzt wurde; Zum Zeitpunkt der Veröffentlichung wurde die Urheberschaft Simone Peterzano zugeschrieben, aber nach späteren Recherchen und stilistischen Vergleichen ist es viel plausibler, dass der Autor des Freskos Giuseppe Meda ist, der in denselben Jahren in der nahe gelegenen Kathedrale von Monza tätig war. Das Gemälde zeichnet sich durch die eleganten Wege einer manieristischen Stilzeichnung aus, mit kalibrierten Hinweisen auf Gesten und Mimik und Verweisen auf Michelangelos Vorbilder.

Simone Pellegrini aktualisiert in seinem Werk eine ursprüngliche Ausdruckssprache, aufgeladen mit einer Ahnenkraft, die in einer stark rätselhaften Darstellung an die Felsmalerei erinnert. Der Künstler aus Ancona erarbeitet ein Alphabet aus Zeichen, die eine fast magische Aufladung bewahren und gleichzeitig eine kontinuierliche Dynamik vermitteln. Wie wir Mitte des neunzehnten Jahrhunderts die Rückkehr eines figurativen Systems erleben, das mit den Fresken der italienischen Primitiven mit dem Primitivismus verbunden ist, erweckt Pellegrini im 21. Jahrhundert eine Sprache der altsteinzeitlichen Erinnerung zu neuem Leben, die in einem zeitgenössischen Schlüssel neu interpretiert wurde, wo stilisierte Männer und Tiere mischen sich mit Effekten eines raffinierten grafischen Dekorativismus, der auf die lebendige Chromatik verzichtet und an kahle Felswände erinnert, in die klare Rillen eingraviert sind. Die Arbeit kommt als Ankaufspreis der Ausstellung „SerrOne Biennale Giovani Monza 2005“.

Signiert von dem großen lombardischen Bildhauer, Protagonist der Kunstszene der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, stellt das Stück eine junge Adlige dar, elegant gekleidet, mit zusammengebundenen Haaren und einem Spitzenkleid über einem engen Korsett an der Brust und geschmückt mit Blumensträußen von Blumen. Auf der Schulter der Frau ruht ein Vogel, der ein zusammengerolltes Stück Papier zwischen den Pfoten hält, daher der Name „Liebesbote“, da die junge Frau mit einem nachdenklichen und melancholischen Blick den Kopf wie lauschend dem Tier zuzuwenden scheint . Die Frau trägt auch eine doppelte Perlenrunde, die von einer Kamee mit einer Lilie und Perlenohrringen geschlossen wird, entsprechend der Mode der Zeit. Gegenwärtig gibt es keine sicheren Elemente, die den Porträtierten identifizieren könnten: Das Stück stammt jedoch aus einem Depot in der königlichen Villa von Monza, das ab 1868 vom damaligen Prinzen Umberto von Savoyen und seiner Frau Margherita besucht wurde; Angesichts der hohen stilistischen Qualität des Werks und seiner Provenienz könnte es sich um eine romantische Neuinterpretation eines Bildes von Prinzessin Margherita oder eines Familienmitglieds handeln.

Die große Leinwand zeigt eine Ansicht der Strada Ferdinandea (so benannt anlässlich des Besuchs von Ferdinand I. von Habsburg in Monza, später umbenannt in Via Vittorio Emanuele zu Ehren des ersten Königs von Italien), die zwischen 1838 und 1847 durch Entkernung und Rektifikation entstand ein mittelalterliches Stadtgefüge im historischen Zentrum der Stadt. Die Straße, Teil der österreichischen Militärroute zum Spluga-Pass, erscheint flankiert von einem Vorhang aus nüchternen Gebäuden aus dem 19. Jahrhundert, von denen einige noch im Bau sind; Der Blick fällt unter die Arkaden des Arengario, des mittelalterlichen Rathauses von Monza, wo der Maler bis ins kleinste Detail eine Reihe von "Bildern" des Alltags verewigt, beschrieben mit jenem eleganten und gemessenen Ton, der die Täuschung zu einem der gemacht hat geschätzte Autoren von Stadtansichten in der Lombardei Mitte des 19. Jahrhunderts.

Die monumentale Gruppe stellt den Mythos von Jupiter dar, der sich in einen Schwan verwandelt, um die junge Leda, die Tochter des Königs von Sparta, zu erobern. Aus der Vereinigung mit dem Gott werden zwei Eier geboren, aus denen Castor und Polllùce, die Diòscuri, sowie Helena von Troja, die Frau von Menelaos, und Klytämnestra, die Frau von Agamemnon, dem Bruder von Menelaos, geboren wurden. Arturo Martini – einer der größten Interpreten der italienischen Bildhauerei des 20. Jahrhunderts – präsentierte den Gips von Leda 1926 auf der 1. Mostra del Novecento Italiano in Mailand; Aus diesem Gips wurde dann die Sandsteinskulptur entnommen, die 1930 auf der IV. Kunstgewerbeausstellung in Monza ausgestellt wurde, in der Zeit (1929-1931), in der der Bildhauer am örtlichen Höheren Institut für Kunstindustrie (ISIA) lehrte. Das Werk zeichnet sich durch eine solide volumetrische Forschung aus, die es dank der Linearität der Scans und der Solidität der geometrischen Konstruktion, die durch die Hell-Dunkel-Passagen leicht gemacht wird, sofort zu einer Ikone macht, die bei zahlreichen Gelegenheiten studiert und reproduziert wird. Gut eingefügt in die Produktion des Meisters der zwanziger Jahre betrachtet Leda im Lichte der zeitgenössischen künstlerischen Forschung in Italien die primitive Skulptur, die romanische Reinheit der Formen, die archaische Synthese, die die märchenhafte Dimension des Mythos aktualisiert.